Remedio radial festivo contra la gripe A

Un programa de radio que abre las noches de fin de semana con bandas en vivo y corderos al asador, choripanes o asados se convirtió inesperadamente en una trinchera contra la gripe A: en medio de la paranoia por el contagio, organizó una fiesta que será transmitida por radio con un recital en vivo y un DJ set.
Mientras que el pánico se esparce más rápido que el propio virus, las calles quedan vacías, cierran los bares, los cines ofrecen sólo la mitad de sus localidades y se suspenden el teatro y la mayoría de los recitales, Chico Ninguno pensó que transformar la invitación a tocar en vivo en el programa La Secta del Cordero podría ser una fiesta anti contagio. “Vamos a hacer una fiesta por radio”, explicó el músico a Diagonales.
Patricio Cermele, uno de los mentores del particular encuentro radiofónico que se produce cada viernes en el Centro de Cultura y Comunicación, donde funciona la Radio Estación Sur (FM 91.7), contó que “la idea es juntarnos todos los viernes a comer un asado y que alguno de nosotros lleve a un amigo”.
Durante un cordero al asador que hicieron para festejar el fin de año de 2005, los que hacen la radio se pensaron como una secta radial, pronto cavilaron un blog y luego el programa, que a veces simula y a veces concreta un encuentro gastronómico con algún personajes del rock platense.
Aunque la idea de la fiesta surgió poco antes que cundiera el pánico por la gripe A –la gripe porcina o la H1N1–, Chico Ninguno sintió que la situación le iba a permitir la realización de un experimento radial y creó la fiesta anticontagio. “Yo no me voy a poner paranoico por la gripe, ni voy a dejar de hacer mi vida normal, pero hay muchos que se quedan en sus casas y se nota que la ciudad está medio vacía, por eso se nos ocurrió hacer una fiesta que pueda ser transmitida por la radio y por Internet”, explicó.
La fiesta no sólo es para escuchar en casa. Quienes se animen a embadurnarse de alcohol en gel también pueden acercarse a ver el programa en vivo, con entrada gratis. La secta del cordero comenzará a las 21 y luego de la presentación de Chico Ninguno, el cantante pasará al auditorio del Centro de Cultura y Comunicación para presentar su disco doble Chico no correspondido junto a su coequiper La marica mala programada para el mal. Si bien Chico... es un disco doble, uno más indie-folk-cancionero y otro más bailable, será sobre estos temas, de pop electrónico, que se basará la presentación.
Habrá, además, micrófonos por todos lados para que la gente que siga el programa por la radio pueda escuchar las conversaciones de los que se animen a romper el aislamiento y se sumen al evento.
Tras el concierto habrá un dj set de Ale Gamba, que intentará mantener a la audiencia de fiesta hasta después de la media noche. “Si bien el programa termina a las 23, la idea es seguir con el baile hasta la una de la madrugada", contó Patricio.
Antecedentes. Chico Ninguno es el nombre que tomó el ex cantante de Atmosferia para lanzar el proyecto solista con el que se sumó al circuito under platense de música electrónica en el que también militan bandas como I need to take my medicine, Mariquitas y The Charlie’s Jacket; además de una gran lista de DJ y artistas invitados de Buenos Aires como Fok Electrochongo.
Además de tocar música, Chico Ninguno conduce los sábados a la noche un programa de radio en Universidad (FM 107.5) que se llama RadioDromo, donde suele proponer audiciones experimentales.
La fiesta en La secta del cordero cuenta con algunos antecedentes europeos, fiestas que se transmiten por Internet, gente que baila en un lugar con dj´s tocando en otros, y tiene en mente emular a un grupo español que realiza intervenciones o performances radiales en vivo y se llama Intimitat. Los españoles hacen una radio interactiva a domicilio: “¡sólo tienes que enviarnos un mail y te montamos un programa de radio único en vivo en tu casa!”, anuncian.
“Supongo que va a hacer una audición un poco experimental”, anuncia Chico Ninguno, que pretende “microfonear todo el espacio para que se escuche todo lo que pasa”. Y propone: “Amigos, esta es una fiesta en la radio para ser escuchada en casa o para abandonar el miedo y la paranoia y participar en vivo, una fiesta a favor de la fiesta y en contra de la gripe y el barbijo. Un programa radial y recital de Chico Ninguno, dj y fiesta”.
Quienes se atrevan a conocer la experiencia de cuerpo presente pueden ir a las 21 a 42 entre 6 y 7, mientras que quienes sólo se atrevan a escuchar tienen varias alternativas: por radio FM en el 91.7 y en la web. Los que quieran saber de antemano con lo que se pueden encontrar, pueden bajar el disco de Chico Ninguno acá o acá.

Gripe A: Cambios en el aire

Menos invitados, columnistas suspendidos, más entrevistas telefónicas y hasta un nuevo programa dedicado a entretener y educar a los chicos son las novedades a las que se vio obligada la radio platense a partir de la irrupción de la pandemia de la gripe A y sus consecuentes medidas preventivas, aunque hay más cambios en los medios oficiales que en los privados.
La radio se hace en un pequeño cuarto de no más de 3 metros por 3, herméticamente cerrado, acondicionado con paredes que evitan que los sonidos reboten. Una vez que la puerta se cierra, apenas una ventana de vidrio conecta visualmente al conductor del programa con el cuarto exterior, donde trabaja el operador. Los conductores se sientan en una mesa redonda o de media luna con entradas para conectar auriculares y micrófonos, sobre los que tienen que hablar para que sus voces se propaguen por el aire.
Los Cambios. La radio es, o podría ser, un espacio que puede ser propicio para la transmisión del virus de la gripe A. Así parecen haberlo pensado las autoridades de las radios públicas de la ciudad, que cambiaron algunos hábitos de sus programas con la intención de minimizar las posibilidades de que los trabajadores se contagien. Tanto en Radio Provincia como en Radio Universidad, en sus frecuencias de Amplitud Modulada (AM) y de Frecuencia Modulada (FM), tomaron medidas preventivas.
Las radios oficiales de la ciudad acataron de inmediato las órdenes que dio el gobierno nacional para la administración pública y recomendó aplicar a los privados. Pero, además, trabajaron en sus situaciones particulares. Los programas que llevaban invitados a sus estudios, por ejemplo, suspendieron las visitas hasta nuevo aviso.
No es poco el cambio para la radio Universidad. Mientras duren las medidas preventivas, Infierno Grande -de lunes a viernes entre las 17 y las 18.30- no llevará a sus invitados al piso para una presentación en vivo. Tampoco habrá bandas de visita en El Bolillero -de 9 a 12-, como hasta ahora había ocurrido todos los jueves; ni en Pisando nubes, el programa dedicado a los ritmos jamaiquinos que sale los jueves de 22 a 24.
“El viernes hubo una asamblea y decidimos brindar una transmisión de emergencia. Nosotros ya no vamos a llevar bandas al estudio al menos durante esta semana”, explicó a Diagonales Juliana Godoy, productora de Infierno Grande. Oscar Jalil, coordinador de la FM, confirmó la noticia y agregó: “es un momento para tener precaución y cuidado porque la gripe se contagia muy fácil. Por el momento bajamos la cantidad de gente que entra al estudio: no hay invitados y tampoco vienen los columnistas. La idea es que los programas los hagan un conductor, un operador y un productor, porque también es importante que estemos en el aire, informando”.
En la AM los cambios son similares, el programa Volver a Casa, por ejemplo, suspendió la participación de músicos en vivo y a cambio propone “ideas para padres con hijos en casa”. Marcos Clavelino, conductor del programa, contó que ya invitó a “una maestra de plástica y un fabricante de barriletes para que ayuden a los padres desesperados”.
En la radio Provincia también cambiaron hábitos. Su director, Roberto Zarlenga, explicó que ya se suspendieron los acústicos que hace el programa La logia del ruido -los lunes de 22 a 24-, mientras que lanzó un nuevo programa para chicos: Los limpiaorejas, realizado por el Movimiento de Música para Niños (Momusi). “Es una propuesta de la radio pública para los padres que tienen a sus hijos en casa por la suspensión de las clases”, afirmó. En El limpiaorejas dos personajes se enfrentan a través de encuentros musicales que incluyen cuentos, música, juegos, ajedrez y ciencia.
Los otros no. Las radios privadas también tienen programas en los que participan artistas en vivo, aunque no suspendieron sus actividades. No avisaron cambios los programas Previa de piratas, que va de lunes a viernes a la medianoche por La Redonda, ni tampoco Bandas platenses -martes de 16 a 18, por Radio Estación Sur-, que esta tarde tendrá de invitados a los músicos de La valvular, presentando su quinto disco en el estudio. El viernes, además, Chico Ninguno y la Marica Mala Programada para el Mal, con algunos djs invitados, darán una fiesta. El evento será en el marco del programa La secta del cordero, que habitualmente lleva invitados a tocar en vivo. “Bueno, es por radio, nadie será contagiado de gripe A”, aseguró el artista.

No Publicable

Anónimo Anónimo dijo...

está muy bueno tu blog, pero ¿cuál es la parte no publicable?
saludos

13.6.09

No Publicable dijo...

El nombre del blog se resignifica cada tanto. En un principio, el nombre tiene que ver con la nota / puntaje del Taller Escuela Agencia y está relacionada con mi formación profesional. Si revisás la historia del blog, además, encontrarás notas sobre trata de personas escritas en 2004 -mucho antes de Vidas robadas-, o notas con puntos de vista distintos al de los medios masivos de comunicación, como esta, sobre una chica que mató a su bebé, o esta otra, sobre un hombre que dice que electrificará las rejas de su casa para evitar los robos, por mencionar dos notas antiguas. También hay algunas otras sobre la explotación laboral como esta, esta o esta otra. Y algunas notas que sólo fueron leídas en el blog, como esta, o algunas otras que se intentan desde un lugar más original como todas estas. Más cerca en el tiempo tenés las notas sobre los chicos en situación de calle en La Plata, reunidas acá. Y ahora, que trabajo en la sección Cultura, te diría que hasta que salió Diagonales la cultura platense era No Publicable para los medios de comunicación locales. Ni las bandas de rock ni los grupos de teatro independientes tenían un lugar en las páginas de los diarios de La Plata. Y muchos artistas que venían de visita a la ciudad apenas eran mencionados en las agendas, porque las páginas de espectáculos estaban reservadas a la televisión de aire. Eso, por suerte, estará cambiando ahora.

14.6.09

Masacre Esta Noche

Homenajes. El actor platense Rolf García Puga participó de todas las películas de Paura Flic. En Masacre esta noche (MEN) hará de un actor devenido en actor porno y asesino, caracterizado como Mickey Rourke en la película El luchador. En la foto, el actor posa junto a la actriz Natacha Mendez, la única del elenco que no se formó en La Plata.

La productora platense de cine de terror Paura Flics acaba de filmar en La Plata lo que será su quinto largometraje, el primero que contará con la codirección de los hermanos Adrián y Ramiro García Bogliano. Coproducida con un festival mexicano, la película Masacre Esta Noche (MEN) irá de una pequeña anécdota algo autobiográfica al XXX y el cine snuff, ese en el que se filma un asesinato real para comercializarlo como entretenimiento.
Diego Cremonesi, Rolf García Puga, Robertino Gioia, Federico Aimetta, Jorge Pinarello, Elena Siritto, Natacha Mendez, Diego Aroza y Daniel de la Vega forman el elenco que protagoniza la película, cuya filmación terminó anoche y contó con dos locaciones: una casa de 72 entre 2 y 3 y los estudios de América TV en el camino a Ensenada.
“¿Qué tal estuve? ¿Qué tal estuve?”, exagera ansiedad Cremonesi cada vez que los directores gritan “corte”, a la espera de la respuesta certera de Pablo Bemón, asistente de dirección y fotografía que parece haber estudiado todo el cine nacional clase B y la tele de los ‘80, para diversión del actor de los Rimenver: “Estuviste como Ricardo Bauleo en Los súper agentes no se rompen”, responde Bemón. O, “mejor que Piero en El profesor patagónico”. O, “como Enzo Viena en Amigos son los amigos”.
Las primeras tomas de MEN transcurren en un estudio de grabación en el que los actores mantienen largos diálogos sin cortes, con cierta crítica a la televisión, y sigue en una pequeña habitación contigua, en donde debe sentirse un clima de encierro. La habitación no es más que el living de una casa interna de La Plata, en uno de cuyos rincones fueron amontonados los muebles, mientras que el resto del cuarto fue recién pintado y acondionado para que parezca una sala de tortura en donde se filmará una película snuff. Hernán Moyano, productor ejecutivo y coguionista de MEN, junto a los hermanos García Bogliano, contó a Diagonales que “la idea fue hacer un homenaje a películas como La soga, de Alfred Hitchcock, que transcurre en una habitación, y la tensión va creciendo a medida que va llegando gente. Por eso elegimos filmar en un lugar chiquito, claustrofóbico”.
Mientras Aimetta golpea a Cremonesi una y otra vez –para que la única cámara que se utiliza para filmar la película pueda tomar la pelea desde varios ángulos–, Siritto tirita de frío, tapada con camperas de pluma, amarrada con cintas de embalar a una camilla de parto, y en la cocina uno de los asistentes hace panchos para la multitud que anda por ahí, trabajando, Moyano hace un alto en sus tareas para mostrar el set y hablar del proyecto.
“Una de las particularidades de esta película es que está filmada cronológicamente. Es más complicado para la producción, pero mejor para los actores, que pueden seguir el desarrollo de su personaje”, explicó.
Moyano contó que MEN tiene algo de autobiográfico, ya que el protagonista es un camarógrafo que trabaja free-lance, para juntar plata con la que filmar su propia película. “Hay veces que te contratan y no sabés bien a qué vas, sólo sabés que te pagan en euros. Algo así le pasa al protagonista, primero no sabe de qué se trata, después parece que será una película pornográfica y termina por ser la grabación de un snuff. De pronto, la escena sexual de la película triple X se transforma en un asesinato que se comete delante de él, para que él pueda filmarlo”. Cuando escribieron la película, Moyano y los hermanos García Bogliano vieron en el cine snuff la máxima crítica que pudiera hacerse a “lo que la gente quiere ver”.
MEN será producida por Paura Flic y Mórbido, el Festival Internacional de Cine Fantástico y de Terror de México.

Lo que Humo(r) nos legó

El dibujante, editor, diseñador y artista plástico Andrés Cascioli falleció el jueves, a los 73 años. La revista Humo(r) fue su gran obra, creó una forma de usar el ingenio y el sarcasmo para burlar las barreras del poder. Y fue una marca en la subjetividad de una generación. Los platenses que publicaron en sus páginas la recuerdan para Diagonales en una despedida al tipo que la creó y, a su manera, nos liberó:

Una marca profunda
Por Jorge Goyeneche
Novelista - autor del blog www.revista-humor.blogspot.com
La revista Humo(r) fue un desvío. No un atajo, ese recorrido fácil que nos hace saltear etapas y nos ubica rápidamente al final del recorrido, sino la decisión de no aceptar la mirada permitida: saltar por el Mundial, tirar papelitos como Clemente, pegar en el auto un cartelito que rezaba “Somos derechos y humanos”. Frente al aislamiento que la gran masa imponía, Humo(r) fue una diagonal.
Estábamos sin trabajo en un departamentucho húmedo, llovía, no había un peso, se nos había acabado la garrafa. Un melodrama ruso en blanco y negro. Un hijo y un embarazo avanzado. La última moneda, con su pedido de auxilio a padres o suegros, se la tragó el teléfono público que estaba a tres cuadras. Era el 78. Como exorcismo, nos pusimos a escribir y meses después nos contestaron de la revista. Y así empezó todo. A pesar de algún número secuestrado, a pesar de un amago de huida romántica por los techos vecinos de la calle Piedras en la primera sede de la editorial, fueron años felices porque la hostilidad militarizada no podía contra nosotros. También era una fiesta acarrear las notas (sin Internet, sin celular, sin fax, ni siquiera había teléfono en casa) había que tomarse el tren, caminar silbando hasta San Telmo y sentarse en la redacción a charlar con Tomás Sanz, Fabre, Vázquez, cruzarse con Dolina, Sasturain, los dibujantes. Y todo con enorme amabilidad (juro que no estoy mejorando el pasado, estas pocas líneas no alcanzan para describir el afecto y la cordialidad de aquella redacción). Luego llegaban cartas comentando esas notas desde Noruega, desde un pequeño pueblito aislado en Santiago del Estero, desde cualquier lugar donde otros exiliados externos o internos se reconfortaban a pesar de la soledad y la distancia.
Nadie puede salir de esos recreos largos sin una marca profunda. Tanto en el anclaje afectivo como en la forma de acercarse al lector, en la manera de enfocar el análisis del entorno. Humo(r) es un gen. Aquellas tapas que ponían en escorzo a los superhombres (Menotti como San Martín; la junta como tres monos que no hablan ni miran ni oyen; la Justicia ciega en patineta; Galtieri conquistador a lo Mel Brooks); aquellas notas, aquellos reportajes que buscaban el subtexto. Es una marca en la forma de mirar.
El día de la muerte de Cascioli en TN lo mataron a Fabregat. Una joyita. Mientras el banner rápidamente anunciaba la noticia, arriba pasaban un video, sin sonido, en el que se veía al uruguayo Fabre. Una hora después lo corrigieron y pusieron al verdadero muerto. Y finalmente, Michael, el negro blanco, el Grassi del norte, se lo llevó del todo.
Cuando todo el sistema cultural mira derecho, sé –gracias a Humo(r)– que hay que inclinar un poco la cabeza o directamente poner todo patas para arriba. Como dijera Prodan en “Murciélagos”: “yo estoy al derecho, dado vuelta estás vos”.

Esa ventana urgente y necesaria
Por Horacio Fiebelkorn
Escritor y periodista
Fotos superpuestas: Videla dando un discurso, diarios que callan el relato de la entrega y la masacre civil, y mi propia imagen de pibe de 21 años que empieza a publicar notas en la revista Humo(r), que funcionaba en dos departamentos de la calle Piedras, con un clima casi familiar, íntimo y bohemio: se cocinaba allí mismo a la hora de comer, se almorzaba en equipo sobre los escritorios. Toda una mística vital en tiempos desastrosos.
Sólo una cosa tenía clara aquel veinteañero: la vida cotidiana era una porquería sin par en esa cárcel de las emociones que era La Plata en esos años. Desde ese lugar escribía, y Humo(r) daba refugio. Era una ventana por donde respirar algo distinto de la palabra oficial y mediática de esos años, jugada al cretinismo, la mediocridad y la hipocresía.
La revista acompañó la bronca colectiva previa al retorno de la democracia, y en ese camino quebró la sintaxis clásica del periodismo, al promover una lengua sarcástica y una mirada implacable hacia una cotidianidad y un sentido común viciados por el fascismo. Se lucían las plumas de Fabregat, Dolina, Sanz, Saccomano, Sandra Russo o Gloria Guerrero, junto a los reportajes de Mona Moncalvillo, el arte de Cascioli o Nine, el despuntar de los jóvenes Langer, Rep y Daniel Paz, y los ya veteranos Viuti y Grondona White. Creo que ese fue su mayor aporte al periodismo: hoy muchos escriben como lo hacíamos en Humo(r), aunque la ironía, en los 90, dejó de ser un arma y pasó a engrosar el repertorio del cinismo vacío y seudo canchero. En cuanto a la gráfica, la revista revalorizó a las páginas de humor en los diarios: no hay medio que no tenga sus humoristas, más o menos ácidos, más o menos talentosos.
En la columna del “debe”, hay que computarle a Humo(r) haber hecho suya la idea alfonsinista de que todo reclamo era “desestabilizador”. Esta adhesión le quitó humor y la convirtió en una revista de opinión. En paralelo, el crecimiento de la editorial La Urraca encontró su techo en los ‘80: cierre de revistas como El periodista, rumores de vaciamiento nunca confirmados, y el estado fantasmal en que fue quedando el edificio de la calle Venezuela, con un Cascioli casi aislado y demasiado convencido de haber derrotado, él solo, a la dictadura. Aquella bohemia heroica de los primeros ‘80 ya estaba bajo tierra. Y los ‘90 terminaron de cargarse a la propia revista, que pese a todo hizo historia por no tratar de imbéciles a los lectores, y por abrir esa ventana urgente, necesaria, que a tantos nos permitió respirar en tiempos difíciles.

La marca del humorista
Por Genoveva Arcaute
Poeta y narradora, autora del blog www.revista-humor.blogspot.com
Permitirnos vivir en estado de escritura, que es un estado de gracia. Quincena a quincena, la incertidumbre de si sería o no publicada la nota que había sido penosamente acarreada en el Río de La Plata (Centenario y Calchaquí, Mitre de Avellaneda y subte en Constitución, previo licuado de banana para reponer energía) y cuya idea o plan estaba aprobado veinte o treinta días antes. Y no pensar en el teléfono para abreviar la agonía porque no lo tenía en casa, los públicos eran pocos y los que andaban, devoraban fichas que no se conseguían en ningún kiosco. Estamos hablando de los últimos revolcones de la dictadura y los primeros augurios de la democracia. Y claro, la vida pasaba por ahí, la única calle con luz.
Podían pasar dos cosas: A) La nota salía, entonces todo era alegría y fe en la propia escritura, se podía vivir tranquilo hasta la próxima, pensar con tiempo suficiente, desarrollar esa idea que ya estaba conversada y, sobre todo esto, saberse colaboradora de Humo(r), leída y disfrutada por quichicientos lectores hermanos. Sin contar que un artículo doble página era pagado más o menos como cuatro horas cátedra de secundaria (multiplicadas por cuatro semanas: dieciséis horas reales con un curso). Lo cual no es poco, si recuerdo que cuando vino Cortázar al San Martín a conversar con sus lectores, no pudimos ir a verlo por malaria, miseria, sequía, como quieran llamarlo. ¡Quién iba a decir que sería la última oportunidad! O B) La nota no salía, y entonces toda la negrura del fracaso caía sobre nosotros. ¿Acaso el Gordo Soriano había mandado algo a último momento? ¿O Malvinas terminaba con todos los rincones de la revista donde podía caber la notita de los platenses, costumbrista, con risas y ese tinte tan aquí-estamos-vivos-y-con-ganas-de-empezar? ¿O le tocaba a Santiago Varela, a Manolo da la Zarza, a la Wargon, que pulsaban la misma cuerda?
Entonces quedaba el consuelo: la Súper, la Sex o alguna otra, que nunca terminaban de definirse. Súperhumo(r), por ejemplo, empezó como muestrario de la nueva historieta, densa en lo intelectual, única en el dibujo, carísima de publicar. Después, entregados al radicalismo, Enrique Vázquez la dirigió unívocamente a lo político. ¡A ver esa ductilidad, señoras! Ese oficio de adaptarse a líneas e intenciones. Después la Sex se la tragó, valga la expresión y otra vez, a ensayar otro humor, otra temática. Lo bueno, lo grande, es que siempre estaba la oportunidad de demostrar que una podía, que para algo había elegido como oficio nada menos que la palabra.
Y aquí concluyo. La escritura de un escritor se hace en un aprendizaje lento e inconciente. Fuerzas que a una la moldean, la determinan y sólo se divisan con el correr del tiempo. Y si algo como escritores nos dejó esa década, fue sin duda la marca del humorista. La vocación de desnudar ese sesgo que la realidad se empeña en disimular, sacado a la luz en el verso, en la narración, en lo que, como entonces, se ponga por delante.

Nuestras obligaciones
Por Carlos Pinto (autor de la obra que ilustra esta serie de notas)
Ilustrador y humorista gráfico
Cuando tenía seis años dibujaba con mi amigo Marito, en Avellaneda, mientras tomábamos la merienda y veíamos El zorro o Meteoro en un enorme televisor blanco y negro. Eramos felices dibujando historietas. Luego crecimos, vino la dictadura militar, mi familia se mudó a Necochea y me alejé de mi amigo. Desde la tranquilidad de la playa, sin procedimientos militares ni persecuciones a la vista, viví una adolescencia feliz. Parecía estar en una costa ajena a todo lo que sucedía en el país. Pero pasaban cosas. Llegó a mis manos la revista Humo(r), con las inolvidables tapas del Tano Cascioli y sus necesarias denuncias. Más tarde llegaron Sexhumo(r), Superhumo(r) y Fierro. Mi vida cambió con esa constelación de revistas creadas por Cascioli y sus implacables monstruos del dibujo. Me abrieron un mundo. Me animaron a estudiar. Llegó la democracia, vine a La Plata y me recibí de profesor. A mediados de los ‘80, en la galería de arte Praxis, en calle 49, se hizo una muestra de todas las luminarias de la revista y conocí a Raúl Fortín, un artista platense con una trayectoria impresionante. Él me acercó a Humo(r).
Terminaba agónicamente el gobierno de Raúl Alfonsín, los tiempos habían cambiado, gobernaba Carlos Menem y Ediciones de La Urraca no tenía el auge de antaño, pero yo no quería perderme la ilusión de publicar allí: Era coronar un sueño que había empezado en las tardes de merienda con mi amigo. Armé una carpeta y fui, sin pensar que podría encontrarme con mi amigo de la infancia. Ahí estaba Marito, era uno de los jefes de dibujantes de la editorial. Hacía 19 años que no nos veíamos. Y empecé a publicar, era la época de los chistes de Menem: la Ferrari, la avispa, “el quincho”. Pero con el correr de los meses, los grandes dibujantes e intelectuales que habían germinado junto a Cascioli, Humo(r) y sus satélites, abandonaron la editorial, la mayoría enojados con el Tano.
No lo conocí personalmente, pero sin saberlo, ese Tano me cambió la vida. Me mostró que se podía ser profesional del dibujo, que se podía hacer una revista, que con un lápiz se podía hacerle burla a los poderosos.
Admiro su enorme obra, no es fácil en un país como el nuestro y en el contexto que lo hizo, ser creativo, dibujar como los dioses, armar una editorial, reunir a los mejores y hacer éxitos que desafiaran a una dictadura.
El Tano Cascioli, Raúl Fortín, y tantos otros de aquel glorioso staff, tienen ganado un enorme lugar en la historia del periodismo gráfico, y el del humor gráfico argentino. Desde las facultades de arte, desde las escuelas, desde los medios de comunicación, desde nuestra memoria como ciudadanos, tenemos la obligación de revisar sus obras como ejercicio de valoración artística, de la memoria y de estudio de nuestra historia.

Vivir encarcelado

Ana Cacopardo y Andrés Irigoyen, los directores del documental que muestra la realidad de los detenidos y su difícil reinserción en una sociedad que prefiere ignorarlos

"Acá no se puede filmar", dice la voz oficial. El que tiene la cámara quiere registrar una inspección del Comité contra la tortura de la Comisión por la Memoria en una cárcel bonaerense. "No se puede filmar", manda, ordena, la voz oficial. Pero el camarógrafo filma igual. La cámara registra y la cárcel igual se ve.
A aquellas primeras imágenes recolectadas con la sola intención de documentar las inspecciones se sumaron otras, buscadas, planificadas, para contar lo cotidiano tras las rejas. Y así fue que surgió Ojos que no ven: una película documental en la que se cuentan el viaje de Luisa para ir a visitar a su hijo preso y las historias de Ramón, Adela y David, una sórdida radiografía del universo carcelario.
Producida por la Comisión por la Memoria, la película acaba de ser considerada como mejor largometraje en la competencia oficial del XI Festival de Cine y Derechos Humanos, además de ganar en la categoría "Cárceles", que contó con un jurado integrado por mujeres detenidas, y obtener el premio del público, que encontró en aquella cámara sus propios ojos para ver las celdas, los pabellones, las ranchadas y los calabozos de castigo de las cárceles bonaerenses.
Dirigido por Ana Cacopardo y Andrés Irigoyen, el documental contó con la producción periodística de Mariana Martínez y fue co-guionado por Cacopardo y Martín Ladd, equipo de producción que conversó con Diagonales sobre eso que registró, eso que está sucediendo ahora y sobre esos personajes que existen también fuera de su película –antes y después de su película–, en las cárceles y comisarías bonaerenses.
–¿Qué buscaban cuándo empezaron con las filmaciones?
Ana Cacopardo: –El trabajo surgió como un registro documental de las inspecciones que el Comité contra la tortura empezó a hacer en 2005. Hay videos que, incluso, sirvieron como respaldo para denuncias penales. La película nació después de la conmoción que nos causó a todos el contacto con el mundo carcelario.
Andrés Irigoyen: –Nosotros íbamos con las cámaras como apoyo, pero después de un tiempo vimos el material y surgió la idea de hacer la película. Entonces empezamos a buscar las historias.
–¿Y ahí cambió el objetivo?
A.C.: –Queríamos documentar qué es la cárcel marcando una diferencia con la televisión, sin banalizar situaciones que en verdad son la vida o la muerte para una persona, sin el vouyerismo de la clase media, que se asoma sobre el universo marginal tumbero desde el espectáculo.
Mariana Martínez: –Trabajamos en mirar, escuchar y permitir al otro la comunicación. Fueron muchas horas de filmación, porque cada uno de los cuatro personajes tiene al menos tres años de seguimiento.
Martín Ladd: –La película se estructura con los personajes que dan pie para que vayamos a mostrar las inspecciones, el adentro. Y también algunas pinceladas de algunos otros detenidos que viven en las mismas realidades que los personajes principales. La película transcurre en dos canales que se cruzan todo el tiempo.
–¿Con qué se encontraron en la cárcel?
A.I.: –Con un problema muy amplio que empieza en la desproporción que hay entre la cantidad de detenidos y la cantidad de guardiacárceles. En una de las cárceles, por ejemplo, había 1800 internos y 23 guardias. Esa desproporción obliga a los guardias a necesitar la colaboración de algunos internos. Y ahí se permite la portación de armas, ahí aparecen los tipos que reprimen a sus pares a cambio de favores que van desde visitas íntimas a drogas. Eso es lo que se ve muy claro en la película.
A.C.: –Las cárceles reciclan violencia, no hay resocialización, en ellas la sociedad segrega y neutraliza a los que sobran y nosotros queríamos interpelar a la sociedad que naturaliza la existencia de esta población que se queda afuera de todo. Que sepa que puede apuntar a construir una sociedad democrática, que incluya a todos, o una sociedad para pocos en la que muchos queden afuera. El encierro es el último eslabón de exclusión.
–¿Cómo lo cuentan?
A.I.: –Por un lado están las imágenes que tomamos en las inspecciones y por el otro las historias de los cuatro personajes que buscamos para el documental. Estas dos partes se cruzan todo el tiempo. Quisimos que la cámara sea el ojo de la gente, el ojo que está mirando para mostrar lo que está pasando ahí dentro, para que surgieran preguntas.
M.M.: –Preguntas, preguntas. ¿Cuál es el papel de la justicia? ¿Cuál es el rol del Estado? ¿Cómo es posible que se permita semejante estado de indignidad?
M.L.: –Además hay un concepto en el tratamiento de la cámara para darle una mirada humanizada a la situación, se muestran las condiciones de vida y la falta de posibilidades para la resocialización, la postergación permanente. Porque por más que hayan robado o matado, son seres humanos y sus historias se repiten.
A.I.: –La pobreza y la drogadicción son el ingreso a la delincuencia. Salen a robar porque necesitan tener plata. Por eso nos basamos en la humanidad de estos personajes para contar la situación carcelaria.
A.C.: –Las cárceles son un depósito de personas que no tienen nada que ver con un proceso de resocialización. Son campos de concentración. Toda la película es una denuncia.
–¿Preguntaron a los entrevistados por qué estaban presos?
A.I.: –No preguntamos qué es lo que habían hecho, pero Ramón lo dice a la cámara. Es un tipo grande, que no tiene la edad promedio de los presos, que entró a los 15 años por robar una vaca en el medio del campo, pero estando preso le pasó de todo: lo quisieron violar y mató al tipo. Después hizo todo lo que se te ocurra como socio del Servicio Penitenciario.
–¿Por qué no dan a conocer datos estadísticos?
M.M.: –No hay estadísticas, pero aparecen números. En esa búsqueda de la cámara para tratar de documentar lo que pasa dentro de la cárcel, se ve un cartel en el hall de la cárcel de Batán con el número de detenidos condenados y procesados. Eso está unido a los testimonios, uno de los chicos que llevaba siete años detenido no sabía ni el nombre de su abogado.
–¿Creen que logran hacer sentir el encierro?
M.L.: –Sí. Trabajamos particularmente con algunos planos del sonido que dan la sensación de encierro. Y también hay algunos primeros planos, algunas pieles.
–¿Qué esperan provocar?
A.C.: Que el espectador, si no emite juicio de valor, al menos se pregunte qué está pasando. La película dispara interpelaciones para todos y también para cada uno de nosotros: cuáles son los controles sociales sobre lo que ocurre en el sistema carcelario, qué políticas de seguridad queremos, qué pasa que hay impunidad para los poderosos. Y también nos deja ver cómo nos mienten los oportunistas y demagogos cuando nos prometen más mano dura y más cárceles. Porque no se pueden pensar políticas de seguridad sin repensar la exclusión y recapacitar sobre el clima de legitimación de lo que pasa en las cárceles. Aunque no te importen los Derechos Humanos, hay que entender que la mano dura y las cárceles no son ni siquiera una salida efectiva para mejorar la seguridad. La película nos deja ver cómo nos mienten esos que prometen atajos y simplifican el discurso.
–Las propuestas para bajar la edad de imputabilidad, ¿podrían ser otro ejemplo sobre cómo se simplifican los discursos?
A.C.: –La niñez en situación de calle es un tema sólo cuando los chicos nos amenazan. Entonces, aparecen los que dicen: "discutamos a qué edad el sistema carcelario se hacen cargo de ellos". Pero no nos preguntamos dónde empezaron la violencia y la inseguridad, qué pasa con los cien mil pibes que no estudian. Hay que hacer algo para que los pibes no lleguen a la cárcel. Una vez que estás ahí es imposible salir porque no hay oportunidades. Nada, ninguna, ni la más mínima posibilidad de salir.

Una mirada a las verdades que golpean
Por Miguel Russo
Hay un cine que refleja qué es (y por qué es así) la sociedad argentina. Es el cine que no tiene grandes espacios en las páginas de espectáculo porque no es un espectáculo. Es el cine que no hace estallar la taquilla de las boleterías porque ni siquiera lo busca. Es el cine que se prefiere ignorar, olvidar, guardar para mejor oportunidad o, mejor dicho, para nunca. Ojos que no ven es ese cine. No se trata, como se puede suponer, de un documental de denuncia. O sí, quién sabe. Lo fundamental es mirar. Mirar, en el estricto sentido que aplica al término uno que conoce y mucho sobre el tema, John Berger: reconocerse (cómplice, culpable, o al menos nunca inocente) como parte fundamental de lo mirado. Por eso los detenidos (los personajes centrales y las decenas y decenas que gritan su nombre, miran a cámara, levantan una mano o se cubren el rostro) y los familiares (la madre, claro, pero todas las madres y todos los padres y todos los hijos y todos) son tan dolorosos. Porque son una parte (y fundamental) de ese que los ve. Y esa parte golpea donde golpean todas las verdades: en la vergüenza, en el medio del pecho, como la angustia. Y no es que se va al cerrar los ojos o al terminar el film. La angustia, la vergüenza y el dolor siguen creciendo. Una angustia, una vergüenza y un dolor que se instalan con toda su furia. Como dicen sus realizadores: huele a cárcel. No a las de Hollywood, esas que el cine prefiere mostrar, sino a las bonaerenses, esas que el cine prefiere ocultar. Y ese olor lastima. Tanto como las imágenes, como las palabras de los detenidos. Y, peor, tanto como sus silencios.
Editor de la sección Cultura del diario Diagonales

Cuestiones electorales y voto testimonial

Meta dengue, inseguridad, gripe porcina o influenza. Retenciones. Candidaturas testimoniales, inseguridad. Otro libro de Marcos Aguinis –argentinos ignorantes anagrama mediante–. Cobos: “Mi voto es no positivo. Inseguridad. “0 a 6 con Bolivia. Vergüenza les tendría que dar”. ¡Qué mal juega el tridente delantero! Inseguridad. Y meta reaggeton, reaggeton, reaggeton. Este país siempre ha sido así.
Y se vienen las elecciones, se vienen. “Yo tengo un plan”, “Síganme”, “El cambio es posible”, “Se puede”, “El cambio seguro”, “Vamos por más”, “Nosotros hacemos”.
Y habrá quien vote en contra. Y quien vote “al menos peor”. O “al mal menor”. Algunos están confundidos por los candidatos que estaban acá y ahora están allá. Y es posible que a algún trasnochado se le ocurra subir a los peones a una camioneta para obligarlos a votar por el partido de su conveniencia. Voto calificado que le dicen ¿vió? Calificados los patrones descalificados los peones. ¿Y si se instala un tomógrafo cerebral en la puerta del cuarto oscuro para ver cuánto usa elector y cuánto permanece inactivo?
Y hay quienes, disfrazados de ciudadanos independientes, invitan a elegir con libertad –¡qué obviedad!–, pero aseguran que tener madurez y conciencia cívica es cortar boleta. Y si cortar boleta es tener madurez y conciencia cívica ¿votar la lista completa, entonces, qué es? ¿Inmadurez e inconciencia? Recomiendan los responsables ciudadanos que hay que informarse bien y conocer a los candidatos y sus propuestas. Y claro bolú… sino ¿cómo es?
¿Vota contra el autoritarismo el autoritario? ¿Y los ignorantes: votan contra sus intereses? ¿Y las víctimas, a quiénes votan las víctimas? ¿Votará contra la demagogia el charlatán embaucador? ¿Y los indiferentes, votan por el que va ganando?

No voto. Si lo hiciera, hoy sería un indeciso. Mi voto testimonial duda entre Sabbatella y Kirchner.

¿No tenés una moneda?

El tipo subió al micro con los auriculares puestos y la música al palo, puso pausa para pedir el boleto y volvió a poner play en el mp3 mientras buscaba asiento. El micro estaba prácticamente vacío y casi sin querer llegó al último asiento de dos lugares. Ahí se sentó.
En los asientos de uno, a su misma altura, había un pibe, tal vez un estudiante universitario, que hablaba con un chiquito que iba un asiento más allá, arrodillado y con el pecho contra el respaldo; la mochila escolar a la espalda. Pensó que eran hermanos, pero se olvidó enseguida. El tipo escuchaba música y miraba por la ventana, sus ojos eran como una cámara en traveling sobre las casas y los negocios. Iba como en un videoclip. Colgado.
De pronto, el nene estaba sentado delante suyo, el torso de costado hacia la ventana, la cara apenas levantada, los ojos hacia arriba, un poco avergonzados, y un apenas perceptible movimiento en los labios. Stop.
–No escuché nada. ¿Me hablabas?
–Sí
–¿Qué pasa?
–¿Tenés una moneda?
–¿Para qué querés una moneda?
–Es que no comí nada y me quiero comprar un sánguche.
El tipo buscó entre sus monedas la más chiquita y encontró una de diez centavos. Se la dio.
–¿Te sirve?
–Todo suma. El otro también me dio 10 centavos, pero hay gente mala que no te da nada.
–Bueno, habrá gente que no tiene para darte una moneda. O tiene, pero no puede darte.
–El otro día un señor me dijo que no daba monedas a nadie.
–Y sí, puede ser. También hay gente mala. O tonta. ¿Cuántos años tenés?
–10
–¿Cómo te llamás?
–Martín
–¿Dónde vivís Martín?
–Y… por 7 y 90
–¿Y adónde vas?
–Voy a mi casa, pero no hay para comer. Mi mamá trabaja cuidando chicos pero no le pagan por día. Hay para comer a la noche, pero de día no.
–¿Y tu papá?
–Mi papá no vive con nosotros.
–¿Con quién vivís?
–Tengo cinco hermanos ¿No tenés una moneda más grande?
–¿Cómo te va en la escuela?-, preguntó el tipo, mientras sacaba 25 centavos.
–Bien, pero repetí, porque iba a la mañana y no me podía levantar. Pero ahora me levanto.
–¡Qué bueno! ¿Y tus hermanos van a la escuela?
–No, ya son grandes, tienen 20, 21… ellos trabajan, pero les pagan poco. Diez pesos por día.
–¿Por qué no vas a un comedor?
–En la escuela no hay.
–Bueno, preguntá en tu barrio y pedí que te lleven al comedor del Padre Cajade. ¿Te vas a acordar?
–Sí.
–¿Seguro?
–Sí, es ese que lleva a los chicos al colegio en un colectivo y ayuda a las madres que las golpean y tienen problemas.
–Sí, el mismo: Padre Cajade. Acordate. A vos también te pueden ayudar-, le dijo el tipo. Y le dio unos pesos, como para que al menos se pueda comprar un sanwich que le permita tirar hasta la noche.

Un casting para cubrir vacantes en un clásico del teatro nacional

El Taller de Teatro de la Universidad Nacional de La Plata llamó a audición para cubrir personajes de la obra Babilonia de Armando Discépolo, que montará con dirección de Norberto Barruti. La convocatoria, que es para a “todos aquellos interesados con o sin experiencia teatral previa, mayores de 30 años” y permanecerá abierta hasta el 26 de junio, ya es un clásico para la institución, que monta la mayoría de sus obras a partir de llamadas públicas.
La dramaturga e investigadora teatral Maricel Beltrán, asistente de dirección de Barrutti en Babilonia, aseguró a Diagonales que “el casting es la zona más legítima para armar un elenco y una de las maneras en las que trabajamos en el taller desde su fundación”.
Cuando en 2006 se montó la obra El proceso, de Franz Kafka, por ejemplo, el taller seleccionó un elenco de 18 personas a través de sus audiciones. Luego, algunos de sus actores fueron llamados a participar de El Organito, una obra de los hermanos Discépolo que aún está en cartel. En esta obra, los personajes de Payasito, Nicolás y Mamma Mía fueron cubiertos a través de la convocatoria pública.
La invitación a sumarse al nuevo elenco es para personas “con o sin experiencia previa” teatral. Según explicó Beltrán, “por su método de trabajo, el director puede montar la obra con gente que no tiene experiencia. En este caso tiene que conformar el elenco de Babilonia, que le pide tener los característicos de inmigrantes europeos –españoles, italianos, alemanes–, por lo que finalmente la elección es arbitraria y subjetiva”.
Los aspirantes reciben parlamentos de su característico tomados del texto de la obra y se hace una audición pública ante el director y sus colaboradores. A Beltrán le gusta hacer una comparación con el fútbol: “como un equipo, el director tiene que ir poniendo los jugadores en cada puesto. Por ahí tiene dos o tres que le dan para jugar de arquero, pero atajar, ataja uno sólo. Y acá por ahí vienen dos o tres que dan para el mismo personaje y no viene nadie para otro personaje. De todas maneras, más o menos como en el fútbol, recién se sabe lo que puede dar el jugador después de dos meses de entrenamiento”.
–¿Este sistema de trabajo es una copia del que se hacía antaño?
–No, porque los actores de aquellos años, digamos de entre el ´15 y el ´35, ya tenían los tonos. Era así. Estaba organizado porque casi todos los textos tenían estos personajes característicos de inmigrante. Había trabajo, había industria y la gente se formaba de esa manera. Estaba el que hacía de galán, el que hacía de gallego o el italiano. Las compañías ya estaban armadas o lo pedían.
–¿Cómo suplen esa falta?
–Nosotros tenemos que tomarnos más tiempo para encontrar a las personas que en escena den con la música de cada uno de los idiomas, porque ahora no hay costumbre, ni uso, ni mercado, ni gente que requiera este tipo de obras, las hace el estado o instituciones como la nuestra, por eso sabemos que si no alcanzamos a completar el elenco con los 20 días de la convocatoria, nos tenemos que tomar otros 20 más.
–¿Qué beneficio tiene para el actor realizar un casting?
–Es la posibilidad de mostrarse ante un director, tal vez tu tipo no es para esta obra, pero al menos te mostraste, es como la soga de saltar para el boxeador, lo mantiene en forma, es un ejercicio para estar en cuerpo y alma, con su voz a punto para ser tocada. Ir a los casting te permite estar entrenado en cantar, bailar y cuidarte para estar listo a la hora de que se te presente la oportunidad.
–¿Qué ocurre una vez que tienen el elenco?
–Son dos meses y medio de ensayo y se estrena.

Foto: Experiencia. El año pasado, Barruti montó Babilonia con un elenco de Comedia de la Provincia

Pan de cada día

Después de ganar el Festival Provincial de Teatro 2008 y obtener una mención en la Fiesta Nacional de Teatro que se realizó en Chaco este año, la obra Pan de cada día se presenta hoy en la sala Armando Discépolo (12 entre 62 y 63). Serán apenas cuatro funciones, que comenzarán este fin de semana y continuará el próximo, siempre a las 21.
Pan de cada día es el resultado de un trabajo realizado por el grupo de teatro independiente La Compasiva, de Temperley, que cuenta con la dirección de Alfredo Badelamenti y las actuaciones de Mario Marino y Gabriela Pagés.
Sin palabras, la obra se nutre de la plástica y el teatro de acción, con las imágenes como recurso, para contar la historia de una pareja, desde el primer contacto hasta la vejez. Así, una masa de harina y agua sirve para que tengan un hijo, que moldean a su semejanza, lo hornean y… “tratamos de contar todo lo que ocurre en una familia, que se resignifica en cada uno de los espectadores gracias a que la obra no tiene palabras y cada uno tiene la posibilidad de hacer una lectura a partir de lo que es, de manera muy abierta, porque hay palabras no dichas”, explicó Badelamenti a Diagonales.
“La obra tiene varias capas y es tanto para gente que prefiere las cosas simples como para los que quieren hacer lecturas más complejas”, agregó el director, que trabajó sobre una serie de sketchs que los actores ya tenían armados.
–¿Cómo fue el proceso creativo?
–Los actores trabajaban por su parte en algunos números performáticos cortos y me vinieron a ver para que los ayudara a encontrarles lo que tenían en común, para saber de qué estaban hablando, que tomaran sentido como totalidad y nos permitieran encontrar un argumento y una forma de contar que permitiera un espectador activo. Me los mostraron con la idea de armar una obra a partir de ellos y fueron el disparador de Pan de cada día, a partir de haber encontrado nuevos sentidos y dimensiones a aquel trabajo inicial, del que quedaron, con algunas modificaciones, unos 20 minutos.
–¿Que la obra no tenga palabras fue el resultado de aquella búsqueda de un espectador activo?
–Teníamos historias, acciones e imágenes con las que contar un texto, pero en ningún momento hubo prejuicio de cómo debía ser, nos dejamos llevar por el planteo inicial generando una historia que resultó no dar lugar a la palabra y salió que hicimos un teatro de acción, con las imágenes como recurso.
–¿Qué particularidades tiene la pareja de la obra?
–Viven pagando las consecuencias de sus errores y buscan reinventarse para seguir con el otro, lo que tal vez recién logren al final de la obra, cuando vuelven al juego del cariño y parece que triunfara el amor. Aunque hay mucha gente que cuestiona que sigan juntos. Es que cada uno puede hacer su lectura y mucha gente se pregunta si tendrían que haber seguido juntos o no.
Badelamenti –dueño del Teatro de Las Nobles Bestias, de Temperley– contó que la pieza cuenta con un lenguaje cambiante, que va del expresionismo alemán al cine mudo y luego a una actuación más realista; valiéndose de algunos artilugios más o menos modernos, como un proyector, y de objetos que se transforman para tomar nuevos valores y resignificarse.
–¿Cómo es hacer teatro en el conurbano sur?
–Supongo que tan dificultoso como en todos lados, aunque con la contra de que en 20 minutos de tren estás en Capital. Hay gente que valoriza estar cerca de Buenos Aires y no el teatro que se hace en su localidad, pero también hay de la otra, que defiende a sus lugares y a sus espectáculos. Supongo que mucho no dista de los problemas que tiene el teatro independiente en otros lugares. Con Pan de cada día pasó que en el tiempo tuvo un espiral ascendente de público, corrió de boca en boca.
–¿El boca en boca es porque no hay medios de prensa interesados en la cultura local?
–Cuando salió el Clarín zonal todos los medios locales desaparecieron y también desapareció la mirada especializada, de crítica, que había sobre la producción local; pero la gente quiere saber y se entera igual.

Fernando Cabrera en Notorius

El guitarrista, cantante y compositor de música popular uruguaya, también poeta, maestro y productor Fernando Cabrera cruzó el Río de la Plata para presentarse hoy, a las 21, en Notorious (50 e/ 5 y 6 en el primer piso del Pasaje Rodrigo) con su guitarra a cuestas, como desde que tiene recuerdos. “Y es que da para risa, pero toco la guitarra desde que tengo seis años”, dijo a Diagonales, justo antes de armar la valija y emprender el viaje a Buenos Aires para dar un par de shows y partir luego con rumbo a Madrid, en España.
Aunque comenzó a estudiar guitarra de niño, Cabrera fue luego al Conservatorio Universitario, donde estudió la carrera de Composición y Orquestación con Federico García Vigil, Graciela Paraskevaidis y Coriún Aharonián. Desde siempre, tocó como solista, integró varios grupos, fue arreglador y autor de canciones.
Nacido en el barrio Paso Molino, de Montevideo, en 1956, forma parte de la segunda generación de músicos uruguayos. Integró Montresvideo y Baldío; trabajó con Eduardo Mateo y pasó luego una temporada en Bolivia, donde grabó con varios músicos locales. Su último disco se llama Bardo y lo grabó con un trío, por lo que es algo rockero, aunque lo suyo traspasa los géneros.
“Para facilitar la cosa, yo digo que hago canciones. Una melodía con letra. Me considero un autor inquieto, al que le gusta incorporar influencias de distintas culturas y épocas. Pero siento que la mía es una típica canción del Uruguay. Y siento que formo parte de una corriente de cantautores que arranca hace más de cuarenta años. Allí están Viglietti, Mateo, Rubén Rada, Alfredo Zitarrosa, Dino, Eduardo Darnauchans, entre otros. O sea, canción uruguaya contemporánea”, se explicó.

Influencias. Cabrera contó a Diagonales que sus conciertos son siempre diferentes. “En La Plata voy a tocar de todo, porque tengo la posibilidad de ir variando, voy a tocar mis últimas composiciones y también de los comienzos. A veces hago canciones de otros, puede ser de Páez, Spinetta, Atahualpa Yupanqui o Enrique Delfino, pero eso es más raro”.
Si bien Cabrera interpreta a veces canciones de otros, lo que le ocurrió en los últimos años es que muchos artistas rescataron temas de su autoría y las reinterpretaron en géneros diferentes, desde el tango al rock, pasando por el folclore. “Algunas de esas canciones tienen 30 años y me llena de orgullo que los músicos jóvenes las reinterpreten. Me hace sentir vigente”, contó.
Entre esas bandas, algunas son argentinas, como Onda Vaga o Bajo Fondo, y el cantautor uruguayo cree que es por la conexión entre los músicos del Río de la Plata. “Uruguay le da la espalda a Brasil pero está conectado con la Argentina. Consumimos muchos medios argentinos, sabemos de su política, sus deportes y su música. Y eso es histórico, es porque somos un desprendimiento: los ídolos de mi papá eran Juan Manuel Fangio y Aníbal Troilo”, dijo.
Cabrera disfruta de la relación con Argentina y también, a pesar de lo que diga, se relaciona con la música de Brasil. Sin embargo, en sus próximos proyectos está el de grabar un disco que rescate a los primeros cantautores uruguayos, desde Aníbal Zampallo, Víctor Lima, Rubén Lema, Anselmo Grau, Marcos Velázquez, a Zitarrosa, Dino, Rada y Mateo. “Ellos fueron los primeros en hablar de nuestras realidades, de nuestros temas, son los pioneros de la canción uruguaya de la que hoy estamos orgullosos”.

Policiales, anoche

Una pelea familiar terminó en una tragedia con un muerto y un herido grave. Intervinieron en el hecho dos hombres: padre e hijo, ambos policías. Y una mujer, hija y hermana. Al parecer, los hombres mantenían una discusión cuando se trenzaron en un forcejeo del que salieron a los tiros. El joven murió en el lugar y el hombre intentaba suicidarse cuando su hija entró en escena para dispararle y dejarlo gravemente herido. Los hechos se produjeron al cierre de esta edición en una casa de 161 entre 519 y 520 con la policía en la vereda, llamada poco antes a atender la pelea familiar.

Estelares en el Notorius de La Plata

En un día enteramente platense, Estelares tocará a las 15 en “Cueva de Ogros” por FM Universidad 107.5 y a las 17 firma ejemplares de “Una Temporada en el Amor” en Notorius (Pasaje Rodrigo, 1er piso | Av 51 entre 4 y 5, La Plata).

Es la cultura, idiota

En La Plata ocurren cosas extrañas. No, no es por el trazado de diagonales, ni los tilos o las plazas, sino por la cultura. Es posible un viernes ir a ver una obra de teatro y que no haya nadie más que los actores. Y que la obra se dé igual para la pareja que ni siquiera pagará la entrada, invitada a la función. Es cierto, como ocurrió hace 40 años en el Once, en algunos recitales los del público son todos músicos. Y más bien muy poquitos.
La noche del lunes, el grupo La cuarta pared aprovechaba la visita de sus amigos del grupo ecuatoriano Malayerba para invitarlos a dar una función en el Pasaje Dardo Rocha, en un acto al que convertirían en la presentación del IV Festival Internacional de Teatro, que se realizará en septiembre.
El dramaturgo, actor y director argentino Arístides Vargas y el actor ecuatoriano Gerson Guerra se calzarían las ropas de prisioneros para presentar La razón blindada, una obra basada en El Quijote, de Miguel de Cervantes; La verdadera historia de Sancho Panza, de Franz Kafka; y el relato que Vargas rescató de su hermano Chicho, detenido por su militancia política desde 1976 a 1984 en el penal de Rawson. Con esas fuentes, no sería difícil de imaginar un espectáculo lleno de humor y sabiduría, al mismo tiempo oscuro y luminoso.
Después de las presentaciones del grupo en el Celcit, en Buenos Aires, la de La Plata sería la única oportunidad para ver la obra: lunes, a las 21 en la sala A del Pasaje.
Gustavo Delfino y sus compañeros de La cuarta pared corrían de un lado a otro antes de las 21, mientras una larga fila se formaba en los pasillos del segundo piso del Pasaje. “Es lunes, pero vamos a incendiar la sala”, anunció el artista platense, en su rol de productor.
Poco después, casi 300 personas colmaban la sala. Y algunos espectadores aceptaban sentarse en el piso, mientras los organizadores preferían quedarse de pie, apoyados en la pared, felices por la obra que el público festejaría con risas y aplausos, felices por confirmar que ocurren cosas extrañas. Y que es la cultura la que hace andar a la ciudad. Son los artistas que hacen y no se dan por vencidos.

Una Tocate mil

La cantautora platense Laura Citarella presenta mañana a las 21 su primer crío musical, que lleva su nombre, con un concierto en vivo en Ciudad Vieja y con una banda especialmente armada para la ocasión. Miro y su fabulosa orquesta de juguete la antecederá en el escenario del bar, ubicado en la esquina de 17 y 71.
Nacida en La Plata, pero con una actualidad más porteña, relacionada a su paso por la Universidad del Cine y su trabajo en la productora El Pampero Cine junto a Mariano Llinás, Alejo Moguillasnky y Agustín Mendilaharzu; Citarella está hoy conectada a La Plata a través de la música, herencia que le transmite su padre y que comparte con su hermano Pablo.
El disco que ahora llevará al escenario fue grabado en 2008, pero recién ahora ve la luz en una edición limitada a mil copias y producida de manera totalmente independiente junto a los integrantes de Tocate Mil, un colectivo de cantautores platenses que integra desde su fundación.
"Hay un disco. Se llama como yo. No sé bien por qué. Quizás es como esos primeros hijos a los que uno no puede más que llamarlos como a uno mismo. Algunas de sus canciones ya casi no me pertenecen de tan lejanas y viejas; otras a veces me recuperan; otras les gustan mucho a mis amigos, y otras no importan", confesó la artista, que comenzó a hacer música como intérprete y luego se acercó a la experiencia de ser autora.
En Tocate Mil Citarella se encontró con Miro y su fabulosa orquesta de juguete, y los cantautores Pablo Vidal y Lautaro Barceló, quienes mostrarán su compromiso acompañándola en el escenario. Miró hará las veces de banda soporte, mientras que Vidal y Barceló (en guitarras) formarán parte de su banda, que se completa con su hermano Pablo (en teclados) y Martín Casado (en batería).
"Este disco aparece como resultado de una suma de cosas que se iniciaron hace un tiempo. Me encuentra agotada y exhausta. Con varios años de movimiento incesante, en todos los sentidos posibles. Con más películas, con más años, con más amigos, con una ruptura amorosa importante, y con una serie de vaivenes económicos que, una y otra vez, fueron dilatando el momento de su aparición. En fin… el tiempo, los dolores y los viajes me trajeron hasta acá", explicó ella.
Y agregó: "es quizás como el primer hijo, al que uno quiere formar y controlar a su gusto, para que luego se escape de esas manos creadoras iniciando su propio camino y dejándolo a uno abandonado, con la sensación de algo que pasó tan rápido que parece no haber existido".
La metafora del hijo, explicó la cantautora, está vinculada a los largos tiempos gestacionales que tuvo el material que ahora presenta en el disco. Y también con la sensación de aquel día en que fue hasta Ciudadela, en el gran Buenos Aires, a buscar las mil copias del material que acaban de grabar.
Su disco atraviesa varios géneros y va de la bossa al blues, pero con una unidad que logró en el sonido de su voz, gracias a la participación de Juan Stewart (ex Jaime sin tierra) en la producción. Sus canciones hablan, sin buscarlo, de historias de amor y encuentros de una mujer.

¡Felicidades!

El fin de semana festejamos el día del periodista, que fue ayer. Feliz día de acá y feliz día de allá, pasó el fin de semana. Fiesta en la revista, fiesta en el sindicato, fiesta en el centro cultural. Si hasta los de la promoción 82 se juntaron a cenar en El Pueblito.
El fin de semana, le expliqué a Lucía que no hace falta tener el título para ser periodista, porque el periodismo es un oficio que se construye todos los días. Y le aclaré que mejor son los periodistas formados que los que no lo están. Y por eso, dale: ponete las pilas con la facultad, pero ya sos periodista, porque trabajás de periodista, así que feliz día piba, disfrutalo.
A los otros chicos que están en el final de la carrera y empiezan a buscar su primer trabajo les dije que no dejaran de hacer lo que quisieran, que aprovecharan la posibilidad de publicar en internet, en un blog, personal o colectivo, que lo hicieran, que se transformaran en directores de su propio medio, que no necesitan mimeógrafo, ni papel prensa, ni las rotativas del grupo Clarín para publicar.
El fin de semana, a los que me preguntaron si me gusta escribir en Cultura les dije que era un privilegio trabajar en una sección que tiene tantas buenas noticias para dar todos los días, como Cultura en Diagonales. Y es que en La Plata ocurren cosas, les conté...
Este fin de semana tratamos de reflexionar sobre este oficio, ejercido algunas veces en medios negativos, depresivos o amarillistas, o presumida y falsamente imparciales. Muchos nos encontramos y nos reconocimos en los otros. Nos reconocimos en esos compañeros que trabajan para mantener la calidad del trabajo de los periodistas, aquellos que de verdad intermedian entre el hecho y el ciudadano, en los “journaliste”, los que analizan el día, los que se dejan atravesar por el acontecimiento y luego ponen manos a la obra para contarlo. ¡Feliz día!, atrasado, pero ¡feliz día!

Apenas una función en La Plata para conocer a Arístides Vargas

El prestigioso dramaturgo, actor y director argentino ecuatoriano Arístides Vargas presentará hoy en La Plata su obra La razón blindada, que lo tiene en escena junto al actor Gerson Guerra. La obra forma parte del repertorio de la compañía teatral Malayerba, reconocida como una de las más emblemáticas del teatro contemporáneo latinoamericano, creada y dirigida por Vargas y su esposa, la actriz y directora española Charo Frances. Los artistas llegan a La Plata después de varias funciones en Buenos Aires invitados por el grupo local La cuarta pared y como adelanto de lo que será, en septiembre, el 4º Festival Internacional de Teatro y Danza.
Hace dos meses que Vargas salió de Quito en su auto junto a su compañera. “Fue un viaje extraordinario”, dijo a Diagonales, y contó: “nos pareció que era una manera muy directa de conocer la realidad de América Latina. Decidimos que era mejor verlo desde la ventanilla del auto que desde el Discovery Channel y vinimos parando en lugares emblemáticos, como Nazca o el Machu Pichu. Además, también paramos para hacer teatro, no la obra que vamos a presentar en La Plata, que es con Gerson, sino con Nuestra señora de las nubes. Nos demoramos tres semanas”.
Hijo de campesinos que pasaron del campo a la ciudad y se transformaron en obreros, Vargas nació en Córdoba, pero desde muy chico su familia se mudó a Mendoza, donde creció y tuvo sus primeros contactos con el teatro. Perseguido en la Argentina de los ´70 como si fuera un peligroso delincuente, aunque sólo era un militante de la Juventud Universitaria Peronista que no hacía otra cosa más que teatro, a los 21 años Vargas se exilió en Ecuador, donde fundó Malayerba. Ya había hecho un año de teatro en la Universidad de Cuyo, en Mendoza, pero fue en Quito donde aprendió de maestros como el uruguayo Atahualpa del Chopo, el colombiano Santiago García –del grupo La candelaria–, y la argentina María Escudero. “Ellos me inculcaron el amor por el teatro latinoamericano”, contó el artista.
La razón blindada está basada en El Quijote, de Miguel de Cervantes; La verdadera historia de Sancho Panza, de Franz Kafka; y el relato que Vargas rescató de su hermano Chicho, detenido desde 1976 a 1984 en el penal de Rawson, donde cada domingo los presos por razones políticas dejaban sus celdas de aislación y compartian un rato con otros internos. En esas circunstancias tan particulares, los detenidos tenían una forma muy peculiar de hacer teatro. Dos reclusos improvisaban sobre obras que intentaban recordar y otros dos, sentados sobre una mesa, representaban al público.
Conmovido por “la posibilidad de ser libre que se habían dado a través de la imaginación”, Vargas viajó con su hermano a Rawson, donde se entrevistaron con otros ex presos sobre esa manera de escapar de tan dura realidad. “Lo hacíamos para reírnos y porque nos ayudaba para estar ahí dentro de ese infierno”, le dijeron los ex detenidos. Esas conversaciones y las obras de Cervantes y Kafka le sirvieron a Vargas de “trampolín para la realización de La razón blindada”.
En la obra, los dos personajes se encuentran una vez a la semana en un lugar no explicitado pero de extrema dureza, donde el encierro y la privación de la libertad se hacen presentes, para contarse la historia de Don Quijote y Sancho Panza. Según las críticas, se trata de una obra cargada de humor y sabiduría, en la que Vargas y Guerra despliegan un deslumbrante ejercicio interpretativo, aún privados de recursos físicos, puesto que no se levantan de sus sillas.
Aunque viene todo los años a ver a su madre, radicada en Mendoza, no fueron muchas las obras que Vargas presentó en la Argentina. Recién en los ´90 el público local lo conoció a través de su obra Nuestra señora de las nubes, que se dio en el Cervantes. Ahora, estuvo en el CELCIT y hoy llega a la sala A del Pasaje Dardo Rocha (50 entre 6 y 7), para presentarse a las 21.
–¿Qué es lo que se menciona cuando se habla de teatro latinoamericano?
–Se menciona una ética y una idea en la que el cómo decir es más importantes que los réditos comerciales qué pueda tener la obra. Se habla no sólo de una forma teatral sino de una manera de producir teatro, del trabajo de grupo, del colectivo; del teatro como un ejercicio de reflexión sobre la vida.

La historia del teatro vista desde la cárcel

Detenidas en la Unidad 33 de Los Hornos presentan una obra en la UNLP

Un acontecimiento extraordinario ocurrirá hoy en el Taller de Teatro de la Universidad Nacional de La Plata, cuando quince actrices suban a escena para protagonizar Brevísima e incierta historia del teatro. Las chicas habrán llegado poco antes, esposadas y cada una de ellas acompañada por un guardia de seguridad, que las escoltará de la Unidad Penitenciaria Nº 33 hasta la casa teatral, donde presentarán una obra en la que trabajan desde hace dos años, privadas de la libertad.
“Gracias por seguir encaminando nuestras vidas”, dice un cartel en el patio del centro educativo de la prisión en el que las internas ensayaban ayer la obra que hoy mostrarán en el centro platense. Hay una cartulina con las efemérides que recuerdan algunas fechas importantes de junio, como la muerte de Miguel de Güemes y el día de la ancianidad. En una pared hay un cartel con una frase de Paulo Freire, el alfabetizador brasileño.
El patio podría ser un patio de una escuela cualquiera, ubicado entre algunas pocas y pequeñas aulas y unas oficinas administrativas. Pero es el patio del centro educativo de la Unidad 33, allí no sólo hacen teatro las internas, sino que también recuperan años de estudio. Angela, de 56 años, no sólo va a las clases de teatro, sino que también se inscribió para hacer la secundaria. Y María, de 35, terminó el colegio el año pasado y ahora acaba de aprobar el ingreso a Derecho.
–¿Tiene pensado seguir estudiando abogacía cuando salga?
–No. Yo quiero ser técnica radióloga.
–¿Y entonces, por qué Derecho?
–Es lo que hay.
Como su nombre lo indica, la obra de teatro que presentarán hoy las internas de la U33 describe una breve historia del teatro. En escenas deliciosas –o desopilantes–, las actrices despliegan lo que aprendieron desde que en diciembre de 2006 comenzaron con los talleres a cargo del profesor Miguel Di Benedetto, para ir de siglo V antes de Cristo al teatro contemporáneo.
Algunas veces, son ellas mismas en el escenario, en un monólogo en primera persona se cuentan y piden un reconocimiento. Dicen que están tratando de mejorar. Después, salen cuatro para un lado y otras dos del otro lado escoltan a una mujer a la que dejan caer de rodillas. Es la mujer pecadora y el Cristo que dice: “El que esté libre de pecado que tire la primera piedra”.
Con la intervención del tallerista, autor y director Di Benedetto, las chicas navegan y bucean por todos los estilos posibles, van de la pantomima a Shakespeare, para inaugurar luego escenas del circo criollo, actuar a Pepino el 88 y su ayudante Polvorita, y se animan al Martín Fierro y eso de que “los hermanos sean unidos”. Ellas se emocionan. Y se divierten. Y entretienen.
En las intervenciones en solitario, cuando es una la que se encuentra cara a cara con el público, hablan de la vida en prisión y le reconocen al profesor de teatro haberles dado una energía para sobrevivir. Después, otras compañeras se unen para hacer una doble función radioteatro que se vuelve desopilante cuando los textos y personajes de una y otra obra se unen en una.
Sobre el final, el diálogo entre dos señoras con alto compromiso ecológico muestra un evidente desprecio por la vida de una pobre señora que pide unas monedas. Y cuando el profesor está por despedir la obra aparece un tal Walter Chorreti, político de profesión, que tienen hinchada propia para su mitin político.
María dice que no se hubiera imaginado nunca delante de la gente, actuando. Recuerda que era muy introvertida y agradece: “la cárcel te saca tu identidad y uno se encierra en sí mismo, pero el teatro te pone en otro lugar”. Celia contó que “el teatro nos fue sacando lo mejor que teníamos. Incluso cosas que nosotras ignorábamos que teníamos. A veces veníamos sin ganas, pero Miguel nos levantaba el ánimo, nos hacía chistes. Ahora podemos decir que estamos orgullosas del profesor que tenemos”. Y prometió: “cuando salga, que será este año, voy a seguir apoyando al profe desde afuera, para que las chicas que quieran, puedan seguirlo en su delirio”.

Entrada: un alimento no perecedero o pañales

fok, no patova

Si alguien lo viera antes de que comience la fiesta, podría confundirlo con uno de los musculosos de la seguridad del lugar, tomando el batido de proteínas que siempre lleva en su mochila o acaso comiendo su vianda de arroz con atún. Pero no. El musculoso de metro setenta y cinco será el artista más zarpado y bizarro de la noche, con la presentación de algunos de los temas de sus dos discos –grabados de manera independiente y artesanal– y los adelantos de sus sarcásticos hits “Sos tan fácil”, “Tengo Onda” y “Fiesta Negra”, todos del disco en preparación Karaoke artesanal. El tipo, de nombre artístico Fok Electrochongo, terminará su show semidesnudo y con un estuche de vino tinto a modo de sombrero, en la cabeza.
El artista en cuestión se presentará este sábado (en realidad lo hará a las 4 de la madrugada del domingo) en la fiesta L.O.V.E. que se realizará en La casa del pueblo (49 e/ 9 y 10), convertida en una vecindad de diferentes estilos y ambientes de la música electrónica. La celebración es organizada por un colectivo de artistas platenses, a los que se sumarán Fok Electrochongo y Mugre, de Buenos Aires, y Dintun, de Bariloche, entre muchos otros.
Los organizadores contaron que “en la L.O.V.E. interviene gente de distintas disciplinas artísticas, que ven la fiesta como una intalación a la que se suman con una gran libertad creativa, pero con una fuerza mayor que nos contiene”. El tecladista, cantante, DJ y fisicoculturista Juan Pablo Malvasio es invitado al evento. Tomará una de las pistas por asalto durante una hora con su Fok Electrochongo para presentar sus canciones “entre mordaces e irónicas con música electrónica bailable ochentosa, 8 bit e industrial. Electrochongo produce su propia música y letras, e interviene en la puesta en escena de sus shows, mezclando una estética de lucha libre con glam rock e industrial en igual medida, con algo de contenido erótico”, según dice su promoción.
“Ehhh… puede que haya algún contenido erótico, pero es más bien grotesco”, aclaró el artista a Diagonales. Y agregó: “Sería erótico grotesco y hasta un poco infantil, porque yo no hago calentar a nadie. Tenemos algunas visuales con cosas porno que pusimos a propósito y en algún momento jugué con tener bailarines, pero eso es sólo en algunas ocasiones”.
Profesor de musculación y personal trainer, en algún momento le hicieron sentir que había una contradicción entre el deporte y la noche, pero él se las arregló para que los prejuicios no lo afectaran. “Puede ser que la gente me vea como algo raro, algo freak, pero cada uno es como es… trato de dejar en claro eso”, advirtió.
Nacido en los ‘80, Fok empezó a tocar teclados en bandas de tecno pop, de rock barrial, y hasta en un tributo a Soda Stereo, a finales de los ‘90. Aunque de a poco llegó al electro pop. Hoy, Fok Electrochongo es uno de los artistas que más deambulan la escena underground de Buenos Aires y toca en muchas fiestas en las que se hace un culto de la diversidad sexual. Le gusta, explicó, tocar para “un público dispuesto a divertirse, que no esté en pose ni tenga prejuicios”.

¡Yo también!

Dice Galeano que hablan las paredes. Y recuerda que, aunque para el diccionario los grafitis sean “de carácter popular y ocasional, sin trascendencia”, el ex alcalde de Nueva York Rudolph Giuliani condenó a los peligrosos autores de palabras y dibujitos, porque “ensuciando las paredes revelan una conducta protocriminal”.
Tal vez un día haya que invitarlo a La Plata a Galeano, para mostrarle una ciudad con paredes que tiempo atrás quisieron ser silenciadas, no sólo blancas puras e impolutas, sino con pintadas de un proyecto de Ciudad Limpia, descarada propaganda política oficial y preelectoral. Aquella idea de explicarles a los vecinos las más elementales normas de conductas, enseñanzas de preescolar, tal como que no debe arrojar un papel a la vía pública, fue la excusa que encontraron desde el oficialismo municipal para censurar a todos los partidos políticos opositores.
Ahora, aunque los concejales aún no derogaron la famosa ordenanza censora, represiva, el gobierno municipal no sale cual policía a callar a las paredes. Y es una suerte, como dice Galeano, porque “ellas no siempre se sienten violadas por las manos que las escriben o las dibujan. En muchos casos, están agradecidas. Gracias a esos mensajes, ellas hablan y se divierten”.
En las paredes platenses se pelean los de Gimnasia con los de Estudiantes y los de Estudiantes con los de Gimnasia, un chico declara su amor a una chica y se invita a un escrache contra un represor. Hay, también mensajes que desafían a una diversidad sexual, que invitan a un acto, sindicatos que llaman a la lucha y partidos políticos que piden votos. Preguntan por Julio López las paredes. Y hay una “Banda de Perón” que toma posición en el conflicto del campo, milita y exige: “asado y vino con precios argentinos”. Y un grafitero sincero, que escribe: “¡Me quiero!”.

Raninqueo, palabras y sonidos

El músico y poeta Martín Raninqueo se presenta esta noche en Notorious junto a Diego Rolón y Leandro Rouco en guitarras, Luis Volcoff en bajo y Agustín Barbieri en batería. Antes del show, el artista conversó con Diagonales sobre lo que fue y lo que será: la palabra y los sonidos.
–¿Cómo llega la música a su vida?
–A través de la tía Alicia, que tocaba la guitarra y fue la que me pasó los primeros acordes. Yo tenía diez u once años. Fue una tía faro, que me abrió puertas para la música y los libros. Me tenía hechizado con su guitarra y en su casa vi por primera vez, en una edición preciosa, muy cuidada, el primer libro de Oscar Wilde. Hoy es su cumpleaños. Y a veces me ha tocado dar conciertos en fechas especiales, también me pasa con mi hermano Pablo, como una manera de recordarlos.
–¿Tenía el deseo de ser músico o sólo pensaba en aprender a tocar?
–Sólo quería aprender. Era un juego, siempre lo fue, porque por suerte no perdí nunca esa manera de relacionarme con la música.
–¿Recuerda la primera vez en un escenario?
–Un día la invitaron a cantar a la tía Alicia en una peña en el Club Bochín y con un amigo la acompañamos con nuestras guitarras. Éramos chiquilines y atrevidos: en el Sporting, de Wilde, tocamos una vez antes que la orquesta de Pugliese. Con aquel amigo, Cachito Machi, que hoy es nuestro sonidista, hicimos “Los magos del sur”. Tendríamos doce o trece años.
–Después del folclore llegó el rock.
–Seguí con el folclore hasta que entré al Colegio Nacional, donde conocí a Hugo Fernández y entro a escuchar a Luis Alberto Spinetta y a Charly García. Pero, como mi tía, Hugo también fue un tipo faro, porque no sólo me hizo escuchar las primeras canciones de rock nacional, sino también a Silvio Rodríguez, que todavía no había sido editado en Argentina. Yo tenía 17 años. Hasta canté una canción suya la noche antes de ir a Malvinas. Una canción premonitoria, que dice “en estos días no sale el sol” y... “¡Ay!, de estos días terribles / asesinos del mundo”.
–¿Cuál fue su relación con la música después de la guerra?
–La música se transformó en otra trinchera. Aquel pozo de Malvinas pasó a ser, como dice Alejandra Pizarnik, esa alcantarilla desde donde uno tiene su visión del mundo. Estuve perdido un par de años sin saber para dónde rumbear, pero la música siempre estuvo ahí. Antes de la guerra había ido a un recital de Mercedes Sosa que después fue editado en un disco, así que, durante la guerra, le escribí a mi hermano que me comprara el disco. Ese disco y la Antología de poesía surrealista que me compró mi mamá fueron muy importantes. Mi salida fueron la música popular y la poesía.
–¿Qué ocurrió hasta que editó su primer disco, en 1997?
–Tuve diferentes formaciones. Tuve la suerte de tener el acompañamiento de muchos músicos. Toqué con Potolo Abregó, con Alejandro Rodríguez y, ya por esos años, con Diego Rolón y en algún momento también con Pablo Giménez, que ahora toca en La Portuaria. Si no estaba con ellos, me calzaba la viola y cantaba solo. En esos años escuché a Alejandro Del Prado, que fue el primero en incluir murga en la música popular rioplatense, y a los uruguayos, a Eduardo Mateo y Fernando Cabrera.
–¿Hizo un viaje iniciático por Uruguay?
–Es el único país al que viajé. Tuve una conexión muy fuerte con el Uruguay y lo quise conocer a fondo. Me onetticé. Cometí el error de leer El astillero en la playa y terminé seis metros bajo tierra preguntándome por el sentido de la vida. Pero los libros y la música uruguaya me marcaron. Y pensar que me había comprado el vinilo de Mateo sin saber quién era, porque en aquella época había muy pocas disquerías que te permitían escuchar el disco y yo compraba por el arte de tapa. Aquella era una cosa minimalista, tenía una puertita con un tipo. Siempre que escribo una canción aparecen ecos de Mateo, de Cabrera…
–¿Trabaja en un nuevo disco?
–Con la banda estamos en el proceso de ver algunas canciones que ya son una insinuación.
–La presencia de Rolón , que trabajó diez años con Liliana Herrero, es muy importante. ¿Cómo fue el reencuentro?
–Estaba dando vueltas con mi guitarra cuando lo encontré en una reunión. Me pidió que le mostrara lo último que había hecho y me dijo “lo vamos a grabar”. Es la primera vez que hago el intento de salir de la ciudad, nunca se me había cruzado la idea por la cabeza.

De inocencia y experiencia
Juan Bautista Duizeide
Escuché cantar por primera vez a Martín Raninqueo hace casi dos décadas, durante el rodaje de un documental sobre los ex - combatientes de Malvinas. Me llamaron la atención su tono, de lamento pero también de desafío, y la calidad poética de lo que cantaba. En la inocencia de aquellos tanteos, acechaba la sabiduría.
Su primer disco solista, ffff probó su talento de cantador de historias capaz de pasar de la “Murguita de los rincones” a un tangazo como “Sillón bordó”, de prestarle su voz a una travesti que desde una cabina telefónica habla con otra en “Hola Diosa” a celebrar la supervivencia de un pingüino de bar o mandarse un haiku de desamor como “La placita”. Y su libro Poemas al flautista reafirmó la calidad de todo lo que escribe, sean canciones o poemas.
En el disco Gorrión criollo –que viene a ser su álbum blanco– prueba sus capacidades compositivas con la inmensa y sabia complicidad de Diego Rolón. Allí se juntan el rock poderoso con sones ancestrales, la psicodelia rioplatense con el aire de murga, el tango, la zamba y la voz de Juanele Ortiz. Sabiduría que le dieron los años y las millas recorridas, pero en la cual acecha una inocencia insobornable.
Periodista y escritor

Editan en DVD para Argentina el filme Habitaciones para turistas

La primera película de horror de la productora platense Paura Flics Habitaciones para turistas fue editada en la Argentina y desde hace unos días se encuentra disponible en DVD, después de cinco años de haber sido proyectada por primera vez en el país.
La película fue editada por la editora independiente Videofilms, que también cuenta en su catálogo con otras producciones nacionales de películas de terror. El DVD cuenta con un remasterizado de imagen y sonido obtenido en la empresa Rentero Vms, un audio comentario del director Adrián García Bogliano y su hermano Ramiro García Bogliano (coescritor del guión), además de backstage, trailers, videoclips, galería de fotos y una gran cantidad de material extra.
Según contó a Diagonales Hernán Moyano, productor ejecutivo y mentor de Paura Flic, la copia es “un material infaltable en la colección de todo fan del cine de horror”.
Sobre Videoflims, Moyano explicó que “es una editora formada hace unos pocos meses por un grupo de cineastas independientes que cansados de golpear las puertas de los encargados de distribuir cine nacional en nuestro país y ser rechazados con excusas tales como que ´no hay mercado para el cine de genero argentino´”. Y agregó: “se decidieron a llevar adelante este gran emprendimiento y para esto se aliaron con muchos de los realizadores independientes que tienen otra forma de hacer llegar su obra al público en general”.
Habitaciones... fue protagonizada por jóvenes actrices platenses y producida por –en ese entonces– estudiantes de los primeros años de la carrera de cine de La Plata. García Bogliano tenía apenas 18 años cuando comenzó la producción de la película, que costó 3.000 dólares. La filmación -en blanco y negro- se extendió por tres años y la posproducción un año más.
Desde su primera proyección, el filme cosechó elogios de parte del público y la prensa especializada, pero fue después de una crítica del diario New York Times que comenzó a ser observada por los medios argentinos y, especialmente, platenses. “Filme de efectiva atmósfera siniestra. La acción despega y en ningún momento baja su ritmo. Brinda algunos inesperados giros, los asesinos y sus victimas tienen concretas motivaciones para sus actos. Adrián García Bogliano ha hecho un promisorio debut que de manera certera acierta en los puntos mas tenebrosos”, escribió la periodista Laura Kern en el New York Times. En su recorrida por distintos festivales ganó los premios a Mejor película, Mejor director revelación, Mejor actriz y Premio del público del Buenos Aires Rojo Sangre 2004, el Especial del Jurado del Festival de cine digital de Viña del Mar, y Golden Glibb Award en Nuremberg.
Habitaciones… es, además, una de las poquísimas películas latinas en lograr estrenarse comercialmente en cines de los Estados Unidos y a la crítica del New York Times, hay que sumarle las de New York Post y Tv Guide. Fue, también, la segunda película argentina en lograr ceder los derechos para la realización de su remake americana y es la única en haber sido proyectada por mas de 3 meses en el museo de arte contemporáneo de Londres.
En 5 años, fue exibida en Canadá, Cuba, España, Uruguay, Egipto, Alemania, Chile, Puerto Rico, México y Brasil y es forma parte de las colecciones privadas de directores como Guillermo del Toro, Paul Verhoeven, Crispin Glover y James Merendino, entre otros.
La edición de la película no significa, de todas maneras, que las copias ingresen en el mercado tradicional, sino que hay que mandar mails para conseguirla. Tanto la prodoctora Paura Flics como Videofilms realizan los envíos a domicilio en todo el país, con la posibilidad de pagar en domicilio -en Buenos Aires y La Plata-, a través de un depósito bancario o contra reembolso. Además, en La Plata, la Paura Flics dispondrá de puntos de venta en el Taller de Teatro de la UNLP, los locales de Jason e Imagina.


Protagonistas: Elena Siritto, Jimena Krouco, Brenda Vera, Mariela Mújica y Victoria Witemburg

Una temporada en el amor

Esta es la tapa del nuevo disco de Estelares. Diseño e ilustración del artista platense Juan Soto.

Sergio Pángaro & Baccarat

Sergio Pángaro & Baccarat se presentan esta noche a las 22 en El Teatro Café Concert (43 entre 7 y 8). “Los temas van a ser de los discos que hemos grabado y otros nuevos, también páginas de la lírica universal, tanto del pop, del rock, del jazz”, anuncian los artistas. “Es una de esas fechas ambiguas que dan para repasar todo el repertorio y probar cosas nuevas”, explicó Pángaro, que también está cantando en un proyecto con la Orquesta de las Mil Copas, con la que interpreta música popular napolitana desde el siglo XVII al siglo XX.

-¿Tienen otras fechas programadas?

-El lunes vamos a ir a Arte BA. Lo siguiente confirmado es en agosto.

-¿Los Baccarat están parados por tus conciertos junto a la Orquesta de las Mil Copas?

-No. Al contrario. Paramos para revisar la intención de las canciones e investigar cómo encarar la interpretación de los temas nuevos. Justamente había estado preparando un nuevo repertorio pero no me gustaba. Investigar y recuperar el material sonoro tradicional italiano y la complejidad de las canciones a lo largo de tantos años, me sirvió para ubicar lo que quería hacer con Baccarat.

-¿Es algo más romántico?

-No. Los napolitanos le cantan mucho a la tierra, a la uva, al pescado y a la familia. Hay muchos temas que los convocan a la canción.

-¿La influencia sobre Baccarat es sólo sobre la interpretación?

-A partir de mil copas volvimos renovados y más fuertes.

-Pero con el mismo espíritu de las bandas de los 50’s.

-Es nuestro sello. Baccarat es a la vez chispa y angustia, social y lírico. Baccarat son modales, el punto en el que convergen todos los modales. Como en El Aleph, en una comparación pretenciosa y divertida, el punto en el que convergen todos los demás.

-Hace mucho que no venían a La Plata.

-Bastante, es difícil, recién ahora tenemos manager y una banda te exige mucho tiempo, hay que preparar el show, las cuestiones artísticas, el espectáculo, y al mismo tiempo discutir lo comercial y las fechas, te demanda mucho tiempo y necesitábamos que alguien se pudiera hacer cargo de eso. Mientras tanto, como surgió ahora, siempre estamos atentos y si nos invitan vamos.

Con más de diez años en su historia, Pángaro & Baccarat se presenta como una banda con “diez caballeros en escena y un crooner con un martini en la mano, dos bellas damas, un rumor de jazz en el aire… Esta es la atmósfera de Baccarat, que calentando motores, entre risas y nostalgias, consiguen al final de la fiesta que todos se olviden de sus asientos”.

Eli-u: en el nombre del padre

Un compositor e interprete uruguayo, tan talentoso y extraordinario como desconocido, fue rescatado por su hija que, no sólo comenzó a editar los trabajos que grabó en los últimos 20 años de su vida, hasta su muerte en 2004, sino que editó su propio disco solista y sale a interpretarlo en vivo. Eli-u presenta esta noche en Ciudad Vieja (17 y 71) “Creo en los elefantes”.
Eli-u es hija de "El Príncipe" Gustavo Pena Casanova, el último de los mitos trágicos producido por la música popular uruguaya, un músico admirado por sus pares hasta la veneración y que, sin embargo, apenas pudo editar dos discos, uno en estudio -grabado de manera independiente junto a Nicolás Davis en 2001 y editado bajo el título de "Amigotez"-, y otro, oficial, grabado en vivo en la sala Alfredo Zitarrosa, en 2003.
El Príncipe falleció en 2004 y dejó en herencia un legado de canciones que su hija recuperó y comenzó a editar. Ya publicó dos discos con algunas cintas recuperadas. “La fuente de la juventud” tiene canciones grabadas en los estudios Panda entre 1990 y 1991, pero recién pudo ser editado en 2004; mientras que “El amor en el zaguán”, también grabado junto a Nicolás Davis, fue editado en 2006.
Tantas son las canciones que dejó El Príncipe que Eli-u editó su primer disco en diciembre de 2008, con doce temas inéditos, y en el repertorio en vivo ya cuenta con material para otro CD. El Príncipe, además, fue grabado por artistas como Pablo Dacal, Martín Buscaglia, La Abuela Coca, Onda vaga y El club de Tobi. Y hasta la cantante de tangos uruguaya Maia Castro le grabó un tema.
Su hija llega ahora a cantar a La Plata y lo hará esta noche en Ciudad vieja, donde presentará su primer disco y adelantará otras canciones inéditas que le regaló su padre.

Foto: Emilio Camarena

Un monstruo y los Mostruo!

Alejandro Medina se presenta esta tarde-noche en el ciclo Locales y visitantes en el Pasaje Dardo Rocha en un concierto en el que, por primera vez, compartirá escenario con su hijo Kubilai. El bajista que participó del grupo fundador del rock nacional llega a La Plata como invitado con su banda La Mendinight, mientras que el guitarrista lo sigue con una de los grupos más importantes del indie platense: Mostruo! Además de altas dosis de energía musical, el show promete ser uno de los más emotivos.
Medina padre no sólo fundó Manal, sino que tocó con todos los grandes del rock nacional, desde Pappo a Charly García, de La Pesada del Rock and Roll a Sui Generis y llega a La Plata con la banda con la que recorre los escenarios del país desde hace unos diez años y con la que editó De qué sirve la vida, que grabó en 2001 pero tuvo que dejar relegado hasta 2005, por el corralito y demás problemas económicos de aquellos años.
Dicen que será un show imperdible, con una banda invitada que hará un recorrido por el rock y el blues más ortodoxo, mientras que los locales mostrarán la impronta renovadora del salvaje y contundente del rock de hoy con reminiscencias setentosas.
Por un lado estará en escena La medinight band, con Alejandro Medina en voz y bajo, La Lola Medina en voz y coros, Claudio Rodriguez en guitarra, Giuseppe Puopolo en saxo y Javier Boleda en batería. Por el otro, los Mostruo! presentan a Kubilai Medina y Lucas Finocchi en voces y guitarras, Luciano y Federico Mutinelli en batería y bajo respectivamente, y aportando también sus voces.
El concierto está anunciado para la hora 20 en el primer piso del Pasaje Dardo Rocha (50 entre 6 y 7) y dicen que será puntual. No habrá que perdérselo, porque Medina padre toca como si fuera la última vez todo el tiempo y asegura que "no es soberbia: uno mejora con los años".

Moretti repasa y adelanta cómo será el nuevo disco de Estelares

Estelares presenta en unos días más su quinto disco: Una temporada en el amor. Antes de que el material llegue a las bateas con sus catorce canciones, Manuel Moretti, cantante y compositor de la mayoría de los temas, escuchó y comentó el disco para Diagonales. El resultado es este extenso detalle tema por tema.
1 - Cristal. El corte de difusión abre el disco. “Es la que ya conocen todos”, dice Manuel. Y agrega: “Es la más pop”. El tema de apertura fue una de las varias canciones rescatadas por la banda para su quinto CD. Es un tema del ‘91, de la época en la que el cantante y el guitarrista Víctor Bertamoni tocaban en Peregrinos. “Es un puente entre Sistema Nervioso Central y Una temporada en el amor. El estribillo salió en los ensayos y el verso es igual al original. Les gustaba a los chicos del grupo y por eso la rescatamos”, cuenta. Una canción para bailar, fuerte y autocrítica.
2 - Melancolía. Es una de las canciones compuestas en Buenos Aires, después de años de vivir en La Plata. Estelares recién empezaba a ser una banda reconocida. Era más tanguera, menciona la calle Anchorena y de ella surge el título del disco. Dice Manuel que era una buena etapa, de disfrutar con el trabajo con Estelares, pero sin embargo seguía melancólico. “Era decirle basta a la melancolía, decirle: dejame en paz”, confiesa.
3 - Las trémulas canciones. Una canción homenaje a artistas como Franco Simone, Roberto Carlos o Nino Bravo. “Está armada desde un riff de guitarra pseudo stone, pero al mismo tiempo inspirada en la canción popular italiano - española”, cuenta Manuel. “Yo recuerdo aún el perfume de su piel / sobre mi piel”, canta. Aparece el primer invitado en el disco: Ariel Rot toca la guitarra y le da una impronta calamaresca. Destino de hit.
4 - Las luces del sueño. Es otra canción rescatada. “Con las canciones pasa como con los jugadores de fútbol: algunos se imponen como titulares. Y eso pasó con esta canción, se impuso como titular”, explica el cantante. El tema es también de principios de los ‘90 y los primeros momentos en La Plata. Manuel rescató la “actualización y revalorización que la banda hace de algunas canciones” y sospecha que eso ocurre por “la relación con el éxito, el desarrollo del oficio y el hecho de tocar todos los fines de semana, porque el año pasado dormí más con Víctor Bertamoni que con Rocío (su pareja)… aparecen, casi por ósmosis, cosas que no estaban en la cabeza de nadie. Estábamos un poco asustados con cómo seguir después de Sistema Nervioso Central, pero las horas de vuelo de la banda resolvieron el problema”.
5 - Autobuses. Aparición estelar de Fito Páez. “Autobuses” es una de las canciones que ya presentaron muchas veces en vivo y es de la nueva época. “Era un vals, pero la zapamos en compases binarios y la hicimos canción”, explica Manuel, que destaca “las violas de Torio, las líneas de piano de Páez y la mixtura de las voces”. Fito aparece en gran forma, metido en la canción. Quizás “Autobuses” sea hermana de “Ella dijo”, no sólo por el desencuentro entre un músico y una mujer que cuenta la poesía, sino también porque en ambas canciones hay otros cantantes como invitados. Páez en “Autobuses” y Jorge Serrano, de los Decadentes, en “Ella dijo”. En esta canción los Estelares repiten la fórmula exitosa.
6 - Máscaras. Es una canción muy triste pero a la vez llena de luz. Más invitados estelares, esta vez es en los coros, con la presencia de los Súper Ratones. Suena, en el estribillo, una melodía conocida. Dice Manuel que es algo de los Beach boys o tal vez de Pedro Aznar (y suena a “Sólo Dios sabe - Tango 4”). “Es una proyección clásica, muy usada, que va de La menor a Fa mayor y naturalmente vas para Re”, describe Manuel, entre risas. “Es al pedo, no se va a entender nada”, sentencia luego. Habla de una figura tanguera y cuenta de “un arreglo muy sencillo, que a la vez es un artilugio musical que nos encanta a los Estelares: El estribillo está en mayor y el solo en menor”. Es cierto, no se entiende nada, pero la canción está muy bien.
7 - Superacción. Es otra canción rescatada, aunque no de la primera época de Manuel en La Plata, sino del impasse que se produjo entre el segundo y el tercer disco de Estelares, cuando el cantante editó su disco solista La mañana del aviador (2002). “Es una canción de sensaciones, con un montón de imágenes pseudo cinematográficas”, explica. “Ya somos campeones no hay lugar al que llegar”, dice la letra. Y el cantante suma: “Fue compuesta durante el menemato, con una profunda sensación de no pertenecer. Es de las canciones muy autorales, que me salen de un lugar que no sé… fue compuesta durante la misma semana que “Aire”. Y cuando terminé esa semana pensé: que vago que soy… no me sale ninguna canción”. Dice Manuel que “tiene unas guitarras tipo Wilco y el comienzo medio The Police”. Es rara y apabullante.
8 - Cuatro chicos. Manuel la describe como “un folk clásico”. Arranca con su idea de las imágenes: “Cuatro chicos juegan en la calle / dos señoras hablan por hablar”. Y la letra navega en una suerte de idea psicológica que tiene su autor sobre “repetir lo que aprendimos pero, claro, necesitás un libro para explicarlo”, bromea. Es una canción sencilla y contundente.
9 - Tanta gente. Esta canción también fue grabada en La mañana del aviador y es de finales de los ‘90. Y es, además, la más antimenemista y lisérgica de las canciones del disco, aunque habla de seguir. Dice Manuel que es una “canción - intento por sortear la tristeza, algo sencilla”. Hay dos o tres cosas de la lírica que llamarán la atención. Los más chicos se sorprenderán con un “blue jean”, que no es más que el jean común y corriente y una manera de llamarlo algo ochentosa y “muy espantosa –según Manuel– que habla sobre lo que los yanquis hacían con esta región”. Además, aparece Boca. Manuel, confeso hincha de Sarmiento de Junín, nombró a River en “Patinar” (en el disco Ardimos) y ahora se despacha con una frase feliz: “Si Boca es campeón mundial, yo también”, dice. “Me preguntaba porqué no podía hacer algo mejor con mi vida”, explica.
10 - Los ‘90. Otra canción antimenemista y noventosa, aunque permanecía inédita. Es, además, la única 100 por ciento rockera. “Carlitos feliz”, bromea Manuel, al mencionar el palo y palo con el que va la batería de Carlos Sánchez, guiando riff de los ‘70. “Sigo preguntándome tarado hacia donde ir. La mañana ya quemó las luces no sé que pensar”. La letra habla de "tipos huyendo" e "ilusión en los ojos de una niña". Como en “Tanta gente”, Manuel asegura que “hay que seguir”.
11 - Hoteles. Aunque puede parecer la canción de un melódico hiper famoso –incluso puede pensarse como actual y autobiográfica–, “Hoteles” es la que en 2002 le dio nombre al disco La mañana del aviador, rescatada por Estelares para Una temporada en el amor. Según Manuel, es “una parodia sobre la soledad”. Está pensada, también, como “una broma a una cierta vida aristocrática” de hoteles, con “botones”, “tostadas” y “jugo de melón”. El cantante también menciona como fuente de inspiración a Maridos, una película de 1970 dirigida por John Cassavetes y protagonizada por Ben Gazzara y Peter Falk, además del propio director.
12 - No hay más. “Es la más Virus, la más platense”, advierte Manuel con una sonrisa. Y aclara: “la escribió Pali”. Se refiere, claro, a Pablo Silvera, el bajista de Estelares, autor también de otras canciones de la banda, como “Qué será”. “Olvidemos todo / no hay más que decir”, canta Manuel. Pegadiza.
13 - Mil abejas. “Es una canción muy íntima que le escribí a mi hija”, dice el cantante. Nacida el 8 de marzo, Juana acaba de cumplir tres años. La versión que saldrá en el disco es acústica y dejó conforme a músicos y productor cuando aún la suponían incompleta. “Escuchamos esta mezcla a la que le faltaban algunas cosas y no lo dudamos: se imprime, dijimos”, recuerda Manuel. “Debe ser que / no hay mayor verdad que tu amor / mi amor”, canta. Preciosa.
14 - Viaje a Irlanda. Manuel quería hacer una canción a los amigos. Y la hizo. No sigue la onda del disco, pero es del estilo con el que Estelares cierra los discos producidos por Juanchi Baleirón. “Una canción testimonial, para ser revisitada, como “Ardimos” (en Sistema Nervioso Central - 2006), como “Estrella” (en Ardimos - 2003)", dice Manuel. Es, también, de la época del menemato, es decir que fue escrita a finales de los ‘90. Se trata, según el cantante, de “una canción oscura y luminosa a la vez, medio Radiohead, climática y cósmica”. Un detalle: termina con una púa sobre un disco que sigue girando.
Y así se va el disco.

Foto: Julieta De Marziani
Fumando y cantando unos tangos mientas le apuntan con la cámara, con y sin flash

Un disco “claro, crudo, profundo y visceral”

Foto: Julieta De Marziani
Sesión de fotos en la terraza, en uno de los departamentos de La Plata en los que Moretti habitó durante los años ´90

Sobre Una temporada en el amor puede decirse que es un disco de canciones, melódico y original, muy original. Es Estelares pero, más allá de algunos artilugios musicales que vienen incluso de los primeros trabajos, la banda no se repite.
Los Estelares son fundamentalistas de la canción. Y este disco suena a Franco Simone, Roberto Carlos y Nino Bravo. También a Sandro y a Leonardo Favio, siempre omnipresentes en la producción del grupo. Por momentos, parece un disco de los ‘60 o ‘70, digno de ser presentado en Sábados circulares y bailado por chicos con pantalones patas de elefante y chicas de minifaldas. Incluso, termina con el sonido de una púa sobre un disco de vinilo.
Una temporada en el amor es un disco testimonial compuesto en tres épocas bien diferentes. La primera es a principios de los ‘90, con Moretti recién llegado a La Plata. La segunda es a finales de la década menemista, década infame para el cantante: “Creo que la mayoría de los problemas que tenemos hoy son de aquella época. La tercera es presente, es Estelares grabando por primera vez con Juanchi Baleirón, su productor desde 2003, sonando en las radios, en la tele, entrando a las casas; con los artistas viviendo por primera vez de la música. Una temporada en el amor es la calle Anchorena, pero el disco recorre 20 años de historia. Y canta Moretti que “20 años no es nada si hubiesen sido decentes”.
Dice el cantante que es un disco “claro, crudo, profundo y visceral”. Que es posible gracias a que la banda pasa por una buena etapa y él aprendió el oficio de escribir canciones. Y cree que están “mejorando”.
Los cuatro Estelares trabajaron en la composición de la música de este disco y contaron con la colaboración de Eduardo Minervino en dos temas compuestos al piano, además de la guía y sapiencia de Baleirón, que “ordena la vorágine creativa”. Carlos Sánchez encontró los ritmos justos a la batería y Víctor Bertamoni se hace cargo de la mayoría de los solos –aunque en alguno deja que Moretti se saque el gusto–. Hay, además, un tema del bajista Pablo Silvera, que siempre mete alguna pincelada. Fito Páez, Ariel Rot y Los Súper Ratones participan como invitados.

Karamelo Santo en La Plata

Felices por el inminente lanzamiento de su primer DVD, los Karamelo Santo vuelven a La Plata. Antes de un pequeño viaje a Neuquén, donde realizarán los últimos conciertos en la Argentina para partir luego a su nueva gira europea, subirán a las 22 al escenario de El Teatro (47 entre 8 y 9). Pedro "Piro" Rosafo (voz y percusión de la banda), conversó con Diagonales sobre lo que se viene.
–¿Todavía están presentando Antena Pachamama (2007)?
–Le estamos sacando el jugo, la pulpa, y estamos acabando con la cáscara, es así. Pero estas son ya los últimas balas que nos quedan porque es un disco que nos dio para rato, tuvo mucha aceptación. Ahora está agotando lo que le queda y nosotros vamos encarando lo que se viene.
–¿Cuándo sale el DVD que grabaron en La Plata?
–Estamos con muchas expectativas porque lo vamos a presentar mientras estemos en Europa. Intentaremos hacer algo multimedia, por Internet. Para nosotros un momento histórico, porque es nuestro primer DVD. Haremos un pre lanzamiento primero con un CD con el audio del recital en vivo para los últimos días de mayo o primeros de junio. Unos diez días después de que estemos de gira, aproximadamente el 20 de junio, saldrá el DVD.
–Ya pasó bastante tiempo desde que lo grabaron...
–El recital fue el 1º de diciembre de 2008. Dimos un concierto muy cálido, tanto por la gente como por la arquitectura del lugar. Quedó un concierto muy bonito, muy expresivo, muy de Karamelo. El disco ya está prácticamente editado, faltan detalles, lo grosso del material que va en el disco está listo, es cuestión de días para que salga a la calle. –¿Qué les gustó de El Teatro?
–Además de la arquitectura maravillosa, es perfecto por su tamaño intermedio, ni pequeño ni grande. Justio, ideal.
–¿No es raro que estén de viaje justo cuando tienen que presentar el material?
–Es que los tiempos se nos estiraron. No pensamos que a nivel producción fuera una cosa tan larga y requiriera la participación de tanta gente. Siempre que pensamos que estamos por terminar aparecen detalles nuevos.
–¿La gira otra vez es por Suiza y Alemania?
–Siempre el eje es Suiza, Alemania y Austria. Y ahí surgen nuevas posibilidades, vamos a trocar en Croacia, en la República Checa. Vamos a ir a Suecia, es una gira súper interesante. Principalmente, porque vamos a algunos festivales grandes que convocan realmente mucha gente y a muchos artistas reconocidos a nivel mundial. Siempre es una experiencia enriquecedora.
–Y, antes de todo eso, se suben al escenario de El Teatro...
–Tenemos un vínculo muy fuerte con La Plata a partir de Pablito, que es uno de los integrantes que se sumó a la banda cuando llegamos de Mendoza a Buenos Aires y siempre estuvo con nosotros. Además, siempre hay motivos para ir a tocar a La Plata, vamos a tocar para H.I.J.O.S. y a movidas sociales. Siempre nos trataron muy bien, con mucho cariño y con el tiempo creció la onda y tenemos más amigos.

Con Onda vaga, vuelve el Ciclo Media Pila

El Ciclo Media Pila vuelve hoy con un concierto de Onda vaga en El galpón de encomiendas de La Grieta (18 y 71), con la organización de Radio Universidad Nacional de La Plata y la presencia de los locales Monoaural como invitados.
Guitarra criolla, maracas, pianica, cajón peruano, cuatro venezolano, palmas, un trombón y voces –cinco voces como instrumentos–, se mezclan como en un fogón improvisado para desgañitar rumbas, cumbias o viejos rock and rolles; tangos alegres, reggae o folclore.
Dice la leyenda que Onda vaga se formó para pasar el verano de 2007 en Cabo Polonio –una playa del Uruguay donde la civilización aún no hizo huella–, y se volvió una niña mimada, con seguidores de la talla de Fito Páez, Andrés Calamaro y Manu Chao.
Aunque es un quinteto, en aquel primer momento se trató de un cuarteto que sólo quería tocar en vivo en el barcito del lugar, desenchufados. Los músicos, provenientes del rock independiente porteño, juntaron los instrumentos que tenían a mano, consiguieron que les prestaran un cajón peruano y con maracas y todo se fueron al bar. El dueño necesitaba anunciarlos en la pizzara y les preguntó como se llamaban: “Onda vaga”, sentenció uno.
Ahora protestan contra los que los describen como vagos y sacan a relucir sus actividades, porque a Onda vaga cada uno le suma otros proyectos rockeros. Germán Cohen toca en Satélite Kingston y Me darás mil hijos, Marcelo Blanco y Nacho Rodríguez están en Tronco y en Nacho y Los Caracoles, y Marcos Orellana y Tomás Gaggero siguen en Michael Mike. Entonces, dicen, de vagos, nada: “Interpretan lo vago desde la vagancia y no desde la vaguedad... No somos vagos: hacemos notas, ensayamos, cada uno hace sus canciones en su casa, estamos planeando un segundo disco en menos de seis meses, cada uno estudió su instrumento...", disparó Cohen en una nota. Daba para la polémica, y Diagonales arrancó con el mismo Cohen por ahí.
–Eso de la vaguedad suena poco creíble...
–Y bueno, puede ser. Ahora tengo otra explicación alternativa. Vamos a decir que el nombre salió del Poema LXXII, de Gustavo Adolfo Becquer, que empieza “Las ondas tienen vaga armonía…”. Pero bueno, lo cierto es que algunos de nosotros le encontramos un sentido en ese lugar que marca la desprolijidad de las olas en el mar, que también tienen una vaga armonía.
–¿Cómo pasaron del barcito de Cabo Polonio a festivales con R.E.M. y The Jesus & Mary Chain?
–La banda surgió en enero de 2007 y no volvió a tocar hasta agosto, en una fiesta. Entonces, empezamos a decirles a nuestros conocidos que nos invitaran a cuanta fiesta hicieran, que nosotros íbamos a tocar. Así fue que hubo fines de semana que tocábamos en tres lugares. Y decidimos hacer nuestro propio show. La primera vez fueron 15 personas, pero empezó a estar bueno. Fue un poco mágico.
–La mezcla de los instrumentos es muy original. No es una copia de nada.
–No es una copia de nada, pero es una copia de todo. No tiene bajo, pero tiene cajón peruano. Es parecido a lo que puede surgir en un fogón. Hay un tipo que tiene cajón y bueno, toca el cajón. Ahora, a uno le regalaron un ukelele y en el próximo disco vamos a sumarlo. La banda se formó en Cabo Polonio, y ahí no hay electricidad. Éramos unos tipos con una guitarra y un cajón peruano prestado. Empezamos con las canciones que sabíamos de los otros y surgió. Buscado, hubiera sido difícil que saliera.
–¿Qué tocarán en La Plata?
–Nuestros shows no son muy preparados. Lo armamos cinco minutos antes de tocar. Estamos mostrando Fuerte caliente y adelantando temas del próximo disco, que entramos a grabar en junio, creo, porque no somos muy organizados. A eso me refiero con la vaguedad, no tenemos una estructura.

Polenta seca

Una obra de teatro, supuesto melodrama de fieras parecido a una película argentina clase B –o a una novela trucha, algo bizarra - se coló en la cartelera de teatro platense de la mano de un trío de artistas del oeste del gran Buenos Aires, invitados al Taller de Teatro de la Universidad Nacional de La Plata. Los actores Javier Dovico y Andrés Passeri y el director y dramaturgo Martín Kasem comenzaron el año pasado con un grupo de investigación teatral amateur, para experimentar sobre técnicas teatrales y se encontraron con que tenían un producto entre manos: lo bautizaron como Polenta seca para la sra. Dupont, y ahora lo presentan todos los viernes de mayo, a las 22 en la sala de 10 entre 54 y 55.

“Tenía ganas de hacer una obra de Alejandro Urdapilleta que se llama Las fabricantes de tortas, pero de pronto me di cuenta que los actores tenían un gran potencial de improvisación. Entonces, tomamos la obra de base para improvisar, seguimos su estructura, le agregamos algo de Las Criadas, de Jean Genet, y nos dispusimos a hacer lo que salga. Y salió esto”, confesó Kasem a Diagonales.

Polenta seca… se promociona como un “melodrama de fieras”, melodrama por aquello de ser algo parecido a “una novela trucha” y “de fieras” porque las dos protagonistas “son unos monstruos” a punto de “matar o morir en cada escena”, según explicó el director y dramaturgo. Además, en el programa hay un guiño al espectador que luego no vuelve a mostrarse en la obra: “¿Qué tan yegua puede ser tu hermana?”, preguntan en el arte gráfico.

-En la obra no se advierte que las protagonistas sean hermanas.

-Es que lo tomamos como un juego para poner sólo en el programa. Que el espectador, antes o después de ver la obra, pueda pensar si las protagonistas son o no hermanas.

-¿La obra es, de alguna manera, un homenaje al teatro under porteño de los ´80?

-Admiro esa época, aunque no la viví, porque tengo 30 años, la investigué y vi videos con las puestas del Paracultural, para ver la estética de artistas como Urdapilleta o Batato Barea, que se metieron luego en la tele y yo pude conocer en mi adolescencia gracias a que trabajaban en el programa de Antonio Gasalla. Me atrae aquella época y toda la movida teatral post dictadura.

Al igual que en las obras que se presentaban en el Paracultural, hay momentos de Polenta Seca… en los que el público cumple un rol, aunque, mientras que en aquellas primeras obras del teatro que nacía con la democracia se lo incitaba y provocaba para que reaccionara, ahora se trata más bien de hacerlo cómplice. “Pensamos en que la gente podría sentirse incómoda y no queríamos que pasara un mal momento”, justificó Kassem.

Los actores son de Luján y el director de Moreno, por lo que durante un año fueron y vinieron hasta que se encontraron con que tenían algo que mostrar. Así fue que Polenta seca… subió a los escenarios de sus ciudades y luego fue invitada a visitar La Plata, donde los viernes sube al tablado del Taller de Teatro de la UNLP.

Por la crisis, tantas cosas

La alarma mundial que provocó el crack de los mercados a finales del año pasado todavía está encendida. Los especialistas aún no encuentran respuestas al caos mientras que la crisis sigue firme y pujante como siempre, fabricando más pobres y oprimidos. Y sino, sólo hace falta repasar los titulares de los diarios argentinos de los últimos meses: “Por la crisis, ya subió el consumo de medicamentos”… “Por la crisis, volvió a crecer la cifra de empleados en negro”… “Por la crisis, sube la morosidad entre las clases media y baja”… “Por la crisis, el New York Times vendió su edificio”… “Por la crisis, la compra-venta de joyas vive su propio boom”… “Por la crisis, las aerolíneas podrían perder casi US$ 5000 millones este año”… “Por la crisis, España recibe cada vez menos inmigrantes”… “Por la crisis, las marcas premium mudan sus locales a Internet”… “Por la crisis, Apple despidió a 1.600 empleados dedicados a la venta al público”… “Por la crisis, la filantropía cambia de hábitos para abaratar sus costos”…
Pero no hay mal que por bien no venga, dicen. Y al mal tiempo buena cara, agregan, porque también hay “buenas” noticias por la crisis: “Por la crisis, vuelve el superávit con Brasil”, que se jodan ellos. O mejor: “Por la crisis, IBM muda empleados a la Argentina” ¡Vaaaaamos carajo! Además, dicen que “Por la crisis, la clase media vuelve al hábito de la comida casera”.
Pero pinta la sospecha, porque parece que hay gente capaz de rajarle la culpa a la crisis por cualquier cosa. En España, por ejemplo, dicen que los automovilistas están “más nerviosos” y que “Por la crisis, hay más infracciones de tránsito”. Y vaya a saber de quién fue la idea -y esperemos que no sea de un zoófilo- pero “Por la crisis, Google contrató 200 cabras”. Dicen que es para cortar el pasto de su sede… te creemos Google te creemos…

De colección

Una colección es un conjunto ordenado de personas o cosas de la misma clase, reunidas por un especial interés, con las mismas características. Por eso, el ciclo De Colección que inauguró Palo Pandolfo continúa ahora con un artista que se le parece, uno de esos que también irrumpió en el mundo del rock nacional y que dejó los primeros planos en una búsqueda personal y original: Francisco Bochatón.
El concierto será esta noche, en una fiesta que abrirá Bicicletas y que continuará con la presentación de la nueva banda de Bochatón, con Fernando Kabusacki en guitarra, Nelson Collingwood en bajo, Matías Mango en teclados y el ex Brujos Quique Ilid en batería. Será a las 23 en la Casa del Pueblo (49 e/ 9 y 10).
Bochatón creó Los peligrosos gorriones en 1991 y, después de tres discos con el grupo, en 1999 inició una carrera solista que lo llevó a editar seis discos. En sus diez años como solista, fue de una música electrónica algo experimental a Tic Tac, su disco más rockero, editado en 2007.
"Tic Tac fue pensado en una sala de ensayo del barrio de Almagro. Ahí hicimos la preproducción del disco, con la idea de que sonara como si fuera un disco en vivo, no sólo desde lo técnico, sino también desde la ejecución de los instrumentos", contó Bochatón a Diagonales.
Según el cantante, el máximo objetivo de imitar el vivo se logró en algunas canciones más que en otras, y rescató en particular "Corazón divino", "Elemento enigmático" y "Vuelvo siempre".
"Lo hicimos pensando en sostener el poder del vivo. Tocamos todos juntos, no grabamos más de cuatro tomas por canción, apenas le pusimos unos pocos coros y se corrigió muy poco, casi no tiene regrabaciones sobre lo que quedó del original. Fue una idea que trabajamos con Matías Mango, que además de ser el tecladista de la banda es productor del disco", agregó el músico.
–¿Ya hay algún proyecto para sacar un nuevo disco?
–Estoy preparando algo que debería salir en septiembre. Y ya tengo tres propuestas de tres sellos discográficos, pero todavía tengo que ver cuál será la opción para producir el disco lo mejor posible. Entre las propuestas hay una de Warner. Pero por ahora no es algo urgente, lo estoy pensando. La producción independiente es una alternativa. Este año voy a producir un disco de una banda de Capilla del Monte que se llama Peperina en llamas. El disco lo produce también el actor, director, guionista y productor de cine y teatro Diego Rafecas.
Bochatón nació en La Plata y desde hace más de una década vive en Capital. En sus canciones aparecen referencias marinas, oceánicas, muy notorias en su etapa de Los peligrosos gorriones, con temas como "Escafandra", aunque también volvieron a aparecer en el disco Tic Tac, con "No volverás": "Encontré un montón de ruinas / en el mar / junto a las esquinas / hacia el sol van dirigidos / todos los pensamientos".
–¿De dónde viene tanto interés en lo marítimo?
–El mar siempre me pareció algo imponente. Mis primeros contactos fueron durante las vacaciones familiares y después porque mi hermano estudiaba buceo. Yo, una vez, bajé 8 metros buceando en Puerto Madryn. Y no sé por qué, pero esa sensación me da por el lado poético, de inspiración, de libertad, de sensación de infinito, porque, por lo menos a la vista, el océano parece inabarcable.

Llega Cabernet: un grupo vocal “fuera del tiempo y del mercado”

En un alto del ensayo del grupo Cabernet, cinco se quedaron escuchando y uno habló por teléfono con Diagonales para anticipar el show que esta noche, a las 21.30, los traerá a La Plata, a Notorious, en el Pasaje Rodrigo (51 entre 4 y 5).
–¿Estaban ensayando?
–Si, pero ahora todos se pusieron a escuchar lo que digo.
–¿Hacemos la entrevista?
–Sí. ¿Van a poner algún tema? ¿O ya salimos al aire?
–No. La nota no es para una radio, es para el diario.
–¡Aaaah!...
Y se escucha por el auricular que les dice a los otros: “Es para un diario”. Y vuelve al teléfono: “Ahora se están cagando de risa”. Pol González es el que habla. Y justifica la confusión con que es viejo y otras cosas que divierten a los otros Cabernet que escuchan: Marcos Lozano, Diego Mercado, Manuel Moreira, Ale Dolina y Diego Pietropaolo.
–¿Cómo será el show en La Plata?
–Vamos a hacer el show que venimos haciendo hace un año, aunque con algunas cosas nuevas. Estamos contentos porque vamos a ir a un lugar nuevo con el que tenemos una larga relación en Buenos Aires. Los que no conocen se van a encontrar con una banda vocal que funciona como una banda de rock. En cuanto al vivo, podemos decir que apuntamos a un concepto de show. No tocamos un tema y luego otro, sino que trabajamos de manera conceptual. Sobre los temas nuevos, y esta es una primicia, serán adelantos de nuestro tercer disco, que grabaremos en septiembre.
–Del primero al segundo disco pasaron tres años y del segundo al tercero serán sólo dos...
–La gente nos pide que grabemos más, pero lo que ocurre es que en el grupo es bastante difícil la decantación de temas y arreglos. Algunos se prueban en vivo, es un trabajo arduo porque es el laburo no de una, sino de seis cabezas. Ahora probablemente trabajemos con un productor.
–En SudRealismo incluyeron un acompañamiento instrumental en algunos temas ¿Cómo fue que se decidieron?
–Es que nos pensamos como grupo musical antes que como grupo vocal. Al principio éramos puristas, pero después nos dimos cuenta que era innecesario. Además, entre nosotros hay instrumentistas. Entonces fuimos mechando y nos dimos cuenta que la voz no perdía protagonismo, así fue que incorporamos piano, guitarra, y percusión.
–En el de Charly García (“Nos siguen pegando abajo”) son directamente una banda...
–Nos animamos. Y a otros temas le fuimos sumando apenas un instrumento. En uno que se llama “Espejo retro” hicimos algo freak: cantamos los seis con una batería.
–Se animaron a los instrumentos y pasaron a algo más latino.
–Al principio nos juntamos a hacer covers y después es inevitable que uno empiece a mirar adentro. Y ahí comenzaron a surgir los ritmos latinoamericanos, los candombes, los sambas, las chacareras, sin prejuicios, porque creemos más en las obras que en los géneros, entonces hacemos obras del tango, obras del folclore. Para nosotros es casi una contra pensar en géneros cuando hay seis músicos que vienen de distintas raíces.
Obras de jazz, folclore, música brasileña y ritmos rioplatenses aparecen en el horizonte de los Cabernet, en composiciones propias o versiones de temas clásicos de Gismonti, Jobim, Charly García, Silvio Rodríguez o el Cuchi Leguizamón, con texturas vocales e instrumentales que los renuevan y les permite viajar por todo el país pese a que, como dice Pol González, ser un grupo vocal es estar “fuera de tiempo, fuera del negocio y fuera del mercado”.

Tercero Incluido

El grupo de teatro platense Eos 2 anunció la realización de las últimas funciones de Tercero incluido, la obra que Eduardo “Tato” Pavlovsky estrenó en 1981 en Buenos Aires en el marco de Teatro Abierto, el ciclo que nació como reacción cultural contra la dictadura.
La obra de Pavlovsky, que sufrió un atentado en los años ‘80, mientras se presentaba en el teatro Picadero y debió terminar sus funciones en la sala del Tabarís, fue repuesta varias veces por diferentes elencos. En estos días se presenta en Tucumán, bajo la dirección de Pablo Parolo, y entre 2004 y 2005 tuvo versiones de Lito Cruz y Joaquin Berthold. Uno de los últimos grupos en volver a trabajar con aquel texto, cargado de resignificaciones con el paso del tiempo fue Eos 2, que la mantendrá en escena los viernes de mayo, a las 20.30, en el Espacio 44 (44 entre 4 y 5), con la actuación de Sonia Costa y Juan Peltzer y la dirección de Ernesto Meza. La obra saldrá luego de gira y, tal vez, se reponga en la segunda mitad del año en La Plata.
La idea de trabajar con el texto de Pavlovsky surgió de los actores. "Me enganché enseguida porque me gustaba la idea de trabajar con el material. Era la primera vez que trabajaba desde el principio en una puesta como director, me gustaba como trabajaban los actores y me encanta el material", reveló Meza a Diagonales.
Mientras que, como reconoce el director, la obra denuncia a los grupos de tareas que actuaron durante la dictadura militar, también trata sobre la alienación que genera una cotidianeidad llena de violencia, inseguridad y las epidemias, por lo que se resignifica. "Terminamos todos con miedo por el tema de la inseguridad. Y ahora estamos locos por esto de las enfermedades, por el dengue y la gripe porcina. El tema de la violencia está en todos lados. Yo trabajo en un jardín de infantes con nenes de cinco años y los chicos vienen cada vez más revolucionados", afirmó el director.
Entre las particularidades que tiene la obra es que los artistas trabajaron los ejes temáticos en ensayos durante los que no respetaron el orden de las escenas. Los primeros ensayos fueron en una casa de Gonnet, cercana a las vías del tren, y luego reprodujeron en el escenario algunas características con las que se habían encontrado en el lugar de ensayo, como por ejemplo un grillo, los ladridos de un perro y el paso del tren, que fueron llevados a escena por el escenógrafo y encargado de la puesta de luces Augusto González Ara. "Respetamos los parlamentos, pero no las acciones", aclaró Meza.
En su tercero incluido hay "un hombre obsesionado por la existencia de un tercero que lo amenaza, lo acecha y lo perturba" y "una mujer que quiere atención, cariño y no soporta esa locura de su marido con esas cosas en su cabeza".
Teatro del absurdo, la obra provoca distintas sensaciones, algunas tragicómicas por el accionar patético de los personales, pero se propone como una invitación para reflexionar sobre el pasado, el presente, los medios y los miedos.

rockers en acción

Estelares en el Pasaje

Estelares cierra hoy el ciclo Arte Joven ´09 con un recital gratuito en la nave central del Pasaje Dardo Rocha. Mientras se prepara para la salida de su quinto disco, aún sin nombre pero con fecha para el 29 de mayo, la banda regresa a los escenarios platenses para festejar el evento que reunió un centenar de disciplinas artísticas.
La banda formada por Manuel Moretti, Victor Bertamoni, Pablo Silvera y Carlos Sánchez, se presentará con sus invitados permanentes, el guitarrista David Paniza y el pianista Eduardo Minervino. “El show será muy parecido al que hicimos en La Trastienda, por lo que es probable que presentemos cuatro o cinco temas del nuevo disco”, adelantó Bertamoni a Diagonales.
-¿Ya está listo el disco?
-Ya grabamos todo y en estos días terminamos con las mezclas, que las hicimos en el estudio de Sebastián Percal en Villa Elisa. Ya hace unos 20 días que presentamos “Cristal” (el primer corte de difusión), que empezó a sonar en las radios. Y para el miércoles habremos terminado con el resto de las canciones. Tenemos dudas con un tema, que no sabemos aún si estará en el disco o queda afuera, pero está todo prácticamente decidido. Sale el 29 de mayo.
-¿Qué hacen en esta última etapa de la producción?
-Lo estamos escuchando y volviendo a escuchar. Vemos si la voz está muy alta, ajustamos los volúmenes de los instrumentos. El miércoles es nuestro día para la entrega definitiva.
-El arte de tapa es muy fuerte.
-Es un grabado de Juan Soto, que es el mismo que hizo el arte de tapa de Sistema Nervioso Central, pero esta vez elegimos un grabado a color. En Sistema… fue algo más primitivo, Manuel le pidió que trabajara con lo que hay más allá de la razón. Esta vez es más platense y también un poco oscuro, pero desde otro lado.

Los Estelares resultaron al mundo del rock nacional desde La Plata. Si bien Moretti y Bertamoni nacieron en Junín, fue en esta ciudad cuando, allá por el ´91 se pusieron a tocar en una banda con los hermanos Luciano y Federico Mutinelli (hoy en Mostruo!). Aquella banda prehistórica se llamó Peregrinos y participó de eventos similares a los que ahora cierra Estelares en la nave central del Pasaje.
-Hay canciones de Peregrinos que vuelven.
-Si. "Cristal" es de aquella época. Y también otra canción que se llama "Las luces del sueño" que grabamos para el disco nuevo. Además, en Sistema… estaba "Ardimos". Siempre estamos metiendo canciones de aquellos años, porque teníamos unas 20 canciones que eran una mejor que la otra. Manuel estaba inspirado por la pelea con una chica. Salían cosas buenísimas. Ahora compone más fino, seguro que es mejor compositor, pero aquello era visceral y por lo tanto está bueno condimentar lo nuevo con aquellos temas, a veces suenan y otros no entran, pero los vamos testeando y aparecen con cosas nuevas. "Cristal", por ejemplo, se terminó de armar ahora como canción pop.
-Este evento es organizado por la Municipalidad y ustedes ganaron un concurso municipal.
-Con Peregrinos, antes de Estelares. Se llamó La Plata Rock 91. Estaban los Peligrosos Gorriones, Mister América, éramos muchísimos. Creo que en el jurado estaba Rocambole, había periodistas de (la FM) Rock and Pop. Creo que también estaba El Turco (Oscar) Jalil. Llegamos a la final y ganamos… y era un premio en guita, ni me acuerdo… tenía 20 años y estaba recién llegado a La Plata.
-Aprovechaban la movida local.
-A los Mutinelli no los conocía. Me los presentó Manuel y ellos nos hacían la gamba para tocar porque ya estaban en otra banda. Estuvimos juntos unos nueve meses. Tocábamos en El Boulevard del Sol, que era un pub que había en 1 y 53. Un reducto de blues y rock que estaba buenísmo. Iba a zapar (el guitarrista de los Redondos) Skay Belinson. Ahí conocí a Rocambole.
-¿Habían venido a estudiar a la UNLP?
-Yo cursaba música en Bellas Artes y Manuel hacía plástica. Conocíamos a mucha gente de la facultad… creo que (Gustavo) Astarita hacía plástica, y también nos encontrábamos con otra gente en los bares, como los Peligrosos… que no eran de la universidad, estaban todos ahí. Era un momento muy intenso. El típico momento de aprendizaje. Si bien yo había tenido mi profesor de guitarra en Junín, cuando vine a La Plata estudiaba en La casa del tango, con Enrique Gerardi, era un mundo nuevo en el que siempre aparecía alguien con una música extraordinaria. Aquella es la época prehistórica, nos producíamos nosotros mismos y era todo más hippie.
-¿Ahora aprovechan la movida de La Plata, pueden salir?
-Intento ir a ver qué pasa, pero con los viajes no se puede. Si me quedo trato de ir a ver a alguna banda. Siempre quiero seguir conociendo gente y también escuchando bandas nuevas. Eso es lo que nos gusta.
-¿Cómo se encuentran con Silvera y Sánchez?
Luciano (Mutinelli) siguió en la batería hasta el ´92 y luego entró Rodrigo Velázquez, que después tocó en los Peligrosos… y ahora está en Pájaros. Con él llegamos a grabar unos demos de Ardimos, pero no pudo seguir y fuimos por Carlitos (Sánchez). Pali (Silvera) en cambio, está desde el ´94. Probamos unos meses y enseguida nos enganchamos con él.

La vida de una abuela

El libro del periodista platense Ricardo Petraglia “Estela, la muerte de una hija parió una abuela”, será presentado hoy en la Feria del Libro con la presencia de la protagonista las 329 páginas del trabajo, la titular de Abuelas de Plaza de Mayo, Estela Barnes de Carlotto, el presidente de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), Gustavo Aspiazu, y el secretario de Derechos Humanos de la Nación, Eduardo Luis Duhalde. Antes de subirse al tobogán por el que se dejará deslizar hoy, a las 18, en la sala Javier Villafañe, Petraglia pasó por Diagonales para conversar sobre su obra y su admiración por la persona a la que eligió retratar.
-¿Por qué eligió contar la vida de Estela de Carlotto?
-Siempre le tuve admiración ideológica. Me atrajo su figura pública y su actitud respetuosa ante la vida, porque pese a haber pasado por tantas cosas nunca tuvo una actitud agresiva. Yo trabajaba como director de cátedras libres de la Facultad de Periodismo de La Plata y ella era profesora cuando la conocí personalmente. Entonces descubrí que también me gustaba como era, como trabajaba, que era tan abierta a las relaciones, que tenía un trato muy humano. Me pareció interesante dar a conocer a la abuela que te cita a su casa para una nota y te espera con mate y galletitas. Porque ella no buscó ser Abuela de Plaza de Mayo. Soñaba con tener una boutique.
-¿Era una típica mujer platense de clase media?
-Claro, aunque ella nació en Flores y tuvo una infancia itinerante porque su papá era jefe de correos y recorría el interior, porque así le pagaban más. Creció en una familia que donde llegaba era respetada por el trabajo de su papá, pensando en su cumpleaños de 15, en ser maestra, casarse y formar una familia numerosa. ¡Hasta festejó el golpe del ´55! Después la familia vino a vivir a La Plata, a Tolosa. Hizo teatro en la secundaria, en el colegio Misericordia, fundó un club barrial en el que organizaba bailes. Siempre fue una líder.
-¿No tenía conciencia política?
-Recién con sus hijos empezó a hacer un revisionismo de la política argentina. Sin embargo, en aquella mujer de la previa hay cosas que te permiten entender a esta otra que es la Presidenta de las Abuelas de Plaza de Mayo. Ya hay algo en su carácter, se ve su liderazgo, que es inquieta y tiene una conciencia social intuitiva. Después se vuelve muy crítica de su generación y piensa que si no hubiera sido tan gorilas no hubieran ocurrido los golpes. Se enrosca con la crítica a su generación y también con la autocrítica.
-¿Cómo escribió el libro?
-El hilo conductor son los seis años de entrevistas. Le hice muchísimas a ella, pero también a sus hijos, a otras personas de la familia, a gente cercana, a Hebe (de Bonafini) a Chicha Mariani, que no hablé mucho porque no se quieren.
-Tienen diferencias…
-Fueron un grupo unido ante la desgracia y el espanto. Pero tenían diferencias ideológicas, de clase. Esas diferencias empezaron a surgir con el tiempo.
-¿Qué otras fuentes tiene el libro?
-Tiene mucha bibliografía y también miré documentales, algunos que no son muy conocidos. Además, trabajé en el archivo de Abuelas y ella me cedió su archivo personal con toda la investigación que hizo sobre la desaparición de su hija Laura.
-A la admiración previa se sumó con los años una relación personal.
-Ella es una mujer seria y curtida, pero yo la vi llorar una vez por su hija. Con Guido tenían una canción que no habían vuelto a escuchar. Era una canción de David Raksin que habían escuchado en una película de Otto Preminger. Era su canción íntima y la canción de la película por la que le habían puesto Laura a su primera hija. Me contó que no había vuelto a escucharla y entonces le busqué el disco y se lo llevé a la casa. Se le llenaron los ojos de lágrimas en el primer acorde.
-Los militares la buscaban a Laura, pero el primero en ser secuestrado fue su padre.
-Había quedado en que le llevaba la camioneta de la pinturería familiar para que hiciera una mudanza. Pero como ella no se comunicaba, Guido fue a su casa. La encontró toda revuelta y cuando salía lo agarró la patota. Era muy común ese accionar. Una parte de la patota se quedaba esperando a ver si aparecía alguien. Lo soltaron a los 25 días. Creo que ahí fue cuando Estela aprendió a buscar a un desaparecido. Puso plata, mucha plata, creo que 25 mil pesos de aquella época. Y se reunió con (Reynaldo) Bignone porque había sido compañera de una de sus hermanas en una escuela. Bignone (que después iba a ser el último Presidente del gobierno de facto) la trató muy bien y le dijo que pagaban justos por pecadores. Cuando Guido salió y le contó lo que vio en el Centro Clandestino de Detención quisieron que sus hijos se fueran del país, pero ellos no querían, sobre todo Laura, Claudia y Guido, porque Remo era chico.
-Ellos siguieron militando…
-Militaban desde el secundario.
-¿Cómo se enteró Estela que su hija estaba embarazada?
-Una ex detenida que había estado con Laura en el Centro Clandestino de Detención La Cacha se les presentó un día en la fábrica de pintura y les dijo que su hija estaba embarazada. En ese momento Estela se volvió a reunir con Bignone, que la atendió con una pistola arriba del escritorio. La entrevista fue tan breve que ella ni se sentó. Esa vez ella le pidió que si no la habían matado que la juzgaran. Y que si la habían matado le dieran el cuerpo. Se lo dieron, pero no saben porqué. Ahí tal vez haya intervenido Bignone, no se sabe.
-Después de seis años de trabajo, qué se siente tener el libro impreso.-
Es emocionante. Lo disfruto porque es un logro muy importante. Para mí es un privilegio tener la posibilidad de contar esta historia. Además, nunca había trabajado con tanto volumen de información. Lo fui haciendo entre muchas otras cosas y hubo momentos en los que lo tuve que dejar. Además, la agenda de Estela es complicada porque trata de estar en todos lados. Es muy militante de su causa y hasta resignó fines de semana con su familia para estar conmigo. Soy un privilegiado.

Viaje espacial

Lo de Carlos Saúl era más terrenal. Su promesa se remitía apenas a viajar con rapidez por el globo terráqueo. Habrá quien lo habrá olvidado, o -por joven- no lo haya escuchado jamás, por eso bien vale el recuerdo de aquella promesa realizada por el ex presidente Carlos Menem a fines del siglo pasado, cuando dijo, textual: “se va a licitar, un sistema de vuelos espaciales, mediante el cual, desde una plataforma, que quizás se instale en la provincia de Córdoba, estas naves espaciales van a salir de la atmósfera, se van a remontar a la estratósfera y desde ahí elegir el lugar a donde quieran ir. De tal forma que en una hora y media podemos estar desde Argentina en Japón, en Corea o en cualquier parte del mundo”.
Pasaron los años, cambio el siglo y si bien aún no hay viajes terráqueos a tan altísima velocidad como la prometida -y mucho menos plataformas estratosféricas instaladas en Córdoba-, ya se ofrece en Argentina “la oportunidad única de convertirse en uno de los primeros astronautas no profesionales de la historia”.
No. No lo hizo Menem. Lo de él era solo un recuerdo. Es Virgin Galactic, la primera línea espacial del mundo, la que ofrece la posibilidad del viaje espacial, en “sus propias naves espaciales construidas con fondos privados y basadas en la extraordinaria nave SpaceShipOne que marcó un hito en la historia”. Los tickets, disponibles en Argentina desde esta semana, costarán unos 190 mil dólares.
Ellos viajan por el universo. O van a Japón o a Corea. Nosotros, esperamos el Norte. O a cualquiera de los puntos cardinales. Nos volvemos creyentes y oramos porque el 273 cumpla con los horarios. Rezamos por que no nos dejen tirados en la ruta y nos permitan viajar parados en los lecheros de la mañana (o el mediodía) que salen de la terminal La Plata. Suplicamos que salga cada 10 minutos el que va por autopista. Y ya no queremos ir y venir en tren.

Inseguridad

“Para reducir la violencia y la inseguridad debe terminarse con la impunidad, con la corrupción y con la inmoralidad. La única manera que tenemos de sentirnos seguros es que las leyes que ya existen sean cumplidas por todos, ricos y pobres, ciudadanos comunes y funcionarios públicos, que deberían dar el ejemplo”... Dicen que uno no toma conciencia hasta que le pasa. Y a Mónica Marcenac le pasó. Su hijo Alfredo tenía 20 años cuando fue asesinado a tiros, el 6 de julio de 2006, en una esquina del barrio de Belgrano. Otras seis personas resultaron heridas y la noticia salió en todos los medios del país. No se reprodujo tanto lo que ella dijo dos meses después del crimen, en un acto homenaje.
“Estamos seguros de que hay que tomar algunas medidas, medidas serias: no debemos engañarnos y tentarnos con soluciones que parecen sencillas pero que seguramente no serán efectivas. Algunas de esas soluciones que se escuchan son poner más policías, agregar más leyes, aumentar las penas a los menores que cometen delitos, armarse más, pero esas medidas no van a resolver el tema de la violencia, al contrario, la van a ir complicando cada vez más”, subrayó Mónica. Y agregó: “hace muchos años que venimos tolerando la impunidad y la transgresión de las leyes. En nuestra sociedad muchos de los culpables de esta violencia: los genocidas, los corruptos, los que se robaron el país y marginaron a millones de familias, los que condenaron a nuestros jóvenes, los que vaciaron de contenido a las instituciones dejando sólo cascarones inoperantes, la mayoría de ellos, andan sueltos y amparados por leyes y códigos procesales que los protegieron y todavía los protegen, incluso, muchos de ellos todavía son funcionarios o legisladores”.
Estás líneas publicadas son sólo para recordar sus palabras, ahora que –dicen– más del 70 % de la opinión pública encuestada quiere bajar la edad de imputabilidad. Y que se analizará una nueva ley penal juvenil.

El cine de terror platense hace historia

Adrián García Bogliano es un director de culto entre los fanáticos del cine de terror

Una pequeña productora de cine de La Plata hace historia en los festivales de cine de horror del mundo. En 2006 su primera película se ganó una página en el New York Times y sus actividades tuvieron alguna réplica en Argentina. Pero a aquel debut llamado Habitaciones para turistas, le siguieron luego Grité una noche y 36 pasos, que se estrenó de manera comercial en Alemania y Estados Unidos. Ahora, la productora platense mereció una retrospectiva en el Festival De Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana; pero aún filma de manera casi clandestina, con bajo presupuesto y con cooperativas de trabajo. Su última película se llama No moriré sola y acaba de ganar los primeros premios del Festival Rojo Sangre de Santiago, en Chile, y el Festival de Horror de Sydney, en Australia. Además, participa del Festival de cine de fantastico de Amsterdam y fue invitada a competir al Festival Internacional de Cine Fantástico, de Ciencia Ficción y del Thriller de Bruselas (BIFFF), un evento en el que comparte la grilla con filmes que participaron de Cannes o Venecia.
La productora se llama Paura Flics y es un colectivo de trabajo de artistas platenses encabezados por el productor Hernán Moyano y el director Adrián García Bogliano, quien habló con Diagonales sobre el trabajo del grupo.

–Arrancan la temporada de festivales con dos premios importantes...
–Sí. Ganamos en Chile a Mejor película, mejor director y mejor actriz, que fue compartido por las cuatro protagonistas de No moriré sola. Después nos proyectaron fuera de competencia en Cuba y ganamos los premios a Mejor película extranjera y Mejor director en Sydney.
–Y ahora van por Bruselas.
–¡No! ¡Ese es imposible ganar! Vamos a competir con películas que estuvieron en (los festivales de) Venecia y Cannes, que costaron millones. Ya en Australia nuestra película fue la más económica, porque la que le seguía tenía un presupuesto de 200 mil dólares.
–¿Cuánto invirtieron ustedes?
–Seis mil dólares.

Las actrices Gimena Blesa, Marisol Tur, Andrea Duarte y Magdalena de Santo protagonizan No moriré sola, la película que espera su oportunidad es los festivales Toronto, After Dark, 25 Festival internacional de cine de Amsterdam, Dead by dawn de Escocia y Fantasia, de Canadá.
–¿Los bajos presupuestos son una elección?
–No. Presentamos proyectos en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) que aún están en estudio, pero lleva procesos muy largos y nosotros no queremos frenar nuestra producción. Pienso que si no hubiéramos producido nuestras películas de manera independiente, ni siquiera tendríamos chance de presentarnos en el Instituto. Hay que hacer un camino independiente para luego entrar en el mercado, aunque a nosotros nos interesa seguir haciendo cine independiente.
–Ahora, como ocurre con la música, hay posibilidades tecnológicas.
-Es más fácil hacer cine, pero más difícil que se vea. Hoy ni siquiera se sabe la cantidad de películas que se producen en el mundo. Acá se harán unas 70 películas por año, pero hay mucho cine independiente y de las escuelas que no tienen espacio: la industria está limitada a lo que resulta útil o provechoso a un organismo estatal. El cine que llega a las salas no da lugar a la polémica, da versiones inequívocas de los temas que trata. Estados Unidos tendrá un cine nacionalista, pero recién había terminado la guerra de Vietnam y estrenaban Apocalipsis Now. Acá no hay una película igual. Pasaron 30 años de Malvinas y no hay una película que te invite a reflexionar sobre el tema.
–¿Por qué hacen cine de terror?
–Nos especializamos porque nos encanta. Pero nos parecía que había una deuda. Las críticas evitan decir que hay películas de terror que son alucinantes. Dicen que son de otro género. Ahí están El resplandor, Aliens o El silencio de los inocentes. Pero dicen que son de suspenso, porque el thriller y el terror están desacreditados. Más allá de que hay películas que sólo utilizan los recursos para asustar o sorprender, pero hay muchas que le plantean preguntas al espectador. Nosotros presentamos Habitaciones para turistas al INCAA, para un subsidio a películas ya terminadas. Sabemos que gustó, pero el jurado no entendía si era a favor o en contra del aborto y no se animó. Hay temas que se niegan por miedo a generar una polémica. El cine norteamericano, en comparación, te da una película patriotera como Pearl Harbor y también Redacter (la última de Brian de Palma), que es brutal, sobre un supuesto caso real en el que los soldados violan y matan a una chica irakí. Los temas sociales están reflejados en la pantalla.

Después de varios cortos y del éxito de Habitaciones… filmada en Carlos Casares, Bogliano rodó en La Plata la experimental Grité una Noche, en base a improvisaciones y, luego, la exitosa 36 pasos, (en una quinta de Colonia Urquiza). No Moriré Sola, una película de “violación y venganza”, transcurre en escenarios de Verónica y Punta Indio.
–¿Por qué violación y venganza?
–Es un tema recurrente que nuestra sociedad trate a las mujeres de manera salvaje. La denuncia atraviesa la película, aunque no dice nada de manera directa. Además, está basada en un caso real. A las chicas las secuestraron, las violaron, las mataron y las tiraron por ahí.

Pena de muerte

Estados Unidos reconoció el error: Sacco y Vanzetti fueron exonerados de manera simbólica el 23 de agosto de 1977. Pero de poco y nada sirvió el perdón a los dos hombres, condenados a la pena de muerte y ejecutados en la silla eléctrica 50 años antes, en Massachusetts, por el robo armado y asesinato de dos personas ocurrido en 1920 en la ciudad de South Braintree.
Lo que pasó en aquel juicio utilizado por el poder para acallar las voces de los trabajadores y los inmigrantes –que comenzaban a defender sus derechos–, es mostrado de manera casi documental por una obra de teatro escrita por Mauricio Kartún, que ahora se presenta en La Plata con dirección y puesta en escena de la marplatense Viviana Ruiz.
“La obra es una buena oportunidad para reflexionar sobre cómo el sistema intenta penalizar a los luchadores para sacarlos del sistema, con la excusa de juzgar un robo y un asesinato del que son inocentes”, afirmó a Diagonales el actor platense Diego Aroza, integrante del elenco. Además, es una buena posibilidad para pensar otros temas muy actuales, como la justicia y la pena de muerte.
En el caso de Sacco y Vanzetti, en el mismo momento del juicio había protestas masivas en contra de su condena y ejecución en Nueva York, Londres, Amsterdam y Tokio, huelgas en toda Sudamérica y disturbios en París, Ginebra, Alemania y Johannesburgo. Lo que no pudo evitar que se consumara la injusticia.
La obra Sacco y Vanzetti se presenta todos los fines de semana de abril y mayo en el teatro Armando Discépolo (12, entre 62 y 63), a cargo de La Comedia de la Provincia de Buenos Aires, viernes y sábados a las 21 y domingos a las 20.
El elenco principal está compuesto por Fernando Santiago (Bartolomeo Vanzetti), Fernando Martín (Nicola Sacco), Verónica González (Rosa), Natalia Marcet (Luiggia) y Javier Guereña (Juez Thayer).
Al presentar el espectáculo, Ruiz aseguró que “haber sido invitada a dirigir por la Comedia de la Provincia de Buenos Aires fue todo un desafío.En primer lugar, la contradicción de trabajar para el Estado, un Estado al que cuestionamos desde nuestra propuesta estética e ideológica, por otro lado, la posibilidad de poner en escena una obra que critica las bases fundamentales del capitalismo”. Y agregó: “Acepté sabiendo que sólo iba a llevar a cabo mi trabajo si no era cuestionada mi propuesta estética e ideológica. Así es que les propuse poner en escena una obra que es un verdadero canto a la libertad”.

ACTORES. Los actores platenses Aroza y Guereña hablaron con Diagonales sobre la obra. El primero encarna a uno de los testigos en el juicio, mientras que el segundo es el juez del caso, un personaje que la historia recuerda como funesto.
“La obra intenta reproducir el juicio, es una obra artística, por lo que no es totalmente textual y hay algunos diálogos inventados, pero basados en las cartas que Sacco y Vanzetti enviaron a sus familiares, por lo que son totalmente verídicos, con la certeza de que la situación existió”, contó Aroza.
Según Guereña, una de las particularidades de la obra es que el público se encuentra en la posición de sentirse también parte del jurado. El actor contó que “aunque no es muy común en el público platense, que es más bien tímido, la obra ha permitido algún que otro comentario de la platea”. Guereña escuchó algún acotación dirigida a su personaje el Juez, como cuando a su aclaración de imparcialidad le dijeron “¿Ah, sí?, ¡mirá vos!”. Y justificó: “Se ve cómo las autoridades dan vuelta la presunción de inocencia y mandan a Sacco y Vanzetti al cadalso, confabulados, siguiendo órdenes del máximo poder económico del sistema”.
Aroza explicó que “los anarquistas de principios del siglo pasado son los fundadores de los derechos de los trabajadores y la obra muestra cómo la justicia juzga determinado delito cuando en realidad penaliza otra cosa, en este caso la ideología. Y, además, infundiendo el miedo”.

POLíTICO. Mientras que la directora admite la contradicción que tuvo a la hora de decidir si trabajar o no para la Comedia, Aroza aseguró que “está muy bueno que el Estado se haga cargo de este tipo de obras, sobre todo en este país, donde nadie ve de dónde viene la cuestión de fondo sobre temas como la baja de la edad de imputabilidad. Y de pronto salen a pedir que los chicos de 15 años vayan presos, en lugar de analizar qué les pasa”.
En el caso del juicio contra Sacco y Vanzetti, Aroza aseguró que “el gobierno de los Estados Unidos necesitaba atacar a la organización sindical y se buscaba ejemplificar con este juicio; pero este tipo de acciones son sistemáticas y constantes por un sistema que busca justificar los fines más oscuros”. Y Guereña agregó: “El poder obstaculiza la verdad en pos de sus intereses”.

Foto: Julieta Di Marziani

Palo Pandolfo

En una perfecta alianza musical con el baterista y percusionista Raúl Gutta y con la presencia del joven violinista Jake Falby -que toca en la Orquesta Juvenil de Bostón y está de paso por Buenos Aires-, Palo Pandolfo llega hoy, a las 23, a la Casa del Pueblo (49 e/ 9 y 10) para presentar su disco Ritual Criollo, bizarro, poliracial y moderno. La última vez en La Plata, Palo se presentó en El Teatro con trío de guitarra, bajo y batería, una versión rockera que dejó de lado por esta otra, íntima y acústica.

-¿A qué responde esta formación?
-Es que con Gutta formé una alianza musical. Con él armé el disco y es mi compañero de ruta en cuanto a lo estético. Yo buscaba un percusionista y batero interesado en lo afro criollo y di con él de casualidad. Y el acústico es la sonoridad que más me interesa ahora. Quiero que se entienda la letra y de esta manera ofrecemos una visión contemporánea de la música popular, porque está claro que nací y moriré dentro del rock.
-Aquella versión que vimos el año pasado no corre más.
-No la estoy haciendo más. Si no puedo ir con Raúl, voy solo. Esta vez vamos a ir con un gringo de 21 años que está viviendo en su casa, donde ensayamos, y al que sumamos enseguida porque está muy bien formado.

Considerado como un trovador moderno, Pandolfo pasó de la psicodelia progresiva de su primera banda escolar, al punk de Don Cornelio y luego creó Los Visitantes, con un perfil entre folclórico y tanguero. De principio a fin de su discografía se advierte siempre catárquico, desbordante y pasional.

-Todos tus discos parecen tener algo de urgente.
-Es que yo no soy un chabón psicoanalizado. Mis canciones son de autoconocimiento. No todo lo que escribo va a parar a una canción, pero si pasan más de dos meses sin componer empiezo a ponerme mal. Además, si no compongo tampoco toco la guitarra y eso me pone peor. Lo que pasa es que amo la música, amo cantar, eso me alimenta, así que me pongo a componer por necesidad, porque si no lo hago me empiezo a secar.
-¿Cuál es el proceso creativo?
-A veces sale la melodía. A veces tengo un poema… mejor dicho, un texto encolumnado, porque decir poema es demasiado… bueno, si la melodía es muy cerrada hay que escribir con una métrica muy cerrada para encontrar la letra justa, con sentido para ser cantada, porque hay textos incantables. Ese es el oficio. Yo tuve esa urgencia por muchos años. Desde chico.
-Tu primera banda fue en la escuela.
-Empecé en el ´78. O sea que voy a cumplir 30 años con la música, aunque mis recuerdos son de cuando tenía 3 años y cantaba “Twist and Shout” con mis hermanas y una amiga de ellas. Luego empecé a escuchar la radio y me la pasaba escuchando Sgt. Pepper's. Creo que a los 10 años se me ocurrió traducir “Lucy in the Sky with Diamonds”. Pensaba que cantaba una chica, hasta que mi hermana me dijo que no, que era John (Lennon). Yo no lo podía creer, tenía que saber qué decía esa canción. Agarré un diccionario y con lo poco que había aprendido en la escuela empecé a sacar la letra. Me estaba preparando intuitivamente para escribir. De inmediato me di cuenta que “Muchacha” (ojos de papel, de Luis Alberto Spinetta) y “Canción para mi muerte” (de Sui Géneris) eran distintas a "sábado en la ciudad/ sábado". Por esa época un amigo me regaló un disco que le resultaba inescuchable y ¡era Aquelarre! Después fui al colegio y conocí a uno que ¡tenía una guitarra eléctrica! En el 78 armamos la banda y en el 79 debuté. ¡Cuando terminé la secundaria estudiaba para ser físico químico, qué absurdo!
-Eran tiempos difíciles.
-Ya andar en la calle despertaba sospechas. La policía nos volvía locos. Ser rockero era estar parado en la vereda de enfrente, la música era una actitud política, pero nosotros éramos muy chiquitos y no entendíamos nada. Teníamos 14 años, estábamos fuera de rango y creo que por eso no nos pasó nada. Los chicos de la Noche de los Lápices tenían un par de años más que nosotros. Hoy no pasa nada, no hay "política pop" aunque no hay que dejar de ver que una canción de un pibe siempre va a decir algo.
-Aunque no quieran.
-¡Claro! No me banco a los rockeros que se quejan del rock chabón, o los que critican la cumbia… ellos dicen somos chorros, somos drogadictos, somos putañeros y estamos acá...
-¿Tu recorrido del rock a lo folclórico quiere decir algo?
-No fue buscado. Tiene que ver con un trabajo espiritual, de intuición. No es que quiero hacer música latinoamericana contra el imperialismo opresor. Eso lo hacía antes, cuando era hippie. Después llegó Don Cornelio. Y después quería hacer hardcore y terminé haciendo Los Visitantes, con los que tuve una etapa de locura y experimentación psicodélica. Me salía “Estaré” y surgió la música de raices, me salen Salud Universal, Espiritango y Maderita. Los ancestros hablaron a través de nosotros. Y ahora hay bandas y solistas que trabajan esa veta desde lo instrumental, la sonoridad o las letras. Gente que se deja llevar por las raíces, que se vuelca al bandoneón, a la guitarra criolla, a la percusión. Un movimiento incipiente en la búsqueda de una música más original y propia. Hay una nueva música de fusión de las culturas del mundo. Y hay un movimiento argentino original del que me siento parte. Es como en la plástica. Ahora nadie es pop, ni expresionista, ni cubista, sino todo junto. Me hice en la calle, con la dictadura. Soy la vanguardia. Me gusta laburar y mi lugar es muy mío.

La Plata 2009

Ya se viene el quinto disco de Estelares. El corte de difusión empezará a sonar en apenas unos días más en las radios y la televisión. Y habrá notas en los diarios de todo el país. Pero el rock platense sigue con su hiperactividad creativa en el cuadrado, con decenas de producciones independientes que ganan las calles. Ya salió el disco de Don Lunfardo y se viene lo nuevo de La Ira del manso, una de las bandas que podría explotar en 2009. Y también presentarán sus trabajos bandas como Mata Mil, Falso Primer Ministro, Travesti Fea, Encías sangrantes, La vieja bis, El Majebrí, Sin Futuro, Dread Negast y la revelación del Indie en 2008: Valentín & los Volcanes. Y entre los solistas, Chico Ninguno, Pablo Matías Vidal y Federico Kempff.
El año que terminó tuvo a algunas de las bandas platenses en lo más alto de la consideración rockera. A los discos de y El mató a un policía motorizado, Norma, Mostruo, 107 faunos y Villelisa (entre otros) les llovieron elogios. Este año, no es menor la expectativa sobre bandas como La Ira del manso, que prepara el sucesor de Viaje a la Luna.
El nuevo material de La ira… será grabado en estudio propio y buscará sonar como lo hace la banda en vivo, con potencia punk, pero con matices melódicos que la acercan al pop. La banda, que se formó en 2001, está preparando su cuarto disco, después de Viaje a la Luna.
En febrero salió a la venta el disco de Don Lunfardo y el señor Otario, aunque la fecha de edición del material será motivo de discusión porque el disco estuvo disponible para bajar por Internet desde el mes de diciembre. El pack de Paracaidistas en franco retroceso, sin embargo, dicen que es imperdible.
Encías sangrantes entrará a grabar su segundo disco en los estudios “El pie”, de Alejandro Lerner, a principios de mayo. Y La vieja bis ya está grabando, aunque todavía no hay fecha confirmada de salida del material, se supone que estará en la calle a mediados de año.
En cuanto al reggae, Dread Negast lanzará en breve Luz verde, del que ya puede verse el video del tema “Música”, filmado por Federico Panizza. El nuevo material estará disponible entre fines de abril y principios de mayo. El Majebrí & los sonidos antisistema también está grabando su nuevo disco, que llamará Antes del fin y del que el año pasado adelantara cuatro temas en un EP.
Los que siguen a las bandas punks ya tienen para escuchar el tributo a los Cadillacs en el disco Todos queremos tocar el cielo, donde los platenses de El Perrodiablo hacen “Conversaciones nocturnas”. Además, la banda Sin Futuro, ya está grabando las bases de su próximo demo, que esperan convertir en disco antes de fin de año.
Entre los debuts también hay que anotar el disco de Travesti Fea, banda de riff que apareció en el compilado Corazones de alcaucil con el tema “Canción de amor para una moza”, convocados por el sello Cloe. El disco estaría disponible a mediados de mayo.
Entre las bandas que andan es los escenarios desde los ´90, este año presenta disco nuevo Falso Primer Ministro. El material ya fue mezclado en los estudios Hollywood, de City Bell, con la producción de Alfredo Calvelo. El disco llevaría el nombre de Alealandia. Tienen, además, un nuevo videoclip: “Días de viaje”, que puede verse en internet.
Otro que viene desde aquellos años y tiene un nuevo disco bajo el brazo es Federico Kempff. El ex Siempre Lucrecia presentará su segundo disco como solista. El sucesor de Tardes de Sol se llama El lugar que nos espera para ir y cuenta con la participación de Facundo Soto, de Guasones, como invitado en una canción.
El rock experimental tendrá lo suyo con Mata Mil, que graba su primer trabajo, de corte industrial, con una formación tradicional de guitarra, bajo y batería. También Doppler vuelve en 2009 con su tercer disco. La banda, que se formó en 2001, se separó en 2005 y volvió a reunirse el año pasado, ya está grabando.
Entre los cantautores, Pablo Matías Vidal parece que dejará atrás sus grabaciones “ultra caseras made in Ringuelet” y comenzará a grabar un disco con una banda aún en construcción. Dicen que el material de quien es conocido como “El Mago” llevará el título de Verde Vilma.
Otro de los que se las trae este año es Chico Ninguno, que viene a presentar en los próximos días un disco doble –parte electropop y parte acústica– que llevará el título de Chico no correspondido. El trabajo será presentado en abril.
Una de las bandas revelación de 2008 fue Valentín & los Volcanes. La banda de José Goyeneche se metió en el estudio de Shaman Herrera, donde trabajan en su disco debut. Goyeneche fue cantante y compositor de Aneurisma y Kevin, históricas bandas fundacionales del género alternativo platense en las cuales compartió filas con Santiago Motorizado y Dra. Muerte, hoy en El mató un policía motorizado.
En fin, un brevísimo y apretado panorama de lo que se viene en el rock platense en este 2009, con algunos discos que ya pueden escucharse y otros por los que hay que esperar, pero tampoco tanto.

Los otros
Entre las que grabaron en 2008, El mató... y Mostruo planean giras. Norma prestó sus bases para versiones electrónicas.

Ya sale el nuevo disco de Estelares
Aunque estará disponible en pocos días más,el nuevo disco de Estelares aún no tiene nombre. Se puede adelantar, sin embargo, que tendrá varios invitados: Fito Páez (en “Autobuses”), Ariel Rot, Los Super Ratones, Coki Debernardis, Carlos Banderas y, como siempre desde que los produce, el perico Juanchi Baleirón.
Mientras los músicos analizan el tentativo nombre de Una temporada en el amor para el nuevo trabajo, ya se sabe que el primer corte de difusión será “Cristal”, que dice: “se muy bien como cambiaron las cosas / ya pasó el verano, ya pasaron las playas / la arena moja la espuma en el mar / si hubiera sabido pedir perdón... / Somos tan frágiles / tan memorables”.
En las entrevistas previas, en las que dieron por la despedida de Sistema Nerviso Central, los Estelares dieron algunos indicios sobre el trabajo que grababan. Moretti y (el bajista) Pablo Silvera lo calificaron como “genuino”. Además, el cantante aseguró que el nuevo material supera al anterior. “La banda sigue evolucionando, sigue dando música, seguimos dando canciones, melodías, letras que están buenísimas”, aseguró. Y Silvera agregó: “uno tiene que ser honesto con lo que hace. Y eso también genera una tranquilidad. Lo que nosotros tenemos para dar en este disco es súper honesto”.
El cantante afirmó que el disco viene “rosqueado a nivel carga de letras”. Y explicó que “lo que es rock es bien rock, lo que es medio tanguero es bien tanguero, lo que es medio rhythm & blues lo hacemos así, lo que es medio melódico lo hacemos para ese lado. La continuidad de estar tanto tiempo juntos ha abierto compuertas compositivas que por lo menos yo no las tenía pensadas conscientemente".

Cierran los bares y las bandas tocan en la calle

El dueño de un bar se olvidó de abrir sus puertas y varias bandas y solistas se quedaban sin concierto, pero llegaba público y algunos artistas podían tocar sin amplificación, por lo que organizaron una zapada en la calle. Fue el domingo en Diagonal 74 y calle 8, en la puerta de Stakes, el bar que quedó cerrado. Tocaron Pablo Matías Vidal y Bicho Bolita, futuro Bicho de Luxe, un artista neuquino que tuvo un paso por La Plata a principios de 2000 y volvió de visita unos días, para tocar en vivo y grabar algunas canciones.
“Fue una desinteligencia de la gente que organizo la fecha. Pero bueno, suele pasar que la gente de los bares, salvo casos muy especiales, no se copan con las bandas”, explicó a Diagonales Chico Ninguno, uno de los artistas que estaba anunciado y se quedó con las ganas. Además, el evento iba a reunir a Raimon y Antolín, pero cuando a las 19 los músicos llegaron a la puerta de Stakes, el lugar estaba cerrado.
“Cuando dos horas después de que llegamos el dueño del bar confirmó que no iba a abrir ya era desmoralizante”, contó Chico Ninguno, “estábamos todos medio enojados. A algunos nos dio hambre y nos fuimos a comer pizza. Al rato llego un mensaje: Ricardo (Bicho Bolita) esta tocando en la puerta del bar". Chico Ninguno y los que estaban en la pizzería pegaron la vuelta a la diagonal de inmediato.
Bajo un tilo, Vidal ya había desgranado sus canciones. “Estuvo buenísimo. Y lo de Bicho estuvo zarpado. Tocó con El Tonga, que es su percusionista en la banda París gatitos”, explicó Raimon (que también toca en Hongo).
Una bolsa de maíz inflado fue la fuente de la inspiración. Más de 50 personas se habían acercado a ver el concierto, muchos de ellos estudiantes universitarios neuquinos que querían ver a Bicho Bolita y Parisgatitos, por lo que de inmediato se armó un espectáculo callejero.
“Se le ocurrió a la gente que iba llegando. No se querían ir sin escuchar y se armo un escenario improvisado bajo un tilo”, explicó Raimon. Y agregó: “los que manejan el bar evidentemente no conocen el nivel artístico que se le propone. Eso, sumado a un mal entendido, resultó con que llegamos y nos encontramos con que el boliche estaba cerrado”.
El show comenzó luego de varios llamados a los dueños del lugar, al encargado y a otros bares, entre los que figuraron Pura Vida (Diagonal 78 entre 61 y 8) y el Centro de Cultura y Comunicación (42 entre 6 y 7). Sin posibilidades de acceder a ningún otro sitio, el público fue convenciendo a los músicos, que comenzaron a bromear con una enorme bolsa de Tutuca (maíz inflado azucarado).
Dicen que algunos se fueron pero mientras tanto otros llegaban y nadie tomaba una decisión, hasta que los músicos se entregaron a la zapada en la calle.
La primera canción que sonó fue de Virus. “Bicho Bolita siempre toca en todos lados, en cualquier lugar donde esté toca. Siempre va con la guitarra”, explicó Chico Ninguno. “Hicimos unas 30 canciones con la palabra Tutuca. Cantamos Superficies de placer, pero cambiamos ´dejo crecer mi tremenda timidez´ por ´dejo crecer mi tutuca del poder´, todo muy hippie la cosa”, agregó.
Ayer a la tarde Bicho Bolita hizo un acústico en el programa Infierno Grande en Radio Universidad y también habló con Diagonales. “Llegamos el domingo a la mañana de Neuquén, fresquitos y atentos para tocar a la noche, pero no nos abrían la puerta y entonces nos quedamos bajo un árbol”, contó. Y se despidió: “el Tonga y yo agradecemos de todo corazón a los que hicieron el aguante”. Además, contó que se cambiará el nombre por Bicho de Luxe, porque no quiere que los periodistas sigan poniendo que le gustan los bichos bolitas, cuando en verdad su nombre surgió de un animé japonés.
La gente llegaba para ir al bar a ver algunas bandas, pero se encontraba con que el lugar estaba cerrado y algunos de los músicos estaban de zapada bajo un árbol. Dicen que se respiraba mucha buena onda y salió eso de hacer el concierto en la calle porque nadie se lo quería perder.

Artistas platenses tras el millón de dólares... imaginarios

Empezaron con una campaña que llamaron "dibujar hasta morir" y así fue como se encontraron con la necesidad de exponer mil dibujos. Los Corazones de Bully, artistas platenses que son como perros que corren detrás de un auto (y que no sabrían qué hacer si lo alcanzaran), se meten en un stand en el Arte BA (en mayo) con la intención de "vender" sus 1000 obras a 1000 dólares cada una y juntar un millón de dólares. Aunque no se trate más que de un juego. Y el millón de dólares sea imaginario.
–No entiendo, ¿quieren o no el millón de dólares?
–No importa el dinero... lo que importa es enviar el mensaje: Todo puede arder-, explicó Antolín, Bully, cantautor y poeta platense.
–Sigo sin entender...
–Es que el objetivo de Los Bullys es completamente aleatorio; se convierte en un terreno de resistencia y reapropiación de lo establecido. El millón de dólares es nuestro objetivo ahora, en tanto lo es para los organizadores y participantes de la ArteBA, que no es más que una feria hecha para vender arte. Resaltar ese objetivo hasta el límite de lo inalcanzable lo convierte en una broma. Nuestro objetivo real no es el dinero, es la crítica bromista del galerismo. De ahí que Corazones de Bully se autodefine como una “truchigalería de arte”, algo que al ser poco serio puede permitirse libertades que la “oficialidad” del circuito artístico no prevé límites más allá de lo “profesional”.
Corazones de Bully es un colectivo de artistas plásticos, músicos y poetas. Los primeros se encargan de conseguir un lugar y pensar en una intervención, para sumar luego a los otros dos grupos, aunque hay individuos que forman parte de los plásticos y los músicos, o los plásticos y los poetas. Para no hablar de los músicos poetas y los poetas músicos.
Bares, teatros, casas y –alguna vez– una escuela abandonada, sirvieron de sede para las actividades del colectivo, cuyo objeto puede ser una instalación, ambientaciones, performances o videos de arte.
El primer acto del proyecto que ahora llevarán a Arte BA surgió cuando se plantearon una obra colectiva, exagerado y perfecta, para lo que lanzaron "la campaña de los 1000 dibujos Bullys" bajo el slogan "dibujar hasta morir".
Para la segunda parte del proyecto, agregarán una propuesta comercial, poniendo a las obras un valor económico. Un empleado en mangas de camisa, detrás de un escritorio, con visera y máquina de calcular en mano, recibirá a los visitantes del stand platense de Arte BA.
–¿Cómo se les ocurrió pedir mil dólares por obra?
–Partimos de un argumento sencillo 1000 x 1000= 1000000. El objetivo es conseguir un millón de dólares. Cada comprador de uno de los mil dibujos tendrá la prueba material del millón que nació del amor.
En la propuesta que enviaron al Barrio joven Chandón –en Arte BA–, Los Bullys aseguraron que el sistema de legitimación artístico está "digitado por bravucones abusivos sin corazón y con los bolsillos repletos", por lo que las críticas son permitidas en el evento, en el que los platenses aportan lo suyo para crear "un mundo más libre y más justo", según las proclamas en las que también exaltan la famosa frase del Guasón interpretado por Heath Ledger: "Soy como un perro detrás de un coche, si lo logró alcanzar, no sé que hacer con él, yo sólo hago las cosas".

Jóvenes hiperactivos
Los Bullys no paran. Creativos e hiperactivos, en esta secuencia de presentación en arte BA actúan bajo la dirección de Andrés Olgiatti, la producción de Paula Domenech y la prensa de David Pinsón. Ellos son: Antolín (cantautor y poeta), Santiago Alcaráz (ex cantante de Atmosferia y actual cantautor conocido también como "Chico Ninguno"), Natalia Deangelis, Eugenia de los Santos (cantante de Campeón Mundial), Maite Doeswijk (cantante de My-te y sus linternas verdes), Julia Dron, Santicasiasesino (cantante de Las Culebras), Javier Cereceda (cantautor conocido también como "Javi Punga"), Andrés D'onofrio (co-director del estudio de diseño Dosveiniuno), Verónica Farina, Reno González (cantautor solista, cantante de Reno y los castores cósmicos y también escritor), Romina Iglesias (diseñadora de su marca de ropa Cassette Virgen), Laura Mercapide (cantautora conocida también como "Todo Terreno"), Gastón Olmos (baterista de 107 Faunos y co-director del estudio de diseño Dosveiniuno), Martín Osuna, Laura Pires, Guillermo Ruiz Díaz (baterista de Él Mató a un Policía Motorizado), Mora Sánchez Viamonte (tecladista de 107 Faunos y diseñadora de su marca de ropa Benitez), Sol Severina, Javier Sisti Ripoll (cantante de 107 Faunos y poeta), Gerardo Suárez, Amparo Villareal y Patricio Ferreyra Sen (cantante de Les Barrilets).

Ceremonia popular

Llovió a la madrugada. Y un poco también por la mañana, antes de las 10. Pero de pronto, los que todavía tenían alguna duda sobre salir o no rumbo a la Avenida Callao vieron por la tele dos arcoiris que recorrían el cielo. Uno hacia el oeste y otro que iba hacia el sur. “No sabés lo lindo que estaba”, le dijo una señora a su hijo cuando llegaban a la esquina de Bartolomé Mitre, mientras señalaba al cielo. A lo largo de la avenida, desde Rivadavia y al menos hasta Corrientes, la gente se debatía metro a metro por un lugar para ver el cortejo fúnebre que trasladaba al cementerio de la Recoleta los restos de Raúl Ricardo Alfonsín. Después, más de cien mil personas se acomodaron codo a codo y vieron como pudieron la caótica procesión, tomaron fotos con sus celulares, sus cámaras digitales y mostraron los íconos de aquella época. Entre la gente, una chica de escuela mostraba una pancarta con la foto de aquel hombre de un lado y un dibujo de Quino del otro.

–¿Cómo te llamás?

–Me llamo Leila y tengo 16 años.

–¿Con quién viniste?

–Vine con mi hermano Brian, que tiene 13, con mi mamá y mi hermana.

–¿Te interesa la política?

–Sí. Y mucho. Especialmente todo lo relacionado con el radicalismo y el socialismo.

–¿Y qué dice el cartel que tenés con el dibujo de Mafalda?

–Es un dibujo que Quino le hizo a Alfonsín. Dice: "Al único presidente capaz de demostrarnos que todo eso que nos enseñan en la escuela puede ser verdad".

–¿Tenés militancia en el colegio?

–No. Lo intentamos, pero no nos dejaron. Las cosas funcionan mal y las autoridades hacen oídos sordos. A mi me tiraron un fierro por la cabeza y no hicieron nada.

–¡Uh! ¡Qué mal! ¿A qué escuela vas?

–A la Escuela Media Nº 2 de Bella Vista, allá en San Miguel.

DESPEDIDA. La avenida Callao estaba vestida con simples pasacalles de despedida: "Hasta siempre Presidente Raúl Alfonsín", decían los carteles colocados por el Comité del distrito Lanús.Una vez que el reloj hubo marcado la hora en que había sido anunciada la procesión, la avenida estaba repleta de gente a ambos lados, con un pasillo para que pudiera pasar el coche fúnebre y la guardia de Granaderos a caballo que la escoltaba.

Una señora, con una boina blanca, mostraba orgullosa los pins que usó en el 83. Militante radical desde entonces, Cynthia Sevilla (47) viajó desde Rosario con su familia en un micro fletado por la Unión Cívica Radical para despedir al caudillo.“Hay militantes de todo el país. Ellas son de Tucumán”, dijo la señora llegada de Rosario, presentando a las dos mujeres que la acompañaban en ese momento.

–¿Qué significó Alfonsín para usted?

–Fue mi entrada a la vida política. Me afilié y milité en Franja Morada y la Juventud Radical. Y después seguí toda la vida. Fue el padre de la democracia. Hoy tenemos democracia gracias a los sacrificios políticos que hizo Alfonsín.

–¿Se refiere a decisiones con las que moralmente tal vez no haya estado totalmente de acuerdo?

–Me refiero a que fue quien de verdad intentó una concertación plural, que trató de dialogar. Y ya sabemos quién no quiso dialogar. En Semana Santa (con el alzamiento carapintada de 1987) evitó el derramamiento de sangre. Y después fue victima de un golpe de Estado económico. Pero él salvó al sistema.

–¿Ustedes piensan igual? –preguntó Diagonales a las militantes llegadas de Tucumán.

–Igual –dijo Gloria Gómez Viera, de 51 años.

–A mí, el político no me interesa tanto como el hombre. Yo vine a despedir a un hombre bueno y honesto. Como docente, soy defensora de los valores morales porque acá ya no hay modelos, hay modelitos. Ya no quedan hombres probos como Alfonsín –explicó, segura, Graciela Escoboza de Gómez, de 52 años.

DE LEJOS. Muchos de los militantes viajaron miles de kilómetros para llegar al sepelio. Los de Tucumán, por ejemplo, salieron a las 18 del miércoles y llegaron a Buenos Aires a las 11 de ayer, justo a tiempo para ocupar uno de los primeros lugares en la procesión.

"¡Gracias doctor Alfonsín!", gritó un hombre que acaso recordara el Programa de Asistencia Básica a la Comunidad, lanzado por Alfonsín apenas asumió el gobierno. O quizá haya sido un radical de los que abogó por el “Sí” en el conflicto del Beagle con Chile, por “soberanía y paz”. Tal vez haya trabajado en el Congreso Pedagógico Nacional o en el Plan Nacional de Alfabetización. O probablemente haya salido a la calle a explicar la ley contra la discriminación, la plena vigencia de los Derechos Humanos, la ley de Defensa o el programa de Seguridad Nacional de Salud. Por no mencionar lo que habrá defendido la caja P.A.N., el juicio a las juntas de comandantes o la reforma de la Constitución a la que la república llegó tras un acuerdo entre Alfonsín y Carlos Menem, que en 1994 peleaba por imponer la reelección indefinida.

Francisco Jerez, de 40 años, no llegó a votar por Alfonsín en 1983, pero los recuerdos de aquel año aún lo alegran.

–Tal vez haya sido que la esperanza se transmitía incluso a los chicos o a los que no entendían muy bien lo que ocurría –especuló Diagonales.

–Puede ser, pero a mí me agarra una emoción que ni siquiera puedo explicar, más allá de que entiendo que fue muy importante el cambio del gobierno de facto a uno democrático.

–Yo vine a despedir a un modelo de persona, muy honesto. Fue un militante ejemplar y gobernó pese a que nunca tuvo apoyo de los grupos económicos ni los gremiales. No hay que olvidar que le hicieron 13 paros –intervino su amigo, Sergio Caamaño, de 37.

A su lado, una señora se animó a contar lo que a ella le ocurría: “Yo viví muy terriblemente cómo lo quisieron voltear los grupos económicos, como están haciendo con Cristina ahora. No soy radical ni peronista, sino simplemente una ciudadana a la que la represión no la dejó ser de ningún partido, pero que conoce la dignidad”.

–¿Qué edad tiene, señora?

–Mi nombre es Elsa Puzzo y tengo 73 años. Por eso sé lo que te digo.

–De verdad cree que Cristina Kirchner sufre un intento de golpe de Estado parecido al que sufrió Alfonsín. Eso es casi textual a lo que dijo Néstor Kirchner.

–No importa si lo dijo Kirchner o no, lo cierto es que creo que la situación es muy parecida. Totalmente parecida. A Cristina no sólo la quieren voltear los grupos económicos sino también los medios de comunicación…

–Estoy tomando nota, señora –acotó el periodista, y causó risas.

–Bueno, algunos medios… pero lo cierto es que los medios de comunicación no dicen todo lo que tienen para decir. La verdad es que muestran una parte, sólo la parte de la foto que a ellos más les conviene. Y lo dice una humilde persona del pueblo.

–Sos una importante ciudadana –le aclaró una señora.

–Estoy segura que para Alfonsín yo era una importante ciudadana.

LA DESPEDIDA. El cortejo fúnebre comenzó a marchar poco después de las 16. Y la emoción golpeaba fuerte en el pecho de los que esperaban su paso, como si el tórax se les encogiera de pronto. Mucha gente se tapaba la boca, ahogando un grito. Muchos lloraron. Pero la procesión fue un caos. Un grupo de militantes se apropió de la seguridad del cortejo y realizó varios cordones por sobre la cureña. Se creyeron luego con derecho a ingresar al cementerio y presenciar la ceremonia, pese a que los familiares habían dispuesto un acto íntimo en el Panteón de los Caídos en la Revolución de 1890. Los empujones no lograron empañar la fiesta y los ciudadanos importantes pudieron escuchar los discursos de despedida de ese hombre al que la Historia parece haber comenzado a comprender.

Pastilla

Boleta en mano

Miguel Angel Biandín, de 52 años, despidió a Alfonsín con la boleta original de 1983 en la mano: Sabía que lo iban a reivindicar. Hay un antes y un después de esto. Ahora nos van a respetar como pueblo, nos lo ganamos", dijo.

Que vuelvan todos

Impresiones, por Juan Rezzano

Entre las líneas gruesas de la impresionante manifestación popular, genuina y espontánea de dolor, admiración y respeto que brotó de las calles porteñas por la muerte de Raúl Alfonsín, puede leerse un mensaje, acaso involuntario, algo melancólico pero, a la vez, cargado de cierto espíritu refundador y refutador del dramático y autodestructivo eslogan de 2001. “Que vuelvan todos”, pareció clamar, en silencio, la muchedumbre que peregrinó ayer por la porteña avenida Callao acompañando los restos del líder radical.

Pero, ojo, a no confundir: que vuelvan todos los que entiendan la política como una herramienta de transformación al servicio del bien común, y no de los intereses particulares; todos los que estén más dipuestos a dar que a recibir, aun si eso significa morir en un departamento de 65 metros cuadrados; todos los que estén dispuestos a ceder para garantizar el consenso; todos los que no se crean dueños de la verdad y apuesten a construir una verdad superadora, fruto del debate de las ideas; todos los que se nieguen a tachar al que piensa diferente; todos los que estén dispuestos a volver a entender la política como un proceso colectivo y, en ese camino, apuesten a la reconstrucción de los partidos políticos como pilares del sistema; todos los que acepten la función pública como un servicio; todos los que estén convencidos de que la política no es mala palabra y que estén dispuestos a convencer a muchos otros de que es la política el instrumento necesario y fundamental de la democracia; todos los que crean que la política se hace mirando a los ojos y no a la luz roja de una cámara de televisión; todos los que estén dispuestos a entregar el honor personal para salvar al pueblo.

Ante tan fenomenal expectativa surgida con fuerza de huracán al calor de la capilla ardiente montada en el Congreso de la Nación, aparece la pregunta inevitable, amarga: ¿Existirán esos dirigentes sin nombre a los que la muchedumbre de ayer pareció convocar? Si no, acaso el pueblo deba tomarse el trabajo de parirlos, sin esperar generaciones espontáneas ni naves extraterrestres que los traigan. Para eso, deberá estar convencido, el pueblo, de querer reconciliarse con la política. Y de volver a confiar en ella. Es la única manera de evitar que se evaporen las lágrimas que ayer rodaron por Callao.

Entrañable adiós

No fueron por el anís, ni porque había que ir. Las miles de personas que formaron una extensa fila que iba y venía –y volvía a ir–, zigzagueante, a lo largo de las dos cuadras de la avenida Callao que van desde Rivadavia a Perón no estuvieron ahí por hipocresía. La índole del duelo era verdadera, sentida. Lloraban porque era lo único que les quedaba a esos hombres y a esas mujeres. Y lloraban más cuando salían del Congreso, una vez que habían entablado su diálogo con la sombra y comprobado con sus propios ojos que la muerte les llega a todos.
Y eran miles. Fueron miles. La mayoría lloró el martes por la noche, aunque lo esperaban, porque miraban el noticiero y les decían que estaba mal, y les reiteraban que estaba mal, hasta que apareció su médico personal y dio la noticia. Y ahí fue que se enteraron que había tres días de duelo nacional y que iban a poder despedir los restos de Raúl Ricardo Alfonsín. Y ayer dejaron sus cosas para ir al velorio del hombre, el padre de la democracia, el primer presidente después de la última dictadura militar. El presidente de la esperanza. El de los discursos espectaculares.

CERRADO POR DUELO. Roberto y Alicia cerraron la pizzería ayer. Cerraron por duelo. Hablaron con su hijo por teléfono apenas se enteraron de la muerte de Alfonsín y le pidieron que los acompañara al Congreso a despedir sus restos. A las 6 y media de la mañana, el matrimonio, su hijo, la nuera y los nietitos de 8 meses y de dos años subieron al 148 en Florencio Varela. Durante casi una hora y media anduvieron por la ciudad dormida. Llegaron a Constitución, se tomaron el 12 y a las 8 estaban en la Plaza de los Dos Congresos. Sólo Roberto y Alicia entraron a ver los restos del hombre que les hizo conocer la esperanza. Su hijo y sus nietos se quedaron en la calle, a esperarlos, mientras miraban a los militantes radicales, a la gente que como sus padres, mostraba su dolor por la calle, a los que cantaban en recuerdo del hombre que había muerto.
“Lo que pasa es que con los chicos no podíamos hacer la fila”, aclararon.
–¿Vinieron muy temprano? –preguntó Diagonales.
–Llegamos a la Plaza cuando llegó el coche fúnebre con los restos de Alfonsín. Todavía no se había formado la fila para entrar a verlo.
–¿Por qué vinieron?
–Por mi papá –contó Roberto hijo, de 20 años–, me pidió que lo acompañara. Me parece que él la pasó mal durante la dictadura. Cuando se enteró, se largó a llorar. Después me llamó a mi casa y me preguntó si podía acompañarlo.

ILUSIONES. Arraigados a fondo al recuerdo de lo que hicieron aquel 30 de octubre de 1983 en el que iniciaron la vida democrática, abrazados al recuerdo del hombre que creó la CONADEP, que propició el juzgamiento y las condenas a los que encabezaron los gobiernos militares que violaron los Derechos Humanos, desconsolados por lo que fue, angustiados por las leyes del Punto Final y la Obediencia Debida, atormentados por los alzamientos carapintadas, la gente de la fila caminaba mayormente en silencio, aunque de vez en cuando aplaudía las canciones que entonaban los militantes de la Franja Morada, los jóvenes radicales universitarios, recordando al presidente Alfonsín.
Nicolás Ríos no hizo toda la fila. Lo dejaron pasar del brazo de su hijo, con la parsimonia que le dan sus 91 años. “Es la primera vez que entro al Congreso”, dijo el hombre apenas pasó el último escalón. “Yo era profesor de Ciencias Naturales, pero ahora estoy jubilado”, aclaró a Diagonales. Y siguió su camino para pasar frente al féretro en el que descansaban los restos de Alfonsín. “Ya lo vi. Me voy muy conforme”, afirmó después.

LO MEJOR Y LO PEOR. Daniel, un militante radical de 44 años, salió de la sala en la que pudo ver los restos del ex presidente con lágrimas en los ojos. “Alfonsín significó mi primer voto. Hoy, la Argentina perdió a un demócrata y a mi se me fueron 26 años de militancia. Yo empecé en la política a partir de su primer acto de campaña en la Federación de Box”, contó.
Para Mónica Altamirano, de 38 años, lo mejor que le dejó Alfonsín fue “la creencia de que hay que abrirse al diálogo”. Pero para Daniel, de 62 años, no hay debate posible porque “la Argentina es un país de cuarta con tendencia a quinta”.
–¿Tan grave?
–No tiene solución. Hace 50 años producíamos como toda América y hoy somos Uganda.
–¿Por qué vino?
–Es la primera vez que vengo al Congreso. Vine a despedir a un demócrata, a un paladín de la república, un argentino ilustre, a un gallego. A un argentino al que algunos van a valorar siempre.
–¿Cree que no lo valoraron?
–La grasada no lo va a valorar nunca.
–No lo entiendo.
–Ya los definió Evita cuando les dijo “mis grasitas”. Los definió muy bien.

EN LA PLAZA. José Vidal, de 81 años, no iba a hacer la cola para ver los restos del ex presidente, sin embargo, aprovechó el sol del mediodía para sentarse en la Plaza.
–¿Qué es lo que más recuerda de Alfonsín?
–Me acuerdo que quisieron darle un golpe de Estado pero no pudieron darlo. Fue muy combatido, le hicieron la vida imposible, lo volvieron loco.
–Vino mucha gente a despedirlo.
–Es un día muy triste. Pero se lo valora. Esto es para gente elegida.
En la más honda raíz del desasosiego marchaban los hijos de la democracia, los irrompibles, mientras los turistas brasileños (o rumanos) posaban para la foto con el enorme edificio del Congreso de fondo, igual que lo hubieran hecho un día cualquiera. En la plaza, los que duermen al aire libre seguían durmiendo o tomaban mate debajo de una choza improvisada con techo de tela y plástico. Un hombre decía a otro que con los militares no tenía miedo a que lo robaran y que ahora no podía ni ponerse un par de zapatillas buenas.
Los que lloraban, lloraban por la oportunidad perdida, por el país que no pudieron construir, porque se les fue el hombre que les había contagiado la esperanza.

Aunque prohibidos en La Plata, los graffitis aparecen de nuevo

La primera vez que estuvo en La Plata, a principios de los 2000, intentó estudiar en la facultad de Bellas Artes, pero cursaba poco y gastaba mucho. Entonces, volvió a su Bahía Blanca natal, donde se recibió de profesor de artes visuales, con la cuenta pendiente. Ya pintaba paredones, pero en el sur de la provincia se la tomó con todas las paredes que pudo. Ahora, recorre diagonales otra vez, sorprendido por la gran cantidad de lugares libres. Se enteró de la existencia de una ordenanza llamada Ciudad Limpia, que obligó a sus colegas platenses a guardar los aerosoles y ahora sale a la calle en busca de venganza: acaba de pintar un enorme rostro del rapero Snoop Dog (también protagonista de un reality show familiar junto a su mujer y sus tres hijos) en el paredón de 10 y 47 y amenaza con colorear toda la ciudad.

Emmanuel Pellegrino, Kase o Crome, según su firma en los paredones, se juntó con Martín Pricolo y un amigo de Buenos Aires que se mantiene sin nombre y se tapa la cara cuando se saca fotos, aunque firma como Power. También invitaron a una chica que trabajó con una técnica de collage, poco utilizada en los paredones pintados con graffitis o stencill. Ella firma como Typer Cube y su nombre real también es secreto.

“La primera vez que vine a La Plata me volví loco. La ciudad estaba llena de colores. Todos los paredones pintados, pero mientras estuve en Bahía Blanca sacaron una ley o algo así en la que prohibieron las pintadas. Tapaban todos los paredones con un slogan que decía Ciudad Limpia, esas cosas. Y ahora, ya no quedan graffiteros en la ciudad”, describió Emmanuel.

El programa que casi acabó con el graffiti artístico en la ciudad fue aprobado por el Concejo Deliberante a fines de 2006 y presentado por el ex intendente Julio Alak en marzo de 2007. Consistía en ocupar todas las paredes de la ciudad con una leyenda en la que se daban recomendaciones a los vecinos sobre cómo mantener una ciudad limpia, con la consiguiente prohibición de pintadas políticas partidarias o graffitis de cualquier tipo.

Aunque la ordenanza aún no fue derogada, ya no hay en el gobierno local aquel desenfreno por ocupar todos los espacios de propaganda y los graffiteros se las arreglan para salir a pintar. “Conseguimos un permiso del dueño por escrito y luego nos mandamos con algún amigo o compañero”, explicó Emmanuel.

“Lo de Ciudad Limpia tiró abajo a los chicos, porque si hacías alguna pintura te la tapaban a los dos o tres días. Por eso se fueron a pintar a las vías y los dibujos no se ven tanto en el centro, aunque de a poco regresan. Además del que hicimos nosotros en 14 y 47 hay otro en la esquina de un colegio, en 9 y 47, y otro más al lado del club Sporting, en 11 y 40”, ennumeró el artista.

“Siempre fue difícil salir a la calle a pintar algún paredón. Te cae la policía y te quiere llevar en cana, por eso salimos con permisos de los dueños de las propiedades, para evitar que nos traten mal y pasar un momento malo”, agregó.

–¿Por qué pintás?

–Me gratifica un montón.

–¿Y además?

–A mi me sirvió para conseguir trabajo. Me contrató una empresa para que le pintara dos murales en su sede de Palermo. Ahora se mudaron a San Isidro y me volvieron a llamar. Pinté tres pisos y un dibujo que tiene 15 metros de largo. Les encantó y me contrataron. Trabajo con ellos con la condición de poder seguir haciendo trabajos por mi cuenta, en la calle. Y me dedico a la ambientación de espacios.

–¿Cuánto cuesta hacer un mural?

–Depende. Con 200 pesos hacés un buen mural. Pero hay que tener en cuenta que cada aerosol sale 17 pesos.

–¿Cómo se eligen los temas?

–Snoop Dog fue porque tenía ganas. Está relacionado con el graffiti, pero fue por ganas nomás. Otras veces se trabajan temas más filosóficos o de física cuántica, que me encanta. Puede ser que te pases tres meses trabajando en una idea, yendo al paredón a plantear bocetos.

–¿Cuál es la técnica?

–Sólo hay que manejar el aerosol. Lleva mucha práctica, muchos años.

La historia

El graffiti nació en Nueva York. Uno de los primeros graffiteros conocidos fue Taki 183 un joven inmigrante griego que trabajaba como mensajero y pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba documentos y paquetes. Poco después apareció Keith Haring un artista que empezó a pintar sus dibujos en sitios públicos, primero pegando posters y luego pintando directamente sobre muros y los paredes de los subtes.

¡Volvió Charly!

Los diarios digitales comenzaron a anunciarlo en sus portadas, los canales mandaron sus móviles para transmitir en vivo y las radios comenzaron anunciarlo en los noticieros. Vuelve Charly, decían. Y anunciaban que el evento iba a ocurrir apenas unas horas más tarde frente a la Basílica de Luján. Y así fue, a las 18, tan puntual como nunca y tan impresionante como siempre. El regreso se produjo ayer, tras ocho meses de ausencia de los escenarios y el comienzo de un largo tratamiento de rehabilitación por su adicción a las drogas.
Vestido con jean, camisa, saco y corbatín azul –igual que cuando fue a ver a Gasalla al teatro–, Charly García irrumpió en la plaza segundos antes de las 18, a bordo de una combi blanca en la que iba acompañado por su amigo y protector Ramón “Palito” Ortega, quien lo atiende en su quinta de la localidad de Luján.
La banda chilena The Prostitution, con la que toca desde 2001, y el “Zorrito” Fabián Von Quintiero ya habían comenzado a tocar los primeros acordes de “Demoliendo hoteles”, primera canción de una lista que incluyó “Promesas sobre el bidet”, “No me dejan salir”, “Cerca de la revolución”, “Influencia”, “No voy en tren” y el Himno Nacional Argentino.
“Tranquilos que nosotros vamos a seguir rockeando”, dijo a mitad de la presentación, cuando una pequeña avalancha corrió las vallas colocadas alrededor del escenario.
El músico, con varios kilos de más debido al tratamiento para abandonar las adicciones, controlado por el juzgado de María Rosa Bosio, tocó por primera vez desde que causó un escándalo en el Hotel Solar de Mendoza, luego de un concierto, en junio de 2008.
Después aquellos incidentes, Charly estuvo internado en la Clínica Cuyo y se le diagnosticó neumonía. Se lo trasladó luego al hospital Argerich de Buenos Aires, del que trató de escapar cuando no suicidarse. Las autoridades del hospital lo denunciaron ante la Justicia y la jueza Bosio ordenó su internación en la clínica psiquiátrica Dharma, también en Buenos Aires. Evolucionó bien y le dieron permiso para ir a la quinta de Ortega, pero volvió a ser internado en el Sanatorio Güemes cuando se agravó su neumonía. Lo sanaron y volvió a la quinta, donde continúa su tratamiento contra su adicción a las drogas bajo la tutela judicial, hasta que los médicos consideren que está recuperado.
El de ayer fue su primer show, Se lo vio gordo, sedado y lento. “¿Palito le hizo una lobotomía?”, preguntó Luis en Facebook. “Parece De la Rúa”, comentó Marcelo frente a la tele, cuando al terminar el concierto encaraba para cualquier esquina, desorientado. Y, cuando se lo llevaban en andas, uno recordó una escena de The Wall, cuando arrastran por un pasillo a la superestrella de rock en medio de un delirio, agusanándose. Pero no. Era el auténtico Charly sanándose. Y el público, haciéndole el aguante. “Ya se va a poner bien”, aseguró Verónica.

No volvió, lo llevaron
El análisis de Miguel Russo
Sólo Charly puede destruir a Charly. De la misma manera que los analistas mediáticos de turno dijeron que sólo él podía salvarse a sí mismo. Por eso, los pibes y no tan pibes que se juntaron a instancias de TN y Palito Ortega (todo un tándem a estudiar en detalle) frente a la Basílica de Luján o frente a la pantalla del televisor (TN, off course), no vieron la vuelta de Charly sino un simple regreso a un simple escenario. No se trata de que vuelva a ser el Charly que arrancó en 1971, ni el del tercer festival Barock en 1972, ni el del 5 de septiembre de 1975 que dice haber visto todo el mundo en el Luna Park. No se trata de que vuelva a ser el líder de Serú ni el enloquecido solista que rompe todo. No se trata de que vuelva a mostrar nada (menos el culo, a estas alturas y con la milagrosa y tantas veces visitada Luján a sus espaldas). Pero tampoco se trata de mostrar un Charly que habían vendido de otra manera. En estos siglos en los cuales se insiste con eso de la única imagen contra las mil palabras, la imagen de Charly se peleó a muerte con las palabras "está mejor que nunca", "volvió a cantar como los dioses", "etcétera". El oído absoluto desafinó todo lo que pudo y hasta equivocó el tiempo al batir palmas. El teclado estaba como de adorno y los músicos alrededor hacían lo que podían por sostener un mito. No se trata de eso, claro. Charly nunca se trató de eso. No volvió, lo llevaron. Y cuando terminó el himno, equivocó el rumbo como aquel tristísimo De la Rúa, y los asistentes tuvieron que sacarlo casi en vilo por el otro lado, de vuelta a la quinta del Palo. De todos modos, sólo Charly puede destruir sus propias canciones como lo hizo. Sólo él.

Foto: Dyn

Adiós Botafogo, bienvenido don Vilanova

Cuando a principios de los años ‘70, Miguel caía en cana por tocar rock and roll, su viejo lo iba a buscar y lo rescataba. El tipo, que había sido boxeador y trabajaba como peón de campo en Bolivar, le abría la puerta de su casa a Pappo y a las huestes del blues local. Por aquellos años, el pibe que se llamaba Miguel Vilanova le dio paso al músico que iba a ser conocido como Botafogo. “Un día Pappo me empezó a llamar Botafogo y, como le causaba gracia, los plomos me empezaron a llamar así. Después de un veranito de éxito que tuvimos allá por el ‘73 o ‘74, que me hizo famoso en el barrio, me vino a buscar una banda que se llamaba Avalancha. Me preguntaron qué nombre tenían que poner en el afiche. ¿Qué se yo?, les dije. Poneme Miguel Vilanova. Y no. Los tipos decían que yo ya era Botafogo, que tenía que llamarme así. Y así salieron los afiches. Me pareció divertido y quedó”, recordó Vilanova a Diagonales.
“Mi viejo me dio la posibilidad de convertirme en lo que yo quería ser: en un músico callejero, un músico de lo que era el rock and roll y el blues de aquella época. Él fue mi mentor y me da mucha alegría volver a llevar su nombre. Igual, sigo con un temblor por dejar a Botafogo. Además, me pasaron cosas personales que me decidieron a dar el salto, pero aún estoy en la transición, por eso el disco se llama Adiós Botafogo, bienvenido don Vilanova", reveló.
Hoy, el guitarrista que debutó a los 17 años con Pappo's Blues y que había comenzado a tocar la guitarra cuando tenía 9 años, hace pública una nueva etapa de su carrera y de su vida personal, tras una separación y un brusco cambio en su apariencia física.
El nuevo viejo hombre llega a La Plata para inaugurar el ciclo de recitales Locales y visitantes, en el que se presentará junto a la banda platense Power Blues. “Voy a tocar los temas del último disco y después siempre me gusta mechar los clásicos del blues”, adelantó.
En esta nueva etapa, Vilanova es el músico que por las noches acompaña a Roberto Pettinato en Un mundo perfecto, una de las nuevas posibilidades que se permitió. “Estar con Petti es como un premio, porque es un tipo súper generoso, que brinda oportunidades. Lo quiero mucho, siento que soy amigo de un geniecillo”, explicó.
Don Vilanova se presentará el sábado a las 20 en el Pasaje Dardo Rocha (51 entre 6 y 7).

Tres marchas y una ciudad inmutable

La Plata debía ser ayer una ciudad partida en tres. Y sin embargo, la vida siguió para los platenses con la misma parsimonia de siempre, inmutable. Ni la movilización llamada por los famosos contra la inseguridad, ni la presencia de la Presidenta Cristina Fernández de Kirchner, ni la desaparición de Julio López despertó pasiones en la ciudad.
Mientras que Cristina se presentaba en el Teatro Argentino, las movilizaciones por la seguridad y la desaparición de López iban a juntarse a la misma hora y en el mismo lugar, citadas ambas para las 18 en plaza Moreno. Los primeros vecinos en llegar convocados por Susana Giménez, Marcelo Tinelli y Moria Casán se perdían entre los militantes de izquierda, fieles y constantes.

PLAZA MORENO. Movilero de una radio AM de Buenos Aires habla por celular con su productor.
-Che, no todavía no vino nadie a la marcha por la inseguridad.
-Y bueno, esperá un poco más.
-Sólo hay gente en la marcha por López ¿querés que te la cubra?
-No. Dejá. Vos cubrí lo de la inseguridad.
-Pero no viene nadie.
-No importa, esperá.

En rigor, a esa hora del día, las pocas personas que se acercaron a la movilización por la inseguridad andaban por ahí, perdidas entre los militantes, que todavía no sacaban bombos y pancartas, por lo que confundían a los desacostumbrados y novísimos manifestantes.

-Señoras ¿Ustedes vinieron por la marcha de la inseguridad?, preguntó Diagonales.
-Si, pensamos que ésta gente estaba para eso-, respondió Gloria, más extrovertida que Beatriz.
-Ellos vienen todos los 18 de mes a reclamar por la desaparición de López.
-¡Ah! No sabíamos nada.
-¿Y cómo se enteraron de la marcha de hoy?
-Por los medios. Por el diario y por la radio. TN puso la lista de ciudades y la hora en la que se iban a hacer las concentraciones. La principal es en Buenos Aires, pero se marcha en todo el país.
-¿Qué es lo que reclaman?
-Queremos que las autoridades tomen conciencia. Tienen que responder. Estamos todos expuestos a la inseguridad, consecuencia de la falta de educación y trabajo.
-¿Hay poca gente no?
-La gente tiene miedo de involucrarse. Hasta que no le pasa en carne propia no se da cuenta.
-¿Ustedes fueron víctimas?
-No, gracias a Dios no. Pero tenemos muchos amigos a los que les pasaron cosas…
-¿Qué piensan de la movilización por López?
-De eso también tiene que dar cuenta este gobierno. Lo que sucedió a este señor y a su familia es muy grave. No sabía que los de López se iban a juntar acá. Es un hecho que repudiamos, pero es un hecho distinto, son cosas distintas. Lo de la inseguridad lo tienen que solucionar. Y pronto.

Gloria, de 68 años, y Beatriz, de 67, iban a despedirse, pero entraron en confidencia.

-Esto no lo pongas… pero yo quisiera saber qué piensan estos chicos sobre lo que pasó en los ´70. Porque les cuentan una historia que… se la dan vueltas… nosotras lo vivimos. Yo estudiaba y tenía dos trabajos y… bueno, fue una guerra, había dos bandos… aunque claro, mucha mayor responsabilidad sobre lo que pasó tuvieron los militares, porque ellos tenían el poder...

COMPAÑEROS. "Hola ¿no?", se encuentran a pocos pasos de las señoras los compañeros de la facultad, los compañeros de militancia, en la marcha por López. Son los mismos de siempre, los que cada 18 marchan de Plaza Moreno a Plaza San Martín, los dueños de la calle, los que comparten la plaza con los que quieren seguridad, los que van a modificar su caminata mensual por la presencia de la Presidenta en el Teatro Argentino. Ahí estaba, también, la ex detenida-desaparecida Nilda Eloy, compañera de López.

-Mucha gente que viene a la marcha por la inseguridad se confunde y espera al lado de ustedes.
-Es que la nuestra es la marcha de los inseguros. Los que estamos inseguros somos nosotros. Nosotros marchamos por nuestra dignidad. Marchamos contra los que nos quisieron hacer desaparecer, los que nos quieren tabicar, contra los que nos intentan amordazar otra vez-, explicó.
-¿Cuáles son las novedades de la causa?, preguntó Diagonales.
-Fui a los Tribunales Federales a preguntar quién era el responsable de la causa. Hablé con (el juez Hugo) Coraza y me dijo que ya no tiene la causa, fui a (ver al juez Humberto Manuel) Blanco y me dijo que se la pasó al fiscal (Sergio Franco), pero el fiscal me dijo que todavía no la aceptó, por lo que la causa aún debería estar en manos de Blanco. Podemos decir que estamos ante la cuarta desaparición de López.

Al mencionar la cuarta desaparición de López, Eloy hace mención a las desapariciones físicas que López sufrió en la década del ´70 y la que sufrió luego del juicio al represor Miguel Osvaldo Etchecolatz, el 18 de septiembre de 2006. La tercera desaparición fue “mediática” y la cuarta sería “judicial”.
Cuando la marcha por la desaparición de López hubo partido, el periodista de la AM de Buenos Aires se esfumó por el eter y los que manifestaban contra la inseguridad comenzaron a ocupar la vereda de la Municipalidad. Pese a la decepción por la escasa convocatoria, ya que no sumaban 70 personas, se plantaban de espaldas al Palacio, sobre el cordón, a aplaudir y gritar: "seguridad, seguridad, seguridad". Así estuvieron hasta poco después de las 20, festejando cada vez que los automovilistas que paraban en el semáforo tocaban bocina en señal de apoyo.

-Son pocos, pero les tocan bocina-, observó el periodista.
-Dejate de joder. Los platenses tienen una apatía total. Es una vergüenza-, consideró una manifestante.

A sólo tres cuadras de ahí, el Gobierno realizaba un acto con la presencia de la Presidenta. Como la de López, la marcha del Frente para la victoria era una marcha de militantes. Militantes peronistas.

- Nosotras acompañamos al compañero Juan José Cantiello-, contó a Diagonales un grupo de mujeres de Francisco Solano.
-¿Sabían que también hay una marcha por la inseguridad?
-No, ni idea-, respondió Nimia.
-Yo si -intervino Mirta-. Y te voy a decir lo que pensamos la mayoría de nosotros. Esa marcha viene de gente que son ricos y famosos, porque los artistas populares y la gente no se puede expresar en ningún lado. Esa gente no tiene nada que ver con el pueblo.
-Pensamos que hay un sistema que impide a nuestros jóvenes desarrollarse como persona y realizarse y militamos para que lo puedan hacer.
-Señor, señor -llamaron dos chicas-, somos de Bragado y queremos salir en el diario.
-¿Quiénes son ustedes?
-Somos militantes de una juventud solidaria cuyo referente es Eduardo Gatica. Vinimos a apoyar el proyecto nacional, la ley de radiodifusión y el adelanto de las elecciones, porque la gente ya sabe a quién va a votar.

Más o menos al mismo momento, pasadas las 20, comenzaron a desconcentrar las tres marchas. Sin incidentes. Y sin despertar el interés de los vecinos, inmutables.

Foto: Ezequiel Gil Soria

Malvinas

El Museo de Arte y Memoria (9 entre 51 y 53) inaugura a las 19 de hoy la muestra Malvinas. Retratos y paisajes de guerra, compilada por Juan Travnik durante más de 15 años. El trabajo incluyó más de 250 entrevistas de las cuales resultaron los casi 70 retratos que ahora se exhiben en La Plata. “La muestra es una invitación a reflexionar sobre el destino”, contó su autor a Diagonales.
El retrato fotográfico es un género que trabaja en la idea de mostrar el carácter y las cualidades físicas o morales de las personas fotografiadas. En el caso de las fotos que Travnik tomó a los ex combatientes, lo que los hombres retratados tuvieron en común puede verse en su mirada.
Al iniciar su trabajo, el fotógrafo pensaba en reconocer –de alguna manera– el papel que tuvieron los que estuvieron en la guerra. Y en particular el de los conscriptos, que no eligieron la carrera militar sino que fueron a Malvinas por estar cumpliendo con el Servicio Militar, que era obligatorio en aquellos años. “Me interesó ver qué huellas quedaban en esa gente que vivió esa experiencia tan fuerte. Hay que tener en cuenta que empecé a tomar las fotografías no cuando los combatientes volvían de Malvinas, sino diez años después”.
En su búsqueda por abrir el debate y permitir que surgieran preguntas que interpelaran al pasado reciente, Travnik descubrió la indiferencia y el rechazo que sufrieron los ex combatientes. Aunque tomó las fotografías a lo largo de 15 años, advirtió que los ex soldados sufrieron el abandono: “no podría decir que todos, pero la mayoría… la abrumadora mayoría, diría, me dijo que sufrió más en el continente que durante la guerra”, contó. Y agregó: “No tuvieron ni apoyo material, ni afectivo, ni psicológico que los contenga. Hubo falta de interés en que tuvieran la reinserción social que merecen. Creo que es evidente con la cantidad de suicidios de ex combatientes, que son muchos más que las bajas que hubo durante la guerra”.
Travnik recordó además que en el momento de la invasión a Malvinas hubo mucha solidaridad de la sociedad: “Más allá de lo que se hizo con todo eso, lo cierto es que la gente mandaba cosas, juntaba dinero o joyas. De alguna manera era una muestra de que apoyaba a esos otros ciudadanos que defendían la soberanía, más allá de que la decisión de recuperar las islas hubiera sido tomada por una dictadura”.
Es en el recuerdo que la muestra se resignifica para cada uno de aquellos visitantes que tienen conciencia sobre guerra. Y entonces, la muestra cumple con su función de invitar a reflexionar sobre el destino y tal vez, por qué no, pueda ayudar a tomar conciencia sobre la necesidad de dejar de lado la indiferencia.

Des-fa-cha-ta-da

Diría de sí mismo que es un hombre correcto, respetuoso y, por sobre todas las cosas, res-pon-sa-ble. Eso es lo que podría decirle a su mujer, a sus hijos, a sus nietos, a todos sus vecinos y al dueño del taxi que maneja. “Soy un hombre correcto”, les diría, en tono solemne, seguro.Incluso, si por la calle, bajo la lluvia, una chica fuera contramano en su bicicleta para ganar tiempo y acortar el camino a casa, el camino al trabajo o el camino a la facultad, reaccionaría contra la imprudencia, ofendido, como si la chica hubiera cometido un acto moralmente condenable. El gesto primero -atención-, podría parecer de preocupación, pero no. La frase que saldría de su boca sería la del tipo correcto, respetuoso y, sobre todas las cosas res-pon-sa-ble. Ese tipo cansado de los insensatos y los temerarios que andan por las mismas calles que él, como esa chica que anda en bicicleta, contramano, bajo la lluvia. Y entonces, el hombre diría: "¡des-fa-cha-ta-da!".Más tarde, incluso, podría contarle a su mujer. Y hasta lograría un cierto tono de misericordia con la chica, pobre, que andaba contramano, que ponía en riesgo su vida y a prueba la capacidad de una compañía de seguro cualquiera, en el peor de los casos, imagínese, que un auto la atropellase.Lo que de seguro escondería a su mujer el tipo correcto, respetuoso y, sobre todas las cosas, res-pon-sa-ble, es que él mismo acababa de ponerse en riesgo, de poner en riesgo la vida del pasajero que llevaba en su taxi, la de los peatones que cruzaban la diagonal 80 y la de todos los que venían en dirección contraria -y tenían la luz verde- cuando, irrespetuoso, incorrecto e i-rres-pon-sa-ble dobló en la diagonal a la izquierda, sólo porque quería evitar el tránsito atascado en plaza San Martín, bajo la lluvia. Des-fa-cha-ta-do.

El milagro del Pop

Como los buenos discos, las tres noches del La Plata Long Play necesitaban su track oculto. El festival por el que pasaron las bandas de las productoras locales Laptra y Mandarinas -y por el que aún resta pasar a las de Cala discos- regala hoy su fecha oculta con un músico invitado: Leo García presenta y regala esta noche El milagro del pop en una fecha que compartirá con los locales Monoaural en El Teatro (43 entre 7 y 8).
- ¿Cómo será el concierto?
-Voy a ir solo con mi guitarra y mi computadora. Voy a dar un show que estará entre Tanguito y (el DJ) Tiga.
-¿Tocar solo le gusta más?
-Un solista tiene que ser solista... De repente tengo banda y me gusta, de repente estoy solo y también me gusta. Ahora quiero estar cerca y encontrarme con la gente.
-¿Habrá clásicos?
-El show es una fiesta. Voy a cantar mis canciones, algunas de Gilda, y mis favoritas del rock nacional.
García llega a La Plata para presentar un disco que no se puede comprar aún en ninguna disquería. Es más, lo regalará durante la noche. El material se llama El milagro del Pop, incluye seis canciones y es apenas el primero de diez discos que se venderá en un pack, una vez que esté todo publicado de manera alternativa. “El segundo disco se llama El milagro del dance y estará disponible en mi web, que aún en creación", contó García. Y agregó: “El tercero saldrá por celular y aún estamos definiendo los formatos que tendrán los demás, pero ninguno será convencional, no vendrán ni con promoción ni videoclip. No sé qué va a pasar, pero conseguí gente que invirtió en esto y estoy trabajando sobre las nuevas tecnologías”, reveló.
-¿Cada disco responde a un género diferente?
-El segundo es dance y tiene covers y remixes. El tercero aún no tiene nombre, pero será romántico. Voy a grabar con Fito Paez, tendrá pianos y boleros. Cada disco tendrá una onda definida, pero también formarán una unidad que justifique juntar todo el material al final del proceso. El paquete llevará el nombre del primer disco: El milagro del Pop.
A finales de los ´90 la movida rockera platense se andaba buscando. Ya no estaban Las Canoplas ni Los peligrosos gorriones, descontrolando, y Estelares no se decidía a explotar. Igual había poesía y se respiraba una música de autor. Quienes andaban por el Tinto bar aún recuerdan, no sin nostalgia, a un muchachito bastante introvertido, callado, que andaba con su guitarra a cuestas. En rigor, no le habían prestado mucha atención, pero el pibe subió al escenario y los descerebró: era Leo García.
Fanático de facebook, García contó que ahora está más extrovertido que nunca: “estoy muy metido en Internet, aprendí a comunicarme, a escribir mejor, a usar los signos, me enganché en esa frecuencia y está bueno, es divertido. Soy tangible. Ahora quiero encontrarme, comunicarme, hablar con la gente, que me hagan preguntas, generar comunicación".
-¿Tocar en La Plata es particular?
-Si, porque es un poco la capital del rock nacional. Por la Cofradía, Virus y hasta Los Redondos, que no me gustan mucho. La Plata es una potencia. Un lugar buenísimo con mucha gente joven y del que surgieron muchos amigos, como (Francisco) Bochatón y los chicos de Adicta, que vienen de esa cuna.

La radio 2009

La irrupción de Liliana López Foresi en la primera mañana de Radio del Plata -de 6 a 9- y la de Samuel Chiche Gelblumg -de 9 a 13- en Radio Mitre son las dos novedades más importantes que ofrece la radiofonía argentina. Gelblumg cambió de emisora y pasó de Radio 10 a Mitre, mientras que López Foresi regresó al prime time de la radio luego de hacer la tarde de Radio Cooperativa en 2007 y de permanecer alejada de los medios con mayor encendido durante varios años. Pero hubo más cambios en la radio y habrá que girar el dial de abajo a arriba durante todo el día para empezar a ubicar a los que cambiaron mucho, poquito y nada.
Rivadavia cambia poco. Reemplazó a su conductor de la primera mañana, Paulino Rodrigues por Mauro Viale. Lo sigue Alejandro Fantino, con el programa que ya hacía el año pasado.
Radio Continental sufrió varias bajas y apenas sumó un programa. Siguen Magdalena Ruiz Guiñazú -de 6 a 9- y Victor Hugo Morales -de 9 a 13-, aunque perdieron a su columnista estrella: Orlando Barone se fue con López Foresi y Carlos Polimeni a Del Plata. La incorporación más importante es la de Fernando Bravo, que inicia Bravo punto Continental, con el mismo equipo que el año pasado hizo Bravo Mil 30 en Del Plata y en el mismo horario. El programa va de 13 a 17 y cuenta con la participación de Alfredo Leuco. Le sigue María O´Donnell, Carlos Ulanovsky y Fernanda Iglesias. Se dice que Nelson Castro iba a sumarse a la FM 104.3, que pertenece a la emisora, pero los periodistas de la AM se negaron a tener competencia. El doctor, que dejó Del Plata con polémica, sigue sin programa.
Radio 10 perdió a una de sus estrellas a manos de Radio Mitre. La partida de Gelblumg obligó a una reformulación de horarios que llevó a Baby Etchecopar del mediodía a la noche. Y es en el hueco que deja el actor/conductor que entró Viviana Canosa, que tomará la posta durante la primera tarde. Dicen que la tentaron de Mitre, pero eligió la 10 porque Daniel Haddad le pagará una fortuna. La otra incorporación es la de Julio Lagos con su Despierto y por la calle, que estaba en Del Plata. La radio mantiene a Marcelo Longobardi y Oscar González Oro por la mañana, mientras que Alejandro Dolina sigue de lunes a viernes a las 12 de la noche. También están Pablo Duggan, Karin Cohen y Tete Coustarot.
Aunque no viene con la historia de otras emisoras, hace unos años irrumpió en el dial Radio Cooperativa, que hizo una de las incorporaciones más originales, con la participación de Luis D´Elía en A Boca de Jarro, un programa que va de 22:30 a 24 por la AM 740 y es conducido por Leonardo Cofré: “tiembla la puta oligarquía”.
Mientras se espera por el lanzamiento de la radio que se ubicará en el 750 del dial, que buscará instalarse con fuerte contenido cultural y político, Radio Mitre (790) lanzó su apuesta para la segunda mañana con la presencia de Gelblumg, espacio que dejó liberado el Midachi Dady Brieva. Mitre apuesta fuerte: arranca con Ernesto Tenembaum, sigue con Gelblumg y por la tarde lo tiene a Marcelo Zlotogwiazda.
Radio Nacional, en el 870, arrancó el año con las polémicas partidas de Mona Moncalvillo y Polimeni y la llegada de Enrique Vázquez como sub director. La programación, de todas maneras, tiene sus perlas, sobre todo desde el mediodía, con la presencia de Sandra Russo, Miriam Lewin, Eduardo Anguita y Jorge Halperín, de 12 a 20.
En La Red (AM 910) cambiaron a Rolando Graña por Gustavo Silvestre, que conduce Mañanas en Red. Además, Mariano Closs reemplazó a Mariano Líberman en el programa deportivo del mediodía, que inauguró Fernando Niembro.
Nelson Castro dejó su ciclo en Radio del Plata (AM 1030) y dio paso a uno de los cambios más impactantes en la grilla, con el regreso de Liliana López Foresi, en un programa en el que comparte aire con Barone y Polimeni, de 6 a 9. También se sumaron la radio Juan Pablo Varsky, Mario Portugal, Teresita Ferrari y Claudio Federovski, aunque entre todos es para destacar el desembarco del locutor y periodista Quique Pesoa, quien reemplaza a Juan Alberto Badía.
En la Radio Ciudad de Buenos Aires (AM 1110) tienen una madrugada que ya es un clásico, Ciudad de libros y rock, conducida por Daniel Cheruna, mientras que sus programa más fuerte es Siempre Betty, con Betty Elizalde. Además, los miércoles a las 22 está Pacho O´Donnell. Los sábados, tiene en su grilla Leña al fuego, con Herman Schiller, y luego La rosa blindada, con Liliana Daunes.
Dentro de los cambios en la radio, resta saber cuál es la nueva programación propuesta por Radio América.

Las AM de La Plata
En Radio Provincia de Buenos Aires arranca la mañana (de 7 a 9) con un programa conducido por Mario Sarlangue y Fabian Debeza. Aunque hay rumores de que la programación podría cambiar en abril, por ahora siguen los clásicos, como Rompesiestas, con Martin Bustos, Sonia Negrin y Alejandro Bidart; además de su Panorama Informativo, que va de 12 a 13.
En la radio Universidad de La Plata se mantiene casi toda la programación. José María Fiscina conduce la primera mañana (de 7 a 10) con Sabrina Carrasco, mientras que Cintua Rodil y Virginia Veneré conducen Ponele X, de 10 a 12. A la tarde continúa Volver a casa, con Marcos Clavelino y Marcelina Romero. Falta cerrar el programa que estará a la tarde.

¿Y Susana Giménez?

Ellas. Con música, una muestra fotográfica y de vestuarios, ayer se festejó en Plaza Moreno el Día Internacional de la Mujer. El cierre estuvo a cargo de Eleonora Cassano, Patricia Sosa y Adriana Varela, que invitó a Estela de Carlotto a subir al escenario. (foto: Alberto Direnzo)

Fiel a sus costumbres, la ciudad festejó el Día de la Mujer en la Plaza Moreno

La Plata vive en sus calles. Y en sus plazas festeja. Ayer, los platenses tomaron la tarde por asalto y fueron hasta la Plaza Moreno para festejar el Día Internacional de la Mujer. Fue una fiesta para la familia, que incluyó varios y merecidos homenajes, de emociones fuertes, con la presencia de Adriana Varela, Eleonora Cassano y Patricia Sosa.

La idea del Instituto Cultural fue festejar a “La Mujer en el arte, la cultura y la historia”, por lo que al gran escenario que se montó sobre la plaza le sumó un pequeño museo y un living en el que Mona Moncalvillo entrevistó a Lidia Lamaison, Vicky Shocrón, Juana Torrallardona y Leonor Benedetto (ver recuadros).

Quienes llegaban a la plaza tomaban sol, se sentaban a compartir una gaseosa o a tomar mate antes de recorrer la muestra del museo, que empezaba con la exhibición de un spolvorino de encajes y mangas ¾ de Tita Merello. Impactante. “Esto es una obra de arte”, sentenció una mujer, sorprendida por ver los vestidos de las artistas que admiró cuando era muy joven.

La muestra incluyó las listas de nombres de las artistas plásticas, escritoras y actrices más destacadas de la provincia y contó con varias exposiciones de retratos fotográficos con una pequeña biografía de cada una de las homenajeadas.

Luisa Vehil, Bárbara Mujica, Iris Marga, María Rosa Gallo, Alejandra Boero, Milagros de la Vega, Blanca Podestá y Lola Membrives formaban parte de la primera serie de fotografías, colgadas al lado de un retrato original de Encarnación Ezcurra, realizado en tela por Ignacio Canicchia en 1910.

Y ahí, al lado, se exhibió un vestido que Eva Perón usó en 1947. Un vestido de cockteil de color rosa, con encaje blanco y flores de gasa que creó Paco Jamandreu.

-Por algunos de estos vestidos era que la criticaban-, dijo una señora.

-Increíble-, dijo el señor.

-¿Y viste lo delgadita que era?- le consultó ella.

-Es cierto.

-Imaginate el cuerpo que tenía para entrar en ese vestido.

Afuera el sol estuvo a pleno, picante. Las visitas buscaban sombra bajo los árboles o se tiraban en el pasto, entregándose al bronceado: “Está buenísimo”, dijo a Diagonales una mujer que tomaba mate en la plaza, mientras esperaba por los espectáculos. Estaba con dos de sus hijas y con una nieta, de festejos.

Dentro de la carpa se recordaba a las primeras legisladoras de la provincia de Buenos Aires y había más fotos para ver: Julieta Lanteri, Alicia Moreau de Justo, Macacha Güemes, Cristina Fernández de Kirchner, Azucena Villaflor, Juana Manso, María Sánchez, Juana Azurduy, Leda Valladares, Margarita Palacios, Mercedes Simone, Rosita Quiroga, María Antonia Barrios, Eladia Blazquez, Marta de los Ríos y Sofía Bazán.

Un gran autorretrato de Raquel Forner coronaba las fotos de las obras de algunas destacadas artistas de la provincia de Buenos Aires. Y sus retratos. Se exhibía también un vestido de Norma Viola, usado en la coreografía de “Chacarera de la luna” y el traje que Norma Fontenla usó en “El pájaro azul”.

Y más fotos: Nélida Lobato, Ambar la Fox, Olga Ferri, Beatriz Ferrari, Eleonora Cassano, Maria Fux, Liliana Belfiore, Paloma Herrera, Herminia Brimana, Martha Mercader, Marta Lynch, Olga Orozco, María Esther de Miguel, Alejandra Pizarnik, Beatriz Guido y Julia Prilitzky Farny. “¿Quién falta?”, se preguntaba en silencio un pibe:

-¿Sabés quién es esa?-, le preguntó la chica.

-No. Del barrio no la tengo-, respondió él, mirando incrédulo la foto de Mariquita Sánchez de Thomson.

-Es la que prestó la casa para que canten el himno por primera vez-, educó ella.

Y había más fotos: Delia Garcés, Mecha Ortíz, Paulina Singerman, Lolita Torres, Sabina Olmos, Olinda Bozán, Aida Luz, María Luisa Bemberg.

Un vestido largo de Zulli Moreno y la máscara mortuoria de Eva Perón compartían espacio con una fonola con la que se homenajeaba a Azucena Maizani, una de las primeras mujeres que se animó a cantar tangos.

También se mostraba una escultura original de Luis Perlotti, en homenaje a Alfonsina Storni, al lado del escritorio y el sillón que sobre el que ella escribió algunas de sus poesías.

El chico que no conocía a Mariquita Sánchez de Thomson trataba de seguir imaginando quién faltaba. Y dijo a la chica: “faltó Susana Giménez, es muy famosa”. Ella no le contestó, pero pareció no darse por vencida. Lo tomó de la mano y lo llevó a ver los espectáculos en vivo.

El sol ya había comenzado a esconderse cuando Adriana Varela empezó a cantar sus tangos. Después, Eleonora Cassano subió al escenario con su ballet. Y Patrica Sosa cerró la noche. Una noche de festejo en el que se recordó a las mujeres que defienden sus derechos.

Lo dicho

Por Lucía Zapata

Mona Moncalvillo

La periodista fue la encargada de coordinar las entrevistas: “desde este rinconcito vamos a hacer un homenaje a todas las mujeres que batallaron”... “Tenemos una lucha grande por delante, este día se instituyó por una tragedia”... “Hoy tendremos, en este living, mujeres maravillosas que le dieron de todo a los argentinos”.

Victoria Shocrón

La creadora de la Fundación Discar, primer Centro de Arte para personas discapacitadas, contó: “en 1986 conocí a un chico en la playa con el que tuve dificultades para comunicarme y ahí surgió la idea de hacer arte para la comunicación”... “Trabajamos con lo bueno de cada uno, hay que cambiar la mirada y ver cuánto puede hacer esa persona”.

Juana Torrallardona

La artista plástica y muralista forma parte de la Asociación Horizonte Sur. “Es importante en el arte sentirse valorizado para poder transformar la vida. Nosotros mostramos lo que tiene el otro, que es muy valioso, y a veces la sociedad no da el espacio. Es un trabajo insistente pero que da resultados maravillosos”.

Lidia Lamaison

“Todavía tengo 94”, así se presentó la actriz, quien reconoció que la vida le dio “muchos regalos. Tuve más luces que sombras, aunque los fracasos sirven para darte cuenta que tenés que perseverar y seguir el camino que te trazaste”... “La palabra que más me gusta es libertad, y las mujeres son libres, pero esa libertad tiene que ser comprometida y responsable”.

Leonor Benedetto

Cerró el Living con la lectura de cartas de mujeres que hicieron historia: Alicia Moreau de Justo. Victoria Ocampo, Eva Duarte, Victoria “La peñalosa” Romero y Amelia Earhart. “Este día tuvo un comienzo desgraciado, pero entendimos que pedir derechos es asumir responsabilidades”... “El poder que ahora tenemos no lo usemos como revancha, sino para construir”.

Mujeres

"¡Pan y rosas!" era su consigna. Con aquel grito marchaban las mujeres a finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Mujeres que luchaban por sus derechos laborales, exigían el sufragio femenino y se manifestaban contra la guerra. Mujeres que dejaban la vida en ello: 146 trabajadoras murieron el 25 de marzo de 1911 en un incendio que destruyó una fábrica de Nueva York en la que trabajaban en condiciones inhumanas. Había movimientos feministas en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. A ellas, y a las mujeres que día a día trabajan por nuevos derechos, defienden los conquistados y luchan contra las leyes que las discriminan se las recuerda y festeja este mes de marzo.
La Plata será centro de varios actos. Uno, arranca hoy, Día Internacional de la Mujer, y será un festival que lleva el nombre de Mujer y Música, que Verónica Condomí abrirá en el Centro Cultural Islas Malvinas (19 y 51). Y continuará todos los domingos de marzo, con la presencia de Mariana Baraj, el 15; Silvia Gómez, el 22, y la agrupación Fulanas Trío, el 29.
"Vengo a decirles que en los rincones más recónditos del planeta están cantando las mujeres con voz de pueblo escarmentado y se supone que vociferan para morir un poco menos", recita Verónica Condomí a María Elena Walsh. Y la recita porque siente que así resume el espíritu con que llega a La Plata, para apropiarse un poco más de la fecha que se conmemora en todo el planeta, para contar y evocar a las mujeres que luchan.
–¿Será un espectáculo diferente?
–Creo que sí. Como es en un marco muy particular, pensé que debía ir sola, no con toda la banda. Elegí eso, cantar con una amiga y mostrar muchos temas con diferentes instrumentos.
–Entonces, es de suponer que el repertorio también será particular.
–Si. Voy a presentar muchas cosas mías y composiciones que hablan sobre la mujer. Voy a aprovechar para desplegar mi mundo creativo. Cantaré algunas coplas y otras cositas.
–¿Qué significado tiene la fecha?
–Creo que, como en todos los procesos, nos adueñamos de una fecha que cada vez tiene más presencia. La mujer tiene el poder de dignificar la vida, haga lo que haga, sea artista, trabajadora o ama de casa, su impulso es hacia la dignidad.
Acompañada con su guitarra, el charango o la percusión, Condomí abrirá una serie de conciertos en los que las invitadas recorrerán el cancionero popular argentino. La cita es hoy, a las 20, en el Patio del Centro Cultural Islas Malvinas, con entrada libre y gratuita.

De tomates y mandarinas

Las bandas del sello independiente platense Mandarinas Récords se suben a la segunda fecha del La Plata Long Play en El Teatro (43 e/7 y 8). Sr. Tomate! y La patrulla espacial tocarán con Prieto viaja al cosmos con Mariano, una banda porteña que todos creen que se formó en La Plata. “Estamos re contentos porque es nuestra primera fecha del año en La Plata y porque nos encanta tocar en un lugar grande y con buen sonido”, contó Poli, voz y guitarra acústica de Sr. Tomate! Y adelantó: “vamos a presentar temas nuevos, que grabamos en un disco que compartimos con Shaman y con Prieto; además de un par de temas de lo que será el próximo disco de la banda”.
También Tomás, de La patrulla… confirmó la alegría de su banda por la realización del evento.
-¿Están contentos?
- ¡Si! ¡De una! Además, nos gustan las dos bandas.
El festival comenzó el último viernes con Reno y los castores cósmicos, Shaman y los hombres en llamas, 107 faunos y El mató a un policía motorizado, que cerró una noche de sets impecables con un centenar de fanáticos bailando al pie del escenario del primer al último acorde.
Todas las bandas que participan del evento viven un gran momento de reconocimiento y no desaprovechan ninguna oportunidad para tocar en vivo. La patrulla recién llega de tocar en enero en Comodoro Rivadavia, Pico Truncado y Playa Unión. Sr. Tomate!, en tanto, arrancó el fin de semana pasado en Buenos Aires, hoy tocan en La Plata y mañana lo hacen en Zaguán sur (Moreno 2320) otra vez en Buenos Aires, con los también platenses El Perrodiablo. “Estamos laburando un montón, estamos re pilas. No sé lo que pasó”, se sorprende Poli.
Para la organización del festival, las fechas se dividieron por sellos. Arrancó Laptra, sigue Mandarinas y cierra Cala, el sello de Norma y Mostruo, cuya fecha recién podrá concretarse el viernes 27.
Aunque Sr. Tomate graba con el sello Cloe, sube al escenario con Mandarinas porque su disco también está disponible para bajar en la marca que creó Tomás (http://www.mandarinasrecords.com.ar/) con “la idea de difundir los trabajos y de que el disco llegue a todos lados. Según las estadísticas, gente de todo el mundo baja discos de Mandarinas. Hay bajadas de países de los que ni siquiera conozco sus banderas. Debe ser algún argentino perdido por allá”, especuló.
Para Poli el festival está buenísimo “y estaría buenísimo que fuera el primero. Que haya más en el que suenen más bandas, para que todos puedan tocar con un sonido copado en un lugar con buena acústica. Estaría bueno que fuera un comienzo”.
INDEPENDIENTES. Por ahora, estas bandas del rock platense crecen de manera independiente. Los sellos y la página que tiene cada grupo sirven para que los conozcan en todos lados. Poli contó que cuando crearon Cloe discos pensaron en juntarse para difundir el material propio y que empezara a funcionar una suerte de retroalimentación con las demás bandas. “Por Internet nos conocieron en México y nos invitaron a tocar en Guadalajara. No fuimos porque no teníamos cómo financiarnos, pero está re bueno participar de los sellos virtuales para hacer difusión de tu banda y compartir con otras bandas”, contó.
En el caso de Sr. Tomate!, además, cuelgan en su página hasta las tapas de los discos, troquelados que se puede imprimir para que el CD pueda guardarse en su caja con los datos mínimos del disco. “Descargate el disco + la tapa con el troquel para poder armártelo. Además te damos el archivo con el logotipo original para que te armes tu propio diseño de tapa y lo envíes a seranatecielo@gmail.com, así la subimos a la web”, invitan.
“Nos gusta tener una imagen, por eso hacemos el troquelado. Para nosotros es tan importante como ir a ensayar. No sólo hacemos música. Además, nosotros siempre hicimos las cosas de manera independiente. Como millones de bandas en el mundo. Así estamos joya”. Todo dicho.


RECUADROS
Los tomates
Poli, la cantante de Sr. Tomate! es una platense nacida en un pequeño pueblo llamado Oriente, en Tres Arroyos, y trasplantada a la capital provincial en edad universitaria. “Viene a estudiar, pero era una excusa. En realidad era ´me voy a la mierda´”, reveló.
En La Plata, empezó a estudiar Bellas Artes y a vincularse con gente que hacía de todo: “Me hice cargo de lo que tenía que hacer. ¡La música me hace feliz!”.
Además de Poli en voz y guitarra acústica, forman Sr. Tomate! Edu en batería, percusión y mandolina; Ale en voces, teclado, melódica y trompeta. Piter en armónica y voces; Marce en bajo y Shaman en guitarra eléctrica y voces.
Los espaciales
La patrulla… fue un quinteto formado por Tomás, Werner, Lucas Borthiry, Tulio Simeoni y Shaman Herrera, quien dejó la banda a principio de este año, cansado de fracasar en sus intentos por que su guitarra acústica suene entre las eléctricas, los bombos altos de la batería y el bajo a full. Y ahora, La Patrulla… es un cuarteto.
Tres son de Comodoro Rivadavia y uno (Lucas) de Tierra del Fuego.
Llegaron a La Plata para estudiar. “Somos de la Patagonia, pero las cosas se dieron acá. O sea, La patrulla nació acá con gente que se conocía del sur. Acá hay un público que escucha, que entiende y que ha visto muchas bandas buenas. Es un lugar mas abierto”, explicó Tomás.

Se fue una gloria del teatro platense

Febrero se fue y se llevó a Leopoldo “Polo” Lofeudo. El creador y director del grupo del “Teatro de Rehabilitación” del Neuropsiquiátrico de Melchor Romero murió el 22 de febrero. Tenía 77 años y se preguntaba: “si yo me voy ¿qué va a hacer esta gente?”.

Lofeudo fue un referente del teatro independiente. Comenzó como actor en el '50 en la compañía Hispano-Argentina y en la Escuela de Arte Dramático. En el ´83 se hizo cargo del teatro del hospital, un edificio construido en 1884 en el que Alejandro Korn, proyectaba películas mudas y ponía en escena obras para los internos y empleados.

Durante los últimos 25 años, Polo hizo muchas puestas en escena con el trabajo de los pacientes. Obtuvo tres veces el premio municipal Pepino el 88. Y llevó grupos de internos actores a Chascomús, Magdalena y al Coliseo Podestá, entre otros.

En tantos años, puso en escena obras como “El sueño inolvidable”, “Viejo hospital, el siglo te saluda”, “Aroma a cielo”, “Chicago Night Club” y “Estación de campaña”. Para 2009, Polo pensaba volver a los escenarios con “El Loco Ataca”.

“No quiero el aplauso dadivoso, pobrecito mirá cómo actúa. No. Acá trabajamos para ofrecer el mejor espectáculo posible, algo de calidad en serio”, le dijo en una de sus últimas entrevistas, a la revista La Pulseada.

La encarnación

La obra La Encarnación, de Febe Chaves, dirigida por Norberto Barruti y protagonizada por Graciela Sautel y Bettina Giorno abrió la temporada de verano en el Teatro de la UNLP y se anuncia para todos los sábados de marzo a las 21.30.

Nacida para el programa El teatro y la historia, La encarnación es un melodrama con temática histórica que atrapa al espectador por mostrar la relación entre una madre moribunda y su hija: Encarnación Ezcurra y Manuela Rosas, definidas además por el esposo y padre ausente, Juan Manuel de Rosas."Son dos personajes de la historia, pero lo importante es la condición humana", contó Giorno, quien encarna a Manuela Rosas.

Barrutti, Sautel y Giorno formaron una cooperativa para poder presentar la obra más allá de lo que significó la puesta en escena para El teatro y la historia, una idea que puso en marcha Lito Cruz para la Municipalidad de La Plata y luego tomó el Instituto Cultural. "El proyecto está bien pensado –contó la actriz– porque primero se llamó a once dramaturgos, después a once directores y más tarde a los elencos. En mi caso, no conocía ni a mi compañera de elenco. Y se dio la química con Graciela y con Barruti".

El trío, además, trabajó con la autora, quien presenció los ensayos y accedió a acomodar escenas, cambiar diálogos y acondicionar poesías. "Algunos textos que están en la obra no estaban en el original. Fue un proceso constructivo", reveló la actriz.

Como las demás obras del ciclo, La encarnación se presentó en 22 días consecutivos en 2007. A la mañana o a la tarde en escuelas y los fines de semana para adultos, rotando por todas las salas de La Plata. La última presentación del ciclo fue en el Coliseo Podestá. Luego, siguió como cooperativa en el teatro de la UNLP.

El año pasado fue contratada por el Instituto Cultural, que la sacó de gira de verano por las bibliotecas del interior. Luego, volvió al Teatro de la UNLP y fue presentada como radioteatro en Radio Provincia. Hay aún pendiente una idea de llevarla a corto para cine o televisión. Y mientras tanto volvió el 14 de febrero para inaugurar la temporada teatral del año.

"La obra tiene textos muy poéticos –dijo la actriz–, y dan ganas de saber más de las protagonistas y de Rosas, aunque lo más fuerte en el momento de verla es el vínculo materno. Se trata de dos pobres mujeres. Por momentos te posicionás por una y por momentos por la otra, pero está presente el desamor de la madre hacia su hija y la competencia por el amor del padre".

La Plata Long Play

Se dice de ellos que son divos peores que las chicas que bailan por un sueño. Que hay rivalidad entre las bandas y, sobre todo, entre los sellos. Que pagan las notas con... ¿ groupies?... ¿drogas?... Sin embargo, algunos se juntaron tras una buena idea y se largaron a realizar el primer La Plata Long Play. El festival, que incluye a bandas de los sellos Laptra, Mandarinas Récord y Cala discos, comienza esta noche con Reno y los castores cósmicos, Shaman y los hombres en llamas, 107 faunos y El mató a un policía motorizado. A la apertura de las bandas del sello Laptra le seguirá una fecha de Mandarinas Récord, el viernes 6 de marzo, con Prietto viaja al cosmos con Mariano, La Patrulla Espacial y Sr. Tomate! Y el 27 de marzo con la fecha de Cala Discos, con Villelisa, Mostruo! y Norma. Parece que el rock platense se planta con firmeza y a la pregunta ¿hay rivalidad entre las bandas? le responde con un ¡nada de eso! Son pendejadas de andá a saber quién ¡Una campaña de versus que debería acabar ya!

Lo cierto es que esta noche en El Teatro (43 entre 7 y 8) el rock de La Plata, celebrado últimamente por el suplemento de espectáculos de Clarín, concretará un evento particular que cerrará El Mató… la banda independiente más festejada de los últimos años, tapa de la revista Inrockuptibles de diciembre.
Santiago Barrionuevo, Santiago Motorizado, bajo y voz de El mató… contó a Diagonales que la idea vino gestándose desde hace un tiempo de manera independiente entre los tres sellos que participan del evento, aunque terminó de cerrar en el festival gracias a la organización de Maxi Zurita, de Radio Universidad.
Recién llegados de una gira que los llevó por Pico Truncado, Comodoro Rivadavia, General Roca, Bariloche y Trenque Lauquen, los motorizados están entusiasmados con la posibilidad de tocar en El Teatro, experiencia que ya tuvieron en diciembre pasado.
“Nos habían advertido que el lugar sonaba mal, pero nosotros tocamos ahí hace poco y sonamos bien. Lo que ocurre es que hay que trabajar con el sonidista del lugar, con la consola que usa siempre, porque conoce cómo hacer para que la banda suene bien”, describió.
Las bandas querían, además, tocar en el centro. “Lo malo del lugar es cuando tiene muchos eventos. Nosotros tocamos en una fecha triple, que arrancó con Banana Pueyrredón, después había un espectáculo de café concert y más tarde tocamos nosotros. Nos dieron el lugar a cualquier hora”, recordó Santiago.
La banda vive hoy un momento de gran reconocimiento. El cantante contó que el grupo está feliz como está y no aspira, al menos por el momento, a subirse a ningún sello nacional. “Uno hace algo para otro. Y está buenísimo que haya una respuesta. Es lo que desea cualquier artista. Eso te ayuda y te da seguridad a la hora de crear, pero nos gusta la forma independiente de producir. Obvio que quisiéramos grabar en un estudio mejor y que los shows fueran rentables, pero nos gusta así. Tocamos en algunos festivales en los que están las bandas del momento. Nos invitan y vamos, pero nosotros tenemos nuestros tiempos, elegimos nuestras tapas. Debe tener cosas buenas pertenecer a una compañía, pero nos sentimos cómodos como estamos y la calidad con la que sonamos ahora”. Todo dicho.

Él Mató... subirá al escenario de El Teatro después de la 1 de la madrugada

Rock en La Plata

Los periodistas especializados analizan lo que se viene y lo comparan con lo que fue

El año comenzó con todo para el rock platense y hay promesas de altas dosis de rock and roll. Los sellos locales Laptra, Mandarinas Records y Cala Discos inician el 2009 con un festival bautizado La Plata Long Play. Además, hay otros sellos como Caracol Rojo y Cloe Discos que buscan imponer otro grupo de bandas nuevas y hay emprendimientos por donde se mire. El jueves Crema del Cielo tocó en El bar Imperio y Billordo se presentó el sábado en Pura Vida. Mostruo!, 107 Faunos y Trilce llenaron ese día el recuperado Galpón de Tolosa. Y entre las bandas que ya dieron el salto, Estelares está grabando su quinto disco, anunciado para marzo o abril.¿Se viene un gran año para el rock platense? Damián García Toro, del blog Condición extraños; Franco Ruiz, de Cortando Diagonales; Juan Barberis, director de De Garage y conductor de Infierno Grande, en Radio Universidad; y Federico Valenti, de La Revista de Hank, aventuraron una respuesta.“Me sorprendió la actividad rockera que hubo durante todo el verano en general”, reconoció García Toro. Y aseguró: “Habitualmente se asume que los meses de enero y febrero implican un parate de las actividades tanto de las bandas como de los lugares habituales donde se presentan. Sin embargo el verano 09 vino bastante movidito en este rubro y estimo que eso fue positivo para la movida en general al otorgarle un mínimo de continuidad”.Pese a su primera lectura favorable, García Toro no se ilusiona. “Es cierto que se abre un panorama más auspicioso para el año que comienza -reconoció-, pero pecaría de sobreoptimismo si pensara que estos dos fines de semana de febrero van a establecer un parámetro decisivo de lo que va a ser el rock platense durante 2009. Es por eso que entiendo que sería muy prematuro abrir algún tipo de juicio al respecto. Que es positivo, eso es seguro, pero tampoco empecemos a vender la piel antes de haber cazado el oso”.Para Ruiz, 2009 “va a ser un buen año”. El periodista, conocido como uno de los más polémicos del ambiente, aclaró: “si el año es bueno no será porque Norma y El Mató salgan en Clarín, presentados como ´novedad´ -cuando en verdad vienen tocando desde 2002-; no porque Estelares edite su quinto disco, que va a ser idéntico al tercero y al cuarto, sino porque va a haber un gran sinceramiento, y los grupos que realza hoy la prensa roquera porteña van a pasar a ocupar un lugar más criterioso, y otros que hoy están menospreciados, van a tener su justo reconocimiento, como Bicho Bolita, Pablo Vidal, La Secta, Elvin Blues, Saturno, Falso Primer Ministro, 107 Faunos, Soundblazter que despuntan, y merecerían un espacio en los medios.Barberis, en tanto, cree que 2009 será “un año interesante”. El director de De Garage confía en que nuevas tendencias se comenzarán a sonar este año. “El 2008 tuvo protagonistas muy marcados y sellos independientes que acapararon la atención de los medios nacionales (Laptra, Cala…), casi como representando lo que pasa en el rock local. Pero hay muchas bandas que no se sienten cercanas a ese sonido y a esa estética, y que están juntando fuerzas para hacerse un lugar. Ya pasó a fines del año pasado con Caracol Rojo (sello que nuclear a interesantísimas bandas como Milica, Gran Cuervo, Rauko, Astro City, etc.); grupos de los que se sabe poco, y son tan platenses y talentosos como las que sí salen en los medios. Ahora La Ira del Manso esta armando un sello o algo parecido, y parece ser que es la tendencia: tratar de mostrar que el rock platense es mucho más amplio, variado y rico de lo que realmente se muestra. Eso sería muy sano para todos, porque la ciudad es chica y nos conocemos demasiado”.Para Valenti “el 2008 sin duda fue el año del rock platense, más que nada del sector al que comúnmente se llama ´indie rock´”.El director de la revista de Hank aseguró que “el romance con la prensa continúa y es bien merecido, por la elevada producción que realiza nuestra ciudad. Me animaré a hacer futurología y decir que seguirá creciendo el fenómeno, pero como suele suceder con todo lo trascendente, habrá un contrafrente y una gran oposición a la crecida de esta corriente, que ya puede vislumbrarse desde numerosos blogs. El contrafrente estará comandado por quienes queden afuera, y esperemos agite las aguas para producir resultados positivos”. Y agregó que “el rock platense podrá afirmarse: la generación del ´80 abandonó la adolescencia, se profesionalizó y ahora esta demostrando lo que sabe. Estos son sus años. Bueno seria que la siguiente generación comenzara a producir más significativamente, pero al parecer orientó sus gustos a otras cosas… por su parte, los más rebeldes gustan del metal, que esta volviendo en nuevas formas”.

Nota secundaria

09 no es lo mismo que 90

Quienes deambularon por la noche platense durante los ´90 sabían que todos los fines de semana había un concierto para ver. Y este año arranca con tanta energía que parece repetirse aquello, cuando el público iba de Ultrabar (en 16 y 51) a El Tinto (10 y 49) y trataba de hacerse un tiempo para correr a ver a los que tocaban en El Bar (7 y 47)... O se agendaba los grupos que tocarían en El Playón de la Municipalidad.En aquellos años gloriosos, las bandas nuevas sonaban en vivo en La Plata. Tocaban Suarez, Carca o los Babasónicos. Aparecían en la ciudad Los Peligrosos Gorriones, Estelares y Mister América, entre muchos otros. ¿Se podrá repetir aquello?“Creo que nos encontramos con un problema de contexto. Los primeros noventas fueron un período bastante particular en el sentido que aparte del movimiento generado por las bandas y los locales mencionados -que, dicho sea de paso, los extraño horrores-, había un público para el rock. Y aquí nos encontramos con la piedra angular del asunto. Hoy en día el rock platense no tiene un público masivo a quien llegar con su arte”, aseguró Damián García Toro. Y agregó que “en los primeros noventas el rock estaba in, y muchos adolescentes consumían rock, desde Bon Jovi a Nirvana, pero por sobre todas las cosas el fenómeno Guns´n´Roses, y eso hoy en día no es así. Hoy el gusto musical masivo del potencial consumidor pasa por otro lado y ser rocker hoy en día ya no es cool, o lo que es peor, si lo es pero dentro de uno de los tantos ghettos que zonifican la actividad. Así que, más allá de que haya algún fin de semana se superpongan propuestas rockeras en La Plata, ese dorado período de los ´90 está enterrado en el recuerdo de los que lo vivimos”.Para Juan Barberis, el año debería ser de ruptura dentro de la movida local. “Hay que tener en cuenta que en La Plata hay vida más allá del Favero o Pura Vida. Si uno no abre el juego puede tornarse todo demasiado acotado, monótono y aburrido. Pero las opciones están. La ciudad tiene variedad de géneros, de propuestas, de públicos, y eso todavía no es demasiado iluminado por los medios”, afirmó.Franco Ruiz fue contundente: “Los noventas no se van a repetir, sencillamente porque la historia no va para atrás, y cada época es distinta. Si la pregunta apunta a la movida, creo que hoy hay más propuestas que antes. Si son mejores o peores, es un debate muy largo para abordar en pocas líneas y quizás no tenga una respuesta unívoca. Sólo para perturbar al lector, pregunto: ¿Norma y El Mató son mejores que Peligrosos Gorriones y Estelares? ¿Peligrosos y Estelares son mejores que Virus y Los Redondos?”.Para Federico Valenti, en tanto, “el fenómeno actual es puramente local. Pareciera que no hacen falta las bandas de afuera, que solos podemos. El eterno retorno sucede, pero el circulo empieza en los sesentas, en la época de la Cofradía, cuando había comunidad entre nosotros y la gente del resto de la provincia venia a ver bandas a La Plata. Igual, no hay tantas opciones en un fin de semana, esto solo se ve a principios de año”.

Foto: La ira del manso (web)

¡El culto al reviente ya fue!

Diego Billordo, de vuelta en La Plata
“¡La droga ya fue! El culto del rock al reviente es re antiguo, caducó”
El músico, que gira por el país mientras graba un disco, toca el sábado en Pura Vida

Diego Billordo fue un pibe al que le gustaban los recitales y ahora es un tipo que quiere darlos. Tuvo su banda y luego le dio por el proyecto solista. Post Cromañón la cosa se le puso difícil para tocar en Buenos Aires y decidió salir a rodar por ahí. A los 32 años y próximo a cumplir los ocho en solitario, el músico platense ya lleva siete giras por el país. Una vez durmió en el pelotero del pueblo y otra en la plaza, todo para poder presentarse en vivo. Este verano, además de recorrer el sur, comenzó a trabajar en un proyecto que terminará en 2010 con un disco en el que cada canción habrá sido grabada en una ciudad diferente.
Su gira de verano 2009 arrancó en La Pampa, pasó por Río Negro, bajó hasta Chubut, volvió a Río Negro y pasó por Punta Alta, donde tocó en un club social habilitado por la municipalidad para festejar un cumpleaños en horario matiné. Después, volvió a Buenos Aires y viajó a La Plata para organizar el concierto que el sábado dará en Pura Vida (8 y 61), junto a Tranquilo Enano y Trizeto Funkino Pepuza.
UNA HISTORIA. El proyecto solista de Billordo tiene fecha de nacimiento. Fue el 8 de marzo de 2001, con un show, como no podía ser de otra manera. “Fue en un bar que se llamaba Fin del mundo y ahora es una heladería. Me había juntado con amigos a tocar en un momento en el que me llamaban de varios lugares y… bueno… salió. Esa noche me vino a ver el Mosca, de Dos minutos. Para mi fue un día muy importante”, recordó.
A los pocos días, Billordo se presentó en La Plata y a esas ciudades les sumó Rosario, donde comenzaba a hacerse conocido. Sin embargo, a finales de 2004 iba a producirse la tragedia de Cromañón y tocar en vivo iba a convertirse en un imposible: los bares rockeros, imposibilitados de cumplir con las exigencias de seguridad, se convertían en heladerías.
“Los festivales están buenos. Yo no toco en ninguno, pero tienen escenario, sonido y público, están buenísimos, pero no puede ser que con 40 años de rock en Argentina no haya más de 10 lugares para tocar en vivo. En Buenos Aires pueden ser Niceto, el ND Ateneo, La trastienda, pero son muy caros. En La Plata sólo hay dos o tres. Y además los pibes prefieren juntar plata para ir a ver a Radiohead, y los entiendo. Entonces, me di cuenta que había gente en el interior que me escuchaba. Había gente que se conectaba conmigo y quería verme en vivo. Y supe que tenía que ir a tocar para ellos. Hoy tengo cuatro (cuentas de) messenger´s con más de mil contactos cada una”, festejó.
Músico, manager y productor de sus propios trabajos, Billordo también produjo espectáculos para otras bandas, en especial les dio la posibilidad de tocar en La Plata. “Hay bandas que creen que el rock es tocar de soporte en un estadio, salir en MTV o en la Rolling Stone y agarrarse una tetona. Se olvidan que fueron público. Para ellos, ir a tocar a La Plata es como ir al Lejano Oeste”, se quejó. Y agregó: “Hay rockeros que viven el reviente como si estuvieran en los ´70 o los ´80. Hacen un culto a la droga como si estuvieran en los ´70 o los ´80 ¿Qué es eso? Es re antiguo, caducó ¡La droga ya fue!”.
Billordo no se olvida del pibe que fue. Aquel que iba a Cemento y preguntaba todo. Y entonces se ideó un plan para salir de gira. Una vez establecido el contacto, manda 300 afiches, diez o doce discos y algunas instrucciones simples: hay que empapelar la ciudad, lograr que las radios de la ciudad –incluso las que pasan cumbia- pongan algún tema de su disco y que el diario local haga una nota anunciando el evento. Hubo bares que abrieron un lunes, sólo porque él llegaba para tocar. Son cosas que le quedaron de su curiosidad adolescente y su paso por la Facultad de Periodismo platense, a la que aún le adeuda –y le adeudará- tres o cuatro materias y la tesis.
INTERIOR VS CAPITAL. Buenos Aires es una locura. Según Billordo cualquier esquina es como 7 y 50 los viernes a la tarde, pero todo el tiempo. Grabar un disco es tensionante y alquilar una sala resulta muy caro. “Es estresante. Para los discos anteriores alquilé entre 7 y 15 días de sala. Pero los que grabaron mis primeros discos ahora salen caro. Y es difícil que un técnico que trabaja para un disco independiente se ponga la camiseta. Por eso me fui a Bariloche y voy a recorrer el país. Ya casi todos tienen los mismos equipos que tienen en un estudio de capital ¡Pero en Bariloche grabé a cien metros del lago Nahuel Huapi! Tranquilo, sin mala energía, sin envida. Me tocaban la puerta para preguntarme si quería comer un pedazo de torta o para darme un mate”, describió.
“Me dan bola en el interior. Entonces, voy al interior”, reconoció. Y así es que gira con tres ó cuatro acompañantes, con una banda que funciona como el trío tradicional de guitarra, bajo y batería. “Aunque en el disco hay teclados y también un chelo y algunas máquinas, la base sigue siendo un trío rockero –contó-. En vivo somos eso. No podemos pagar más, hay que hacerse cargo del viaje, la comida y la estadía. A veces salimos en una combi y otras veces en micro de línea. Estar conmigo es poner corazón, porque le deben pagar más al que le alcanza el agua al Indio Solari que al que toca la batería conmigo”.

RECUADRO
Osvaldo
Para poder llevar adelante su proyecto, Billordo ha trabajado de cualquier cosa. Aunque hace un año y medio que puede vivir sólo de tocar y como DJ, antes fue pintor y actor, con gran repercusión cuando hizo la publicidad Osvaldo, de la cervecería Quilmes. Además, fue che pibe de una distribuidora de discos, lo que le permitió conocer muchas disquerías.
Billordo dice: “conmigo no tendría que haber pasado nada. Sueno raro, canto raro, no inventé la pólvora. Pero salió. Salió así. Soy mi manager, mi prensa y hasta asesoro a otras bandas. No sé hacer un tema como Spinetta, pero me manejo”.
Así como está, le gusta. “La fama no me cabe. Un poco más me vendría bien, pero no quiero dejar de ser una persona. Quiero poder tomar el subte, quiero ir en carpa a Villa Gessel”, aseguró.

Trabajos
Billordo tiene tres discos solista. Low-fidelity (2002), Amor es capital (2004) y A full, que es su frase de cabecera, porque siembre vive a full, y un pequeño texto que viene a funcionar como una llamada en un asterisco: “Hagamos de esto una leyenda”. Aunque fue editado en 2007, recién pudo ser distribuido en 2008, por lo que esa es la fecha que el músico prefiere para darle certificado de nacimiento.
A full es el disco que está presentando ahora, mientras piensa en el proyecto del nuevo disco, para 2010 o 2011. En la valija lleva una canción que grabó en Bariloche, a cien metros del Nahuel Huapi, y pronto cargará otra que grabará en las sierras cordobesas. El proyecto cuenta también con un tema grabado en la “República separatista de Balvanera”, que será el único porteño.

Enero en La Plata

En enero no queda nadie en La Plata. Y los pocos que se quedan se quedan guardados, escondidos, sólo por no salir solos, a aburrirse. Hay lugares libres para estacionar en el centro y… en fin, hay quien cree que la ciudad es un paraíso y quien la ve como una ciudad fantasma, abandonada no por el fracaso de la actividad económica que la sostenía ni por desastres naturales, sino, todo lo contrario, por las merecidas vacaciones y el éxodo hacia la playa o la montaña. Hay receso en el gobierno y los Tribunales están cerrados. No hay fútbol. Así es La Plata en enero según el imaginario popular: un lugar vacío. Tampoco hay teatro: sólo Los Muñocos, para niños, en Plaza Moreno. Apenas dos visitas musicales, Juan Falú y el Beto Caletti Trío. Y alguna que otra propuesta local en el bar Pura Vida o en Mulata. Mientras que febrero arranca a full, con actividades entre semana, viernes, sábados y domingos, "enero es un mes que no se programa", reconocieron los programadores locales de los entes estatales a Diagonales.
-Esa es la verdad, enero es un mes que no se programa-, explicó Iván Maidana, secretario de Cultura municipal.
-¿El año pasado fue igual?
-Arrancamos un poco antes. Tal vez haya tenido que ver que era nuestro primer verano y recién empezábamos la gestión.
-¿Qué hicieron?
-Empezamos en la segunda quincena de enero con el ciclo de cine en las plazas, que este año arranca en unos días.
-Con qué tiene que ver la falta de programación de los veranos.
-Por un lado con que se iban todos. Es algo histórico en la ciudad. Y por otro lado, teníamos la necesidad de acomodar las salas, los espacios. Utilizamos nuestra temporada baja para resolver cuestiones estructurales. Problemas edilicios que si bien no eran graves teníamos que solucionar. Durante la segunda quincena de enero trabajamos en la organización de los espectáculos que se presentarán en febrero.
-Ya febrero arranca con todo...
-Si. El lunes abre el Espacio Inca con la presencia de Leonardo Fabio y la presentación de Aniceto. Además, mañana (por hoy) empieza el ciclo "Verano para ver y escuchar", con el que llevamos cine y música a los museos.
Maidana se tomó unos días de vacaciones en enero, pero hasta el 10 estuvo en la ciudad, por lo que pudo observar que se quedó algo más de gente que lo habitual.
-Antes la clase media vacacionaba una quincena o todo un mes, pero ahora las vacaciones son de tres o cuatro días. Tal vez la ciudad fantasma de enero sea sólo un mito.
-Es cierto. Es probable que tengamos que programar algo en enero. Tomar, de alguna manera, los espacios públicos.
El otro organismo del estado que tiene una gran presencia en la ciudad es el Instituto Cultural de la Provincia. Siro Colli, director artístico de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires.
-En nuestro caso, fue una decisión propia unificar las vacaciones en enero-, aclaró.
-¿Por qué?
-Es la tradición. Históricamente, la ciudad queda vacía en enero, aunque este año hubo mucha gente que se quedó.
-La actividad durante primera quincena parecía normal
-Antes no había nadie en ningún lado. Suspender las actividades parece algo natural, pero será así hasta que la realidad lo modifique.
-Tampoco hubo oferta de los grupos independientes.
-Es que, los que en otros años intentaron hacer algo no tuvieron suerte. Entonces, los teatristas aprovechan enero para pintar las salas o hacer algunos arreglos.
-Y qué es lo primero que se viene.
-Arrancamos con un festival de teatro infantil y uno de títeres, el 10 de febrero.

RECUADROS
En el Teatro Argentino
Aunque no debía haber nadie, porque están todos de vacaciones hasta el 3 de febrero, alguien atendió el teléfono cuando Diagonales llamó al Teatro Argentino. "Los teatros líricos de todo el mundo tienen un mes de vacaciones", dijo la voz. Y agregó: "toda la vida fue así".
La decisión de cerrar el teatro durante el mes de enero es histórica y forma parte de una tradición. Incluso cuando el Teatro del Lago funcionó como su apéndice, y pese a que estaba construido para que sostuviera las presentaciones veraniegas, nunca funcionó durante el mes de enero.
La ley artística, que es la número 12.268, no menciona en ninguno de sus artículos el tema de las vacaciones, ni obliga al receso mensual. Los cuerpos artísticos, auxiliares, técnicos, profesionales y de mantenimiento y servicios retomarán las actividades el 3 de febrero.
Aunque la apertura de la sala será con la presencia del catalán Joan Manuel Serrat, a fin de mes, las producciones propias comenzarán a presentarse en abril.

Los Visitantes
Juan Falú y Beto Caletti Trío (Caletti + Marcos Archetti y Diego Alejandro) fueron los únicos artistas de trayectoria nacional que visitaron la ciudad durante el mes de enero. Ambos se presentaron en Ciudad Vieja, en 17 y 71. El guitarrista de folclore llenó el bar el 17 de enero. Beto Caletti, en tanto, tuvo un bar estuvo casi lleno, con algo más del 70 por ciento de sus mesas ocupadas.

Las fijas
Los grupos de covers fueron una de las alternativa durante los fines de semana de enero. Aunque sólo abrió los fines de semana, Hemisferio presentó shows de Cocktail covers band, Los Manolos y el Tango Criollo Club. En Mirapampa, en tanto, se presentaron La Mandragora, Los Calamares, Generacion X, Serrat Como Serrat, Todos Menos Tu e Insert Coint.

Humor for export

La verdad sea dicha ya en estas primeras líneas: no están pasando un verano panza arriba, tirados sobre una lonita, ni saltando el oleaje allá lejos en el mar, detrás de la rompiente, aunque siempre pueden aprovechar alguna mañana para hacerse una escapada a la playa. Y jugar a la paleta un ratito. “Nuestro trabajo empieza a la tardecita”, aclara a Diagonales Diego Cremonesi, más conocido como “Paco Rimenver”, el guitarrista del famoso conjunto artístico musical surgido en La Plata con el nombre de Rimenver y que en este mes de enero conmovió con sus interpretaciones al público marplatense y de Villa Gesell.
“Estamos muy contentos porque viene mucha gente a vernos y la respuesta es muy buena”, explicó el actor, luego de la playa y antes de salir a hacer una entrevista con Juan Alberto Badía en Villa Gesell.
Los Rimenver estuvieron todo el mes en la costa. Hicieron base en Mar del Plata, donde aún les quedan tres funciones que harán esta semana: 26, 27 y 28 en la Sala Jorge Laureti del Teatro Auditorium, ubicada en el Centro Comercial del Puerto. Pero también estuvieron en Villa Gesell. Y siempre que les quedaron unos días libres se volvieron a La Plata.
-Dónde paran en Mar del Plata.
-Alquilamos un monoambiente.
-¿Y se llevan bien?
-¡Si! Ya hace mucho tiempos que nos conocemos -aclaró el actor.
Los viajes a La Plata son para concentrarse en lo que será el próximo espectáculo del grupo, que se tomará el mes de febrero para poner a punto la nueva obra, de la que todavía no se animan a adelantar nada. "Es que lo nuestro es una creación colectiva, tenemos algunas bases, pero todos aportamos a todos y vamos organizando el espectáculo juntos", justificó Cremonesi.
Con Rimenver - in concert, el cuarteto creó un espectáculo musical, teatral y humorístico que, a partir de una sátira, muestran a una familia de artistas que alguna vez tuvo éxito como compositores de lo que ellos llaman "shingles", boleros, valses, baladas, tangos y hasta temas de iglesia.
Ahora, se juntan a improvisar, a charlar y ver qué cosas nuevas aparecen, más allá de los roles.
“Lo nuestro es cooperativo. Todo en colectivo. Y también creamos en colectivo. Todos proponemos y todos decidimos”, contó el actor.
Mientras están en Mar del Plata, las actividades empiezan a la tarde, por lo que algunas veces pueden ir a la playa.
-¿Son de ir a la playa?
-Si. Justo el jueves fuimos los cuatro. Dos sombrillas, dos juegos de paleta, dos mates -enumeró.
-Ah bueno, entonces la pasan bien juntos.
-Ya son seis años. Nos conocemos mucho.
-¿Qué hicieron?
-Jugamos a la paleta y Anahí tuvo que pelearse con unos chicos que se pusieron a jugar a la pelota arriba de la canchita que habíamos armado nosotros.
-Es que a Mar del Plata va mucha gente.
-Me encanta Mar del Plata para trabajar. Es una plaza buenísima. Pero para descansar prefiero un lugar más tranquilo. Y creo que el resto opina igual, porque esto es como Buenos Aires y todos preferimos un lugar más agreste, más tranquilo. Además, no es que nosotros estemos re turistas. Vinimos a trabajar.
-¿Qué días son las funciones?
-En el teatro tenemos lunes, martes y miércoles, a las 23. Algún jueves estuvimos en Villa Gesell. Y también hicimos promociones y alguna fiesta privada, pero si no trabajamos nos volvemos a La Plata. Preferíamos estar en casa.
En La Plata uno sufre por el León y los otros por el Lobo, aunque parece que sólo Cremonesi es futbolero. "Voy a la cancha a ver a Estudiantes, a full. Pero a los demás no les interesa mucho el fútbol. Son de Gimnasia, pero no se hacen mala sangre. Piensan que sigue jugando (José) Montelongo".
- Es mentira, es mentira -grita Anahí. Y exige: -quiero derecho a réplica.
Pero ya no hay tiempo. El descargo de Anahí Carnevalle, Evangelina Rimenver en la obra, quedará para otro día. Hoy, apenas la invitamos al test playero.

RECUADROS
Lo nuevo
Acerca del nuevo show que están preparando, Anahí Carnavale adelantó que "no nos arriesgamos a contar nada porque no hay nada concreto. Sí que el año que viene va a haber un nuevo espectáculo, siempre sobre la misma base de la familia. Hay muchas ideas y mucho material dando vueltas, tenemos que ordenarlo y ver que rumbo toma, pero es muy difícil el proceso creativo".

Un colectivo
Los Rimenver son una disparatada familia compuesta por Caito Rimenver (Victor Hugo Fernández), su concubina Melina Amelia Meléndez de Rimenver (Virginia Palavecino), su hija Evangelina (Anahí Carnavale) y su primo Paco (Diego Cremonesi).
El grupo trabaja un espectáculo “De Café Concert”, que crea de manera colectiva. Todas las ideas provienen de sus cuatro cabezas y si en algún momento no concuerdan en algo hacen una votación. Los que pierden acceden a someterse a lo que decidió la mayoría.
Los Rimenver ya preparan su nuevo show de la familia, para volver a salir de gira.

La tele de acá

La tele argentina fue, como siempre, incapaz de sobriedad y originalidad a la hora de mostrar la asunción de Obama. Mientras que CNN en español transmitía el discurso con apenas un pequeño gráfico (sobre el vértice inferior derecho de la pantalla) en el que informaba, escuetamente, que se trataba de la “toma de posesión”, Crónica TV saturaba con un “Obama ya es el hombre más poderoso del mundo”.
El hecho pasó casi desapercibido para la tele de aire. Mirta Legrand, en América, fue la única que pasó algo, aunque mechándolo con un concierto de Bruno Gelbert, en el que (obviedades del autobombo) se veía a la señora en primera fila.
Como Crónica, Canal 26 también hizo gala del mal gusto: “Habla presidente Obama”, puso. América 24 y C5N fueron bastantes discretos, aunque ambos canales reforzaban partes de discurso con frases textuales. Lo mismo hizo TN, cuya mayor originalidad fue poner la sensación térmica en Washinton: -8º. Se llegó al evento, claro, como si hubiera sido impredecible, con carteles de “Urgente, llega Obama”; “Urgente, Jura Obama”.

La captura es de fotolog adolescente, vía Papipo, de Del medio recargado

Comparación

El mayor derrame de hidrocarburos sobre agua dulce del que se tenga conocimiento se produjo un día como hoy en el río de La Plata, aunque el hecho permanezca ignorado y no peleen por él los de Greenpeace. El accidente ocurrió en el kilómetro 93 del canal del río de La Plata, cuando el buque Sea Paraná quedó al garete y chocó al Estrella Pampeana, de la petrolera Shell, que perdió unos 5.400.000 litros de petróleo.
Para tener una buena idea de la magnitud del accidente, es posible compararlo con otros hechos tan reales y concretos, como el que ocurrió poco después en Galicia, en España, en el Océano Atlántico.
El 13 de noviembre de 2002 el buque Prestige, cargado con fuel-oil pesado, se partió en dos frente a la costa de Galicia, derramando una cantidad desconocida de su carga. España calculó el derrame en 11 millones de litros de fuel. Además, los restos del buque se hundieron y yacen en la profundidad.
Los hidrocarburos contaminaron la costa occidental de Galicia y el Golfo de Vizcaya primero, y la costa norte de España y Francia, después, pese a la operación de limpieza con buques de España y otros nueve países.
Según informó el gobierno Español a su parlamento en diciembre, el estado invirtió más de 1.000 millones de dólares en la descontaminación de la costa y las demás operaciones para afrontar la catástrofe natural, entre las que se encuentra un gasto de más de 25 millones de dólares, entre honorarios de abogados, peritos y expertos.
En Argentina es un misterio cuánto invirtió el Estado para descontaminar la costa, si es que invirtió algo. En tanto, hasta ahora, el único gasto que se conoce fue de la empresa dueña del petróleo y responsable de su traslado, que pagó algo así como 1.500.000 pesos por todo concepto de remediación, tanto por el daño al medio ambiente como a la economía de los pescadores y junqueros que trabajaban en la zona del desastre ecológico.

Vean: Patroleo en Magdalena

Un misterioso Mr E. premió a Norma por su último disco

Un misterioso mecenas del rock independiente argentino –un mecenas pobre según su propia definición–, acaba de coronar al último disco de la banda platense Norma como el mejor del año 2008, luego de una selección que incluyó 69 trabajos de todo el país. El grupo recibirá mil pesos en efectivo que deberá utilizar en la grabación de su próximo disco, una ayuda que representa entre el 5 y el 7 por ciento del total de la producción de una banda que se autofinancia.
"Una mano nos viene bien siempre, pero lo importante es que nos da una dimensión nueva sobre dónde estamos parados, porque el tipo que nos eligió vive en Mar del Plata. Hasta allá llegamos con nuestra música, nosotros, que somos una banda platense y siempre tenemos la repercusión de lo que hacemos acá, en La Plata. Y no tanto en otros lugares. Está bueno ganar un premio", explicó Chivas Arguello, guitarra y voz del cuarteto.
Norma se formó en 2003 y editó su primer disco en 2006. Se llamó Rock dos tonos, título que es una especie de declaración de principios para la banda, que es descrita por la prensa especializada como un grupo post punk, post rock de melodías epilépticas, minimalista y eléctrico. Ya desde entonces recibe elogios: la revista Rolling Stone dijo que el suyo era uno de los 50 mejores discos del año. Y puso a su canción “Warhol” entre las 100 mejores. Luego fue ternada como Banda Revelación por el diario Clarín y en marzo del año pasado llergó al Gran Rex, como telonera de los neoyorquinos Interpol. El año pasado editaron su segunda placa, que lleva el mismo nombre que la banda.
“Tiene nombre de señora pero es una banda de rock”, se presenta el grupo en algunas promociones radiales. Y es que cuando pensaron el nombre, cuando todavía eran un trío, los muchachos hacían punk rock pero pensaban que tenían que sacarte el estigma del género con nombres de tipo Sacate la gorra. Iba a ser Bandera, pero de pronto uno tiró eso de ponerle un nombre propio. Y salió Norma, una palabra que puede interpretarse de varias maneras, pues también habla de la ley y las reglas.
En el estudio de grabación La Burbuja, que el guitarrista de la banda, Gualberto de Orta, tiene desde hace 15 años, Norma recibió a Diagonales en plena grabación de un pre demo con la ausencia de su bajista, Richard Balladoni, que anda de viaje. Chivas, Gualberto y el baterista Pablo Cosarelli arrancaron la nota con una sentencia de Frank Zappa, a modo de advertencia: "Los periodistas rockeros son personas que no saben escribir, entrevistando a personas que no saben hablar para gente que no sabe leer".
–¿De qué vamos a hablar? –preguntó Cosarelli.
–Del premio de Mr E.
– Ahh! No sabía ni que existía. Me enteré el 30 de diciembre, cuando ya éramos doce las bandas finalistas –aseguró el baterista.
–Yo sabía –intervino Chivas.
–Lo mejor fue que nos llamó un montón de gente para avisarnos que estábamos entre los finalistas y después para felicitarnos –reveló el baterista.
–Eso no nos había pasado ni siquiera cuando estuvimos ternados para el Premio Clarín –agregó el cantante.
Este misterioso Mr E que buscó entre las bandas independientes de todo el país a la que había editado el mejor disco, dedicó un gran espacio para los grupos platenses. Entre sus doce finalistas siete fueron de La Plata. Además de Norma, estuvieron seleccionados Crema del Cielo, Mataplantas, Atico, Thes Siniestros, Villaelisa, El Mató a un Policía Motorizado y Mostruo! Además, entraron entre las finalistas Flopa, Iguana Lovers, Go Neko! y la mimada Banda de Turistas.
Norma ya estuvo a punto de dar el salto de la escena platense a las giras nacionales. Fue una de las bandas que estuvo bajo la lupa de Juanchi Baleirón, un productor que supo hacer "radiables" a los Estelares, por mencionar sólo un ejemplo de la ciudad. "Aunque es lindo que te escuche mucha gente, no nos morimos por la fama o el dinero", aclaró Chivas. Y explicó que lo de Norma es intentar meterse adentro del cuadrado, para hacer algo diferente desde adentro. El cuarteto se reconoce como una banda platense, bien arraigada. El abuelo de Chivas ya tenía tierras en la zona antes de que se fundara La Plata. Y tres de los cuatro integrantes del grupo son de Estudiantes. El último disco tiene un track oculto que se llama "Pincha" y es una declaración de principios.
Cada vez que compone un tema, el cantante espera con ansiedad para que la banda se junte a tocarlo: "quiero que lo toquemos los cuatro, quiero saber cómo suena; es como una pulsión", explicó. Para Gualberto, que grabó el primer disco del grupo y fue el último en sumarse a la banda, hace tres años, "cada encuentro es como una película, porque la banda tiene una manera de trabajar muy directa, va al grano, sin vueltas, como suena". Y además, siente que "hay una conexión en las guitarras, que tienen un sonido ecléctico y jazzero, de acordes simples con cuerdas al aire".
En el estudio La Burbuja Norma ya graba sus predemos, para recordarlos, para escucharlos, para perfeccionarlos. Según el cantante, "la música es una felicidad, una energía, una convicción. Tenemos un proyecto. Y no se nos ocurre no estar ensayando, no estar tocando. Por otro lado, le vemos algunos frutos y eso nos incentiva".

Recuadro
Imperdible
Norma - Norma / Cala Discos

El primer disco de los platenses Norma me gustó mucho. Fue un golpe de espontaneidad rockera. Esperé su segunda producción pacientemente y con altas expectativas. Debo confesar que no esperaba tanto. Sin rodeos ni vueltas estériles, les digo amigos que Norma ha forjado un disco extraordinario y se suma, con serias posibilidades, al lote de favoritos de Mr E.
El tiempo ha hecho un trabajo de orfebre en las canciones de Norma. Lo que en su primer álbum se escuchaba un poco desnudo, hoy ostenta un sonido gordo, poderoso, consistente. La sonoridad un poco latosa de "Rock 2 Tonos" (y del EP solo para fans, como Mr. E, que incluía tres temas de este álbum en versiones algo descarnadas) ha dado paso a un lenguaje musical de excepción. Probablemente Norma se haya convertido con este disco en la banda de especialistas más creativos e imaginativos de la guitarra eléctrica. Su manejo muestra una ductilidad, no exenta de furia y rabia garagera, y un bagaje de recursos tan amplio como la calidad de sus riffs. Las voces tensas y nerviosas son un sello distintivo de la banda. Las melodías se suceden en fraseos adictivos que convierten a todas las canciones en potenciales hits.
Además Norma se planta con un discurso tan claro como coherente, pleno de ironías y fino humor. Todo el disco respira música. Las canciones hablan de guitarras, recitales, canciones, bandas de rock y un largo listado de vínculos musicales.
Hasta tienen la elegante iniciativa de tomarse a si mismos en joda ("estoy seguro que vos hubieses hecho una mejor canción con esta misma canción" o "simple, sin pensar", en "Simple"); enunciar sus influencias con orgullo militante o tomar clara posición al decir, con todo respeto por cierto, que NOTVG llanamente… no les gusta ("NOTVG"). Estas conductas son muy poco frecuentes en el rock argentino y, desde aquí, se festejan.
Escuchar este disco es un deleite para paladares de amantes de canciones veloces, melodías atractivas y guitarras excelsas. La banda suena como una ametralladora. Imperdible.
Creador del Premio Mr E.

Los 12 que llegaron a la final
Norma: Segundo paso de Norma y su rock nervioso y adictivo. Villelisa: Pop que busca en la belleza de lo simple. Muy buen debut. Atico: Tensos y potentes. Otro debut prometedor y explosivo. Thes Siniestros: Original rockabilly para bailar y rockear. Flopa: Ya una verdadera referente del rock independiente con un álbum de fina sensibilidad. Crema del Cielo: Apabullante álbum de pop de potencia poco habitual y discurso social. Iguana Lovers: Retorno equilibrado de guitarras con aditamentos electrónicos en su justa medida. Banda de Turistas: Aparición inesperada de adolescentes que buscan en el inicio del rock argentino para hacer pop de melodías brillantes. Go Neko!: Un álbum instrumental que no pierde el pulso ni la expresión del rock más potente. Mataplantas: Consolidando su carrera con un álbum inspirado y arriesgado. El Mató a un Policía Motorizado: El más logrado eslabón de su trilogía para cerrar una etapa brillante. Mostruo!: Renovada visión del proto rock argentino con humor, espontaneidad y talento.

Lavame sucio

¿Arte efímero? ¿Declaración de principios? Vaya a saber qué es lo que hace a los ocasionales transeúntes escribir en los capot o parabrisas de los autos estacionados, con una capa de tierra encima.
Hay quien podrá asegurar que es una venganza de quienes tienen que ir a pie de un lado a otro de la ciudad, mientras los coches esperan ahí, estacionados, detenidos, ni siquiera limpios. Esta es una teoría que tal vez esté justificada en tan común frase "Lavame sucio". Quién sabe.
Parece que escribir sobre una superficie sucia es muy tentador. La idea, incluso, fue usada hace unos años por un detergente chileno para hacer un enorme cartel publicitario. Los creativos imitaron la suciedad del polvo en los últimos cuatro pisos de un edificio vidriado al que le grabaron, enorme, la leyenda “lavame”. No se animaron a usar la frase completa, pero la idea estaba ahí. El detergente prometía “limpiar algo así de grande con muy poco”.
Dicen, además, que el lavame sucio no es patrimonio sudamericano. “Wash me dirty”, les escriben en Inglaterra, “lave-moi sale” en Francia, “wasch' mich, schmutziger” en Alemania y “was me, vieserik”, en Holanda.
Lo cierto es que no siempre son recomendaciones de limpiezas las que dejan los transeúntes. Hay quien la aprovechó alguna vez para insultar a su profesora de matemática (por razones obvias) o quien vio que del espejo retrovisor colgaba una cinta futbolera identitaria para sentenciar: “Amargo”.
Pero lo cierto es que cada época es capaz de parir insultos nuevos, a los que en el futuro habrá que estudiar en su etimología para entender de qué fuente y cómo fue que su forma y significado cambiaron como para terminar en un insulto.
Un peatón que pasó por al lado de una Chevy negra estacionada en avenida 44 entre 4 y 5 dejó sus sentencias sobre el capot: “sucio”, “puto”, “flogger”.

Teatro en la ONU

Tocaba el piano desde chica y pensaba que iba a ser concertista. Sin embargo, a los 16 años se dio cuenta que no iba a poder pasar 8 horas al día sola y se volcó al teatro. Metódica, estudió Artes Combinadas en la Universidad de Buenos Aires para tener conocimientos teóricos, se formó como actriz con Raúl Serrano y apuntaba a la dirección cuando su marido se ganó una beca para ir a estudiar a Estados Unidos. Y allá fue, a insistir con lo suyo, a terminar de formarse una carrera. Pudo hacer un master y salió de un curso en el Instituto Internacional del Teatro Saratoga convencida de que podría conquistar el mundo. A los pocos días, recibió un llamado de lo más alto de la Organización de Naciones Unidas (ONU). A los 33 años, la platense Jimena Duca se convirtió en la primera directora de teatro en presentar una obra financiada por el organismo internacional. La obra que creó con sus compañeros neoyorquinos lleva de nombre Mika y está inspirada en la historia de Susana Trimarco, la mujer que después de sufrir el secuestro de su hija Marita Verón en 2002 comenzó una lucha con la que recuperó a 150 chicas secuestradas en Argentina por redes de tratas de personas para la explotación sexual.
Duca pasó por La Plata para saludar a su familia y recordó su infancia en la escuela Nº 5; su paso por el bachillerato de Bellas Artes, en el que conoció a sus mejores amigos y aprendió que el arte puede cambiar el mundo; y también se acordó de su maestra de piano, Susana Rome, que le inculcó el respeto por la disciplina y eso de ponerse metas porque podría llegar a donde se propusiera. Y entonces, se tomó una tarde para una entrevista con Diagonales en Plaza Belgrano, cerca de la casa de su infancia.
Fue en el año 2003 que su marido, Andrés Giallombardo, ganó una beca para ir de la Facultad de Ciencias Naturales y Museo de La Plata a estudiar a la Universidad de Columbia. Y la pareja se mudó a Manhattan marcada por la crisis del 2001. "No nos echaron, pero uno quiere crecer y en aquellos años en Argentina no había posibilidades. Y nosotros nos fuimos a la aventura, porque (el director de teatro) Bob Wilson era lo único que me sonaba de Nueva York. Sin embargo, me enamoré de la ciudad apenas llegué”, describió.
LA CARRERA. En Nueva York, Duca fue oyente en la prestigiosa Universidad de Columbia y se ganó una beca para un master en la City University of New York (CUNY). Empezó a ir mucho al teatro: cuatro veces por semana. Hizo una pasantía en el Soho Rep y en junio de 2008 hizo el curso que iba a permitirle tener la confianza para encarar la propuesta que en persona le hacía Rachel Mayanja, la consejera en temas de género del secretario general de la ONU, Ban Ki-moon.
"Saratoga fue un antes y un después. De ahí salís creyendo que conquistás el mundo", explicó Duca. Justo en ese momento le llegó la invitación sumarse a la campaña mundial contra la violencia hacia las mujeres. La propuesta era tentadora: crear una obra original para ser presentada apenas cinco meses después. Duca puso en conocimiento de la novedad a su grupo Tiyatroglobal y no sólo aceptó el desafío. Sino lo que llevó lo más alto posible: "Se pensaron que ´bueno… ahora los artistas van a hacer algo´. Pero ahora creen que el teatro puede ser una herramienta de cambio. A medida que fuimos trabajando empezaron a ver al arte de otra manera. Nosotros no nos achicamos. Y les hicimos poner mucha plata. Y les exigimos que la obra sea presentada en el mismo lugar en el que ellos discutían".
EN LA PLATA. La Madre de Plaza de Mayo Adelina de Alaye fue invitada a la conferencia de prensa en la que Duca contó su experiencia artística en el Teatro Coliseo Podestá. Durante la charla, Adelina confesó que no había podido ver Vidas Robadas, ni Montecristo, ni los programas de Televisión por la Identidad que dieron en Telefé. "Sin duda ayudaron mucho, pero yo lo viví y para mi fue imposible verlos. La ficción me molesta, pero por las fotos que veo, tu obra parece ser diferente", le dijo la señora, con impresionante sinceridad y lucidez.
Duca explicó luego a Diagonales que Mika no es un melodrama y tampoco un documental, aunque está basada en la historia de de Susana Trimarco, la madre de Marita Verón, secuestrada a los 23 años por una red de trata de personas para la prostitución.
La pieza se llama Mika en homenaje a Micaela, la hija de Marita, que tenía 3 años cuando su mamá fue secuestrada el 3 de abril de 2002, en la ciudad de Tucumán; y aborda distintas caras de la violencia de género. Su hilo conductor es la historia de Trimarco, a quien Duca entrevistó en Tucumán, en la fundación donde da hogar a las chicas rescatadas de las bandas de tratantes en cabarets de todo el país.
La obra denuncia la violencia de género, la corrupción policial, la mirada esquiva de la Justicia y la indiferencia de las autoridades para combatir la explotación sexual.
"En Mika nadie actúa de Marita Verón. Ella es la ausencia. No mostramos a los villanos. Hay policía corruptos y jueces que miran para otro lado, pero no aparecen los cafishios violando a las chicas", describió la directora. Y agregó: "Usamos símbolos para ver qué hace la comunidad, qué hace la Policía, qué hace la Justicia. Usamos la repetición, pero en ningún caso hay golpes bajos. Hacemos que la mamá vaya de un juez a otro para que se muestre el sistema que se niega buscar a su hija, para que lo ocurrido pueda ser analizado por el espectador".
El texto está cruzado por un cuento infantil que la autora cree que está relacionado con la trata de personas: Caperucita roja. "Es lo más parecido a la historia de un secuestro de una mujer. El lobo es el tratante y el cazador es quien la libera", describió.
Mika se estrenó el martes 25 de noviembre en conmemoración del Día Internacional por la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, en la sala de discusiones del edificio de la ONU, en la 1ª Avenida y la calle 46. El surcoreano Ban Ki-moon, ofició de anfitrión. La obra se repetió el 1º de diciembre en el Día Internacional de Lucha contra el Sida y, un día después, en el Consulado argentino en Nueva York.
“Es verdaderamente un hito y estoy súper feliz”, dijo tras el estreno. "¡Me creyeron!", explicó ahora, feliz por el acontecimiento que acaba de tenerla como protagonista.

Un modelo para crear
La idea que empezó a crecer en la cabeza del secretariado general de la Organización de Naciones Unidas (ONU) es que Mika empiece a girar por el mundo. Y Jimena Duca cree que eso es posible, porque la obra es "un modelo para crear que está basado en técnicas de composición", según explicó. Y tal vez pueda comenzar a girar por América Latina en marzo, con un estreno Argentino, que podría ubicarla en La Plata.
"Está muy verde", aclaró Duca, aunque confirmó la posibilidad de que el elenco neoyorquino comience a formar otros elencos que a su vez formen a otros elencos y que la obra se multiplique para que, desde la sala de conferencia de la ONU se extienda a todos los rincones del planeta.
Además, Duca confía en que Mika pueda desarrollarse con técnicas participativas, para que el público incida en el desarrollo de la obra y que pueda cumplir un rol pedagógico, de concientización, al estilo del teatro social o teatro del oprimido planteado por Augusto Boal, el dramaturgo, escritor y director brasileño, nacido en 1931, candidato al Premio Nóbel de la Paz 2008.

El curso
En el Instituto Internacional del Teatro Saratoga, Jimena Duca vivió un mes en un campus con artistas de todo el mundo. Allí, tomó clases con Anne Bogart, quien es considerada como una de las mejores docentes de dirección de Nueva York, y creadora de la técnica teatral de improvisación que presta un vocabulario para pensar y actuar en el movimiento, conocida como la técnica de los puntos de vista (Viewpoints).
Bogart es confundadora, en 1992, del Instituto Saratoga junto a Tadashi Suzuki, descubridor del Método Suzuki de entrenamiento para actores profesionales.

Autores
Mika es una obra de autoría colectiva. Además de la platense Jimena Duca, son sus autores Helen Richardson (dramaturgista), Erin Courtney y Scott Adkins (escritores), Gabriel Gutiérrez, Brent Werzner, Anastacia Vincent, Sade Namei, Eunmi Hwang, Lorenzo Montanini (actores), Tara Gladden, David Gladden y Hallvadur Aggerson (músicos).
CUADRITOS SI QUIEREN

PASTILLAS
* La violencia contra la mujer es el delito más común pero menos castigado del mundo.
* Se estima que anualmente entre 700.000 y 4.000.000 de mujeres de todo el mundo son obligadas a ejercer la prostitución o son vendidas para ese fin, y que las ganancias de la esclavitud sexual oscilan entre 7.000 y 12.000 millones de dólares de los Estados Unidos.
* A nivel mundial, las mujeres de entre 15 y 44 años tienen más probabilidades de sufrir mutilaciones o de morir debido a la violencia masculina que por causas como el cáncer, la malaria, los accidentes de tráfico o la guerra, combinadas.
* Por lo menos una de cada tres mujeres ha sido golpeada, obligada a tener relaciones sexuales o maltratada de otro modo a lo largo de su vida. Por lo general, el autor de la violencia es un miembro de su propia familia o algún conocido. La violencia en el hogar es la forma más generalizada de maltrato de la mujer en el mundo entero, independientemente del origen étnico, la educación, la clase social y la religión.
Fuentes: Estudio a fondo del Secretario General sobre todas las formas de violencia contra la mujer (2006) (A/61/122/Add.1)
Vlachovà, Marie y Biason, Lea, Eds. (2004) Women in an Insecure World: Violence Against Women – Facts, Figures and Analysis.

Tapitas

Cuando terminó la fiesta de fin de año con sus compañeros de trabajo, el tipo recorrió las mesas y se guardó las tapas de las gaseosas en los bolsillos. Se fue del lugar contento, un poco por lo que había tomado, pero también porque, según dijo, iba a ayudar "a los chicos del Garrahan". Antes de cargar con las tapitas largó una risotada de autocrítica e indulgencia, como justificativa, aunque lo suyo no es poco ni tan fuera de lo común, parece.
En el diario juntamos tapitas. Un día hubo un debate -siempre hay debates en los diarios, sino no serían diarios- sobre la veracidad o no de la campaña. Luis, el jefe de deportes, le puso punto final a la discusión con un dato contundente: "Mi mujer colabora con la Fundación Garrahan y nosotros juntamos tapitas", dijo. Desde entonces, al final de la redacción, en el escritorio que está atrás al que ocupa Luis, hay una copa trofeo que llenamos de tapitas de plástico.
No era tan difícil confirmar la veracidad de la campaña, en la página web de la Fundación o en la del propio hospital hay información sobre los programas de reciclados, que son dos: de papel y de tapitas (de gaseosa o agua mineral). Según la Fundación, “cada día son más las personas que realizan la separación en origen colaborando de esta forma con los niños del Hospital Garrahan, y evitando provocar un impacto negativo en el medio ambiente”. Y agrega: “Aunque creas que tu aporte es pequeño, ayuda”.
Parece que ya lo sabe el tipo que terminó la fiesta de fin de año juntando las tapitas. Y lo sabemos los compañeros de Luis en el diario. También la señora que el sábado a la mañana, casi mediodía, iba a entrar en su casa cuando vio una botella de gaseosa entre la basura de su vecino. Y fue hasta la bolsa, la abrió, destapó la botella, se guardó la tapita en el bolsillo y, finalmente, entró a su casa. Feliz por su granito de arena.

Cultura platense

Los que están/son la movida de rock/pop/indie platense eligieron lo mejor de 2008.

El rock platense eligió lo mejor de 2008

En lo que coincide la mayoría de los músicos, dj´s y periodistas platenses de rock es que lo mejor de la tele 2008 fue Peter Capusotto y sus videos. En el resto de los ítems de la encuesta propuesta por Diagonales quedaron en evidencia los gustos diferentes, la dispersión. Capusoto, en tanto, arrasó con 11 votos positivos sobre 27 posibles. En Internet, por ejemplo, Facebook fue la página preferida por cinco votos, seguida por Taringa (4) y un poco más atrás Youtube (apenas 2).
Ahh! ¿Que lo importante eran las bandas y solistas? Hubo menciones para muchas, pero El mató a un policía motorizado ganó la encuesta. Cabe aclarar que se tuvo en cuenta la totalidad de los ítems musicales y no sólo la respuesta a “mejor banda”, porque hubo quien la votó como mejor nacional y quien la consideró la mejor platense. Y también se tuvieron en cuenta los votos positivos por mejor tema, disco y show. De todas maneras El Mató... tuvo seis votos como mejor banda y, por lo tanto, es ganadora indiscutida de la encuesta. Le siguieron en popularidad Sr Tomate, que entró segunda por los votos a su disco Ritmo de Vida y por mejor tema; mientras que los 107 Faunos tuvieron menciones por mejor grupo, mejor disco, mejor tema y mejor show, lo que también la coloca en el podio. Las tres bandas estuvieron seguidas por Norma, Mostruo! y Don Lunfardo y el Señor Otario, aunque hubo escasa participación de rockeros clásicos y más de la llamada movida indie. Lo que está claro, más allá de contar los sufragios, es que todas las bandas mencionadas se mostraron durante el año 2008 y tienen perspectivas de crecimiento para 2009. Estelares y Guasones fueron mencionadas, pero aparecen ya como lejos de la escena local.
En cuanto a los solistas, apareció en el podio Miro & Su Fabulosa Orquesta de Juguete, junto a Matías Vidal y Billordo. Por el lado de la revelación hay que destacar el reconocimiento de colegas y periodistas a The Charlie´s Jacket y a Valentín y los volcanes. Los pibes de Banda de turistas son la revelación nacional para el rock local.
A la hora de lamentar no haber ido a ver un show durante 2008, hay que anotar al del Indio Solari en el Estadio Ciudad de La Plata; a los que dieron Los Alamos en diferentes eventos y se suman shows para todos los gustos entre las bandas locales.
Al elegir una web platense, la preferida es Rockeristas, seguida por Bandas platenses, aunque también se mencionan a los blogs Condición y Cortando diagonales. Tiene votos como mejor programa y mejor web Infierno grande, de Radio Universidad.

Jazz en el Mar

El verano 2009 será el segundo sin festivales de jazz en la costa bonaerense. No habrá, como otros años, festival de jazz en Necochea ni tampoco en Miramar. Además, se proyectaba la realización de un evento en Pinamar que también quedó en la nada, por las dificultades de los organizadores para poder conseguir sponsors.
"Modificación de fecha: La fecha de la realización de la 4ta. Edición del Festival Jazz en Miramar se programará en el transcurso del año 2009", anuncia la página web oficial. Patricio Pucci, su mentor y realizador, se mostró muy molesto por la situación y explicó a Diagonales que el festival será reprogramado en el transcurso del año, con lo que negó incluso su posible realización durante el mes de octubre.
El Necochea Bosque Jazz, en tanto, se realizó durante cuatro años consecutivos con la presencia de destacados músicos nacionales. A pesar de ser el festival de jazz con mayor convocatoria de Argentina, tuvo que suspender sus dos últimas ediciones. Sus organizadores, la local Radio Maestra, el sello MDR Records y el prestigioso club de jazz Notorious –que pronto se instalará en La Plata– adelantaron a Diagonales que tal vez se reprograme para Semana Santa.
En Pinamar se gestaba un primer festival de jazz para enero de 2009, pero el acontecimiento artístico y cultural quedó en la nada por la falta de apoyo privado.
En todos los casos, además, los gobiernos municipales sólo seden el espacio para la realización del evento. En Necochea, por ejemplo, resulta paradógico porque se trata de un espectáculo gratuito que se realizó siempre en plena temporada y logró reunir, con buen tiempo, más de 1500 personas por noche en el anfiteatro a cielo abierto del Parque Miguel Lillo.
No hay noticias tampoco del festival Jazz del Mar, que se realizó en otros años en Pinamar, Cariló, Ostende y Mar del Plata, y que significó la realización de hasta cinco conciertos diferentes con veinte artistas en escena.
En definitiva, pareciera que los buenos tiempos ya no ruedan por la Costa Atlántica argentina y habrá que esperar para ver si vuelve a sonar las distintas tendencias y estilos que surgieron del antiguo jazz tradicional, aquel que nació en Nueva Orleans y que se extendió por el mundo gracias a su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos a partir de la libertad de los músicos para interpretar las composiciones.

Casamiento

Se conocieron en febrero, durante una visita de Ramón a su familia platense. Fue mientras recordaba sus tiempos de estudiante universitario, sus noches de pool en 8 entre 51 y 53, y su paso por las inferiores del Gimnasia y Esgrima de principio de los ´90; que Ramón conoció a Natalia. Y en un rapto de amor o tal vez de locura que le pidió matrimonio.
Las vacaciones terminaron y él volvió a Venezuela, de donde se siente natural, pese a que en verdad nació en Brasil. Tal vez la hubieran seguido por correo. O por teléfono, pero son gente de esta Era y pudieron mantenerse en contacto por internet. Y ella viajó en junio, a ver qué onda. Y la onda fue buena, parece, porque le pusieron fecha al casamiento: el 26 de diciembre de 2008.
La ceremonia sería en San Miguel del Monte, ciudad en la que nació y se crió Natalia. Distante apenas 100 kilómetros de La Plata, accesible para los familiares platenses del novio.
La familia de la novia alquiló el local en el que se realizaría la fiesta y el novio tomó un avión con su hija de 15 años rumbo a Ezeiza para pasar la Navidad en La Plata y rumbear para el pueblo el mismo 26 por la mañana.
No había contado Ramón, ni Natalia, ni su familia, con que a último momento se decretara un asueto entre el feriado del 25 y el fin de semana del 27 y 28 para la administración pública nacional y provincial ¿Cuándo irían a casarse?
La novia corrió a hablar con el personal del Registro Civil. Y los convenció. El viernes por la mañana hacía un calor de perros en San Miguel del Monte. Algunos vecinos disfrutaban de la laguna. La municipalidad estaba cerrada y en el hospital había apenas una guardia. Parecía que no había actividades en el Registro Civil. Y sin embargo.
A eso de las 11 de la mañana llegaron los primeros invitados y se acomodaron a parlotear bajo la sombra de los árboles. Había abrazos y besos, reencuentros.
La ceremonia tuvo lugar en mismísimo 26 de diciembre a las 11.30 y fue el único casamiento que se registró en el pueblo y tal vez en la provincia.

De la mano de Calvino

Comenzó a formarse en el teatro platense cuando tenía 13 años. Iba al colegio y después cursaba la preparatoria en la Escuela de Teatro. Allí también hizo el terciario mientras estudiaba periodismo en la Universidad Nacional de La Plata. Todos los años pensando que iba a cambiarse a Letras, pero quedándose en periodismo porque le iba bien. Es dramaturga, aunque su formación la impulsa también a la dirección. Mariela Anastasio tuvo este año en cartelera dos obras infantiles que preparó con el grupo Topográfico, del que es parte, y una para adultos, producida por la Comedia Municipal. Sus trabajos la llevaron a Colombia, Perú y Brasil. Fue invitada para ir a El Salvador, pero no pudo ser. Y vino la revancha: en febrero viaja a Venezuela para dirigir un grupo local en una obra que está escribiendo, basada en un libro de Italo Calvino.
Anastasio tuvo buenas maestras: Beatriz Catani y Diana Amiama en La Plata; Cecilia Propato, Susana Torres Molina y Natalia Pizzuto en Buenos Aires. Continúa con Alejandra Varela.
"Siempre pensé que iba a vivir del periodismo y que el teatro iba a ser un hobby, pero por suerte fue al revés", reveló a Diagonales. Este año fue el último en la Escuela de Periodismo Deportivo, en la que dio clases de periodismo radial durante ocho años; aunque seguirá con el Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica, donde enseña Interpretación para locutores y Dirección de actores y Taller de libretos y guiones para productores.
Estudió periodismo porque le dijeron que iba a escribir más que en Letras, pero cada año pensó que debía mudarse de carrera. Le iba bien, aprobaba, y se quedaba. Entonces, decidió seguir el profesorado.
Con 29 años recién cumplidos prepara una obra basada en el libro Las ciudades invisibles, de Italo Calvino. "Voy a viajar a Maracaibo invitada por el grupo Ciudadpuertoteatro", contó.
–¿Cómo surgió la invitación?
–Vieron mi trabajo en un encuentro que se hizo en Perú y les gustó. Quieren tener una experiencia de dirección conmigo.
Sin esperar preguntas, Mariela cuenta: "Ellos vieron Paraguas y relojes, una obra para todas las edades, aunque se presenta como una obra para chicos. Es muy delirante, con muchos saltos temporales y con dos actores que transitan por seis personajes. Se los exprime al máximo. Creo que les gustó la austeridad de recursos con los que está hecha. La verdad es que cuando el actor labura bien no se necesita nada más. Y es que el actor lo es todo. Un buen actor, potencia".
Lo cierto es que para esta situación particular, Anastasio comenzó a trabajar con el texto de Calvino y creó situaciones propias. "En el libro, un emperador chino le pide a Marco Polo que le cuente las ciudades fantásticas que no va a poder ver. Los personajes no serán los mismos, en la obra van a ser un emperador y un viajero y los espacios y las historias van a ser inventadas. Termino de escribir la obra y se las mando. Ellos van ensayando con su director hasta que llego yo y lo hacemos juntos. Ya consiguieron el teatro".
–O sea que estrenan enseguida...
–Si. En el teatro Baralt. Cuando vi las fotos me dio terror: ¡Es como el Colón! Escribo la obra en la computadora, con la foto del teatro de protector de pantalla, es un como elemento de presión para terminar la obra, como el desafío a vencer.
Pese a la experiencia en el extranjero, Anastasio aspira a fortalecer a su grupo Topográfico, que trabaja para construir su propia sala en La Plata, organizar eventos para que colectivos artísticos de otras ciudades y países visiten la ciudad y que sus obras puedan salir de gira.
"La Plata es una ciudad con una producción cultural increíble. Lo veo cuando le cuento a alguien cómo es la ciudad en la que vivo. Sólo para el Concurso Municipal se presentaron sesenta grupos. Pero hay más grupos que espectadores. Y es muy difícil mantener una obra en cartel por más de dos meses. Por eso pensamos que tanta energía, tanto esfuerzo y tanta investigación merece que podamos hacer giras, ir al interior o viajar al exterior, para lo que estamos conectados a través de la web (www.entepolavi.blogspot.com) con otros grupos a los que conocemos a través de los EnTePoLa (Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano); encuentros no competitivos en los que se debate qué es el teatro latinoamericano, se genera un lugar para conocerse y en el que cada invitado se toma un día para darle un taller a los demás", contó Anastasio.
–¿Qué cosas se van aprendiendo a medida que uno sale de la ciudad o del país?
–Uno empieza a ver que hay otras fuentes de trabajo. El intercambio permite ver cómo trabajan los demás, ver los espectáculos y discutir sobre el modo de hacer. Es muy enriquecedor porque hay tantas maneras de producir como lugares en el mundo.

RECUADRO
Actividades
En los últimos dos años, Mariela Anastasio hizo Paraguas y relojes con su grupo de teatro Topográfico. Se trata de un trabajo de investigación actoral basado en Alicia en el país de las maravillas y Alicia a través del espejo, de Lewis Carroll. "Con esa lógica onírica, se construyeron los protagónicos de Matilda y Perdomo, quienes trascienden las leyes del tiempo y el espacio", dice Mariela.
El grupo presentó en 2008 La Princesa Rana, otro infantil para todo público, basado en un cuento popular ruso que, a decir de los integrantes del Topográfico, "presentaba una bella estructura argumentativa y múltiples posibilidades de adaptación para ser llevada al teatro".
Por otra parte, Anastasio ganó este año el concurso de proyectos teatrales de la Comedia de la Municipal. Y estrenó en el Pasaje Dardo Rocha Buenos Aires, Hiroshima, Líbano –esta sí, definitivamente, para adultos–, una obra que contó con la actuación de Ernesto Meza, Ana María Haramboure y Néstor Villodo. Para escribir la obra, la dramaturga estudió las consecuencias de la bomba atómica Little Boy (Nenito) arrojada por el Enola Gay sobre la ciudad de Hiroshima. En el texto, bombardean Buenos Aires y tres sobrevivientes escapan en un tren que queda varado en Líbano, un pequeño pueblo de Laprida, en la Provincia de Buenos Aires. El vagón es un refugio a la radiación que quedó en el ambiente como consecuencia de la guerra.
–En esa obra hay una científica que trata de hacer mil grullas de papel...
–Sí. Está basada en la historia de Sadako Sasaki, una nena que tenía dos años cuando tiraron la bomba atómica sobre Hiroshima (el 6 de agosto de 1945). Sobrevivió, pero a los 11 años le diagnosticaron leucemia (conocida como la "enfermedad de la bomba A"). Su mejor amiga le contó una vieja leyenda en la que los dioses concedían un deseo a una persona que construyó mil grullas y la nena empezó con su creación. Murió después de 14 meses de internación sin cumplir con su objetivo y luego de haber cambiado su deseo para salvar a todos los chicos afectados por la explosión. Sus amigos terminaron con las mil grullas y en su nombre se levantó un monumento en el que se recuerdan a todos los chicos que murieron a causa de las bombas atómicas.

Foto: Alberto Direnzo

Crítica

El concierto que el sábado dio el Indio Solari en el Estadio Ciudad de La Plata comenzó con más de una hora de atraso. La enorme cantidad de gente que llegaba a último momento de diferentes partes del país derribó el mito de la puntualidad. Y obligó a la espera. Tal vez por eso, los fanáticos comenzaron a impacientarse y la emprendieron por las suyas con un pogo ritual: “oh Los Redondos, es un sentimiento, no puedo parar”. Fue con las voces de fondo que comenzó a sonar “Siempre pedía temas en la radio”, la canción que inauguró el concierto, la primera de Porco Rex, el último disco solista de Carlos El Indio Solari, ex cantante de Patricio Rey y los redonditos de ricota.
Como si hubiera que cocer la cuestión a fuego lento, la banda la emprendió después con la balada “Ramas Desnudas”, que la gente acompañó tranquila. Y eso pese a que se notaron, ya desde los primeros temas, problemas de sonido. Los Fundamentalistas del aire acondicionado sonaron mejor en el campo que en las plateas, donde el sonido fue muy bajo. Se escuchaba bien cuando El Indio cantaba, pero no se entendía nada cuando hablaba.
“Porco Rex” fue el tercer tema del concierto y el primero que levantó a público. De inmediato, El Indio hizo sonar el primer himno ricotero de la noche. Impresionante. “Me matan, Limón”, la canción homenaje al guardaespaldas de Pablo Escobar Gaviria, narco colombiano asesinado por el Bloque, una fuerza élite policial. “Me matan Limón Hijueputas, Limón! Por los techos viene el Bloque otra vez!”.
“Quiero verte Huir como un ladrón Al que nunca Pueden atrapar, como en un tobogán al revés, un tobogán que sube, que va para arriba, venciendo la ley de la gravedad”, sonó “Rock para el Negro Atila”, de los Redondos. Y “Divina TV Fürer”: “Me estoy por ahogar, Me voy a pique glú-glú. Me está por hundir Mi fiel fantasma bu-búuuu!”.
Le siguió “Pabellón Séptimo”, un tema del primer disco solista de Solari, El tesoro de los inocentes. Y El Indio anunció que iba abrir las puertas del estadio para que pudieran entrar todos. Fue la constatación de que había algún problema con el sonido, porque la gente se miraba incrédula y preguntaba: “¿Qué dijo?”.
Tocó, luego: “Bebamos de las copas lindas”, un himno. Y otro, llamado “Y Mientras Tanto El Sol Se Muere”; balada de amor, que interpretó en el medio de la multitud un fanático con una bengala roja en la mano, meciéndose entre la gente, como el tipo de la canción: “Te voy a buscar En la oscuridad. Yo no sé si pueda Volver a encontrarte, amor”.
Antes del décimo tema, el Indio dijo algo así como que "la gola no está muy bien", como que necesitaba de las voces de su coro. Cantó “Martinis y tafiroles” y “Vuelo a Sydney”, dos de solista.
Tras once temas, la banda se tomó unos minutos y el público esperó tranquilo, como si estuviera satisfecho de la primera pequeña maratón propuesta y aceptara el descanso. “Este no es el mismo público que había con los Redondos”, explicó un fan a Diagonales. “El público de los Redondos no se iba a quedar callado ni ahí. Antes había más alcohol, más descontrol”, agregó.
La música volvió con “El tesoro de los inocentes”, una canción del primer solista, cuya leyenda dice que tiene estrofas del Indio para su hijo. Le siguió “Sopa de lagrimas (para el pibe delete)”. Y recién a esta altura del show el Indio hizo de front man. Le siguió “Te estás quedando sin balas de plata”. Y entonces sacó todo el oficio de cantante.
Y otra vez arrancó la seguidilla ricotera con “Ella debe estar tan linda”, un rock and roll ortodoxo, puro, tajante, que puso a la multitud a batir palmas. “Conduje toda la noche, reventando los cambios…”. Le siguió “Nadie Es Perfecto”… “Un tipo especial este Superboca, experto del re-mundo actual. Quiso ir a Nueva York (quiso ir a las series) quiso deslizar patés”. Y: “Voy a cuidar de mi amorcito”, El Indio deliró al público con “Ñam fri frufi fali fru” y puso el concierto en lo más alto.
Que siguiera la balada “To Beef or not to Beef”, no hizo bajar al público. Aunque de inmediato le siguió otro rock: “Por qué será que no me quiere Dios”, que terminó en un alto solo de guitarra. Y tuvo como invitado al baterista Martín Carrizo.
Y, para quienes lo habían olvidado. O para quienes esperaban impacientes, el Indio presentó a Andrés Calamaro. Juntos tocaron “Veneno impaciente”, “Esa estrella era mi lujo” y “El Salmón”. Las tres a dúo (ver aparte). El Indio dijo algo sobre los músicos populares, algo que el mal sonido impidió que se entendiera.
Siguieron “Tatuaje”, de Porco Rex y la tercera seguidilla ricotera de la noche. “Mariposa Pontiac-Rock del país” + “Un angel para tu soledad” + “Juguetes Perdidos”.
Cerca cerquita del final, siguieron “Flight 956” (Vuelo 956) y “Jijiji”. Fue el pogo más grande del mundo.

Lo del Indio con Calamaro fue “sólo un buen gesto”
… Y, para quienes lo habían olvidado. O para quienes esperaban impacientes, el Indio presentó a Andrés Calamaro. Juntos tocaron “Veneno impaciente”, “Esa estrella era mi lujo” y “El Salmón”. Las tres a dúo...
Solari pidió al público que se recibiera con cariño a su invitado. Ese que, se anunciaba, transformaría el recital en un hito en la historia del rock nacional: Calamaro iba a compartir escenario con Solari, algo que sólo había logrado Luca Prodán en la primera época de Los Redondos.
Además, Calamaro volvía a tocar en La Plata después de aquel famoso "qué linda noche para fumarse un porrito", que tantos dolores de cabeza le trajo.
Vestido de negro y con sombrero de cowboy, El Cantante fue muy bien recibido por el público, que lo ovacionó. Sin embargo, "Veneno impaciente", la canción que registraron juntos para Porco Rex, tuvo una tibia aceptación. La voz del invitado apenas se escuchó.
Se levantó el público desde el primera acorde de "Esa estrella era mi lujo", el tema de los Redondos: "No nos dimos nada, sólo un buen gesto", dice la letra. Calamaro se escuchaba menos que antes y sus gestos a los músicos de los Fundamentalistas resultaban exagerados, sobre todo para quienes veían todo el escenario, pero malescuchaban desde la platea.
“El salmón”, de Calamaro, sonó a full, tal como lo grabaron Los fundamentalistas… Hubo un momento que fue una bola de sonido informe. Pese a todo, el público festejó la canción, la coreó y hasta gran parte del césped hizo pogo.
Cuando terminaron las tres canciones, el dúo recibió un gran aplauso. Fue por cariño, por la historia del rock and roll.

La lista de temas
Pedía siempre temas en la radio, Ramas desnudas, Porco Rex (Solari-del disco Porco Rex), Me matan Limón, Rock para el negro Atila, Divina TV Führer (Redondos), Pabellón Séptimo (Solari-El tesoro de los inocentes), Bebamos de las copas lindas, Y mientras tanto el sol se muere, Martinis y tafiroles, Vuelo a Sidney (Porco Rex), El tesoro de los inocentes (El tesoro…), Sopa de letras , Te estás quedando sin balas de plata (Porco Rex), Ella debe estar tan linda, Nadie es perfecto y Ñam Fri Frufi Fali Fru (Redondos), To beef or not to beef (El tesoro…) Por qué será que no me quiere Dios y Veneno paciente (Porco Rex) Esa estrella era mi lujo (Redondos), El salmón (Andrés Calamaro), Tatuaje (Porco Rex) Mariposa Pontiac-Rock del País, Un ángel para tu soledad y Juguetes perdidos (Redondos), Flight 956 (Porco Rex) y Ji Ji Ji (Redondos).

Sobre el Indio

El joven periodismo platense dice:

El indio Solari: El Hombre
Por Federico Valenti
“Sólo los dioses y los muertos pueden parecer perfectos”
Las ideas de cambiar el mundo que nutrieron a toda una generación, supieron encontrar en el Indio Solari un vocero. Cuando el rock nacional comenzaba a ser redundante, y se ambicionaba una nueva cultura, apareció Solari. Solari era “El Hombre”.
El Hombre estaba al frente de un varieté más que atractivo, compuesto por toda clase de bohemios, borrachos, bailarinas semidesnudas, ciudadanos iracundos, y “jóvenes artistas”, muy entre comillas, autodenominados “los redonditos de ricota”. Por si esto fuera poco, el atractivo de El Hombre (nuestro hombre) se incrementaba con sus líricas perversamente ambiguas, en las que cuadraban perfectas todas nuestras ideas y sentimientos.
Su propósito: ordenar, traducir a través de sus letras, su experiencia con la droga, la nueva izquierda, la psicología, la calle y la vida en comunidad. El resultado: un lunfardo actualizado, una nueva clase de tango, trascendente a toda clase social, y un circo que con el correr del tiempo se fue profesionalizando y se convirtió en una banda. Patricio Rey y sus redonditos de Ricota, comenzó militando en el under, en pequeños círculos intelectuales, y llegó a convertirse en la banda más popular e importante del país. Aun más épica se torna la historia, si consideramos la independencia del grupo con respecto a las grandes compañías disqueras, los consecutivos estadios llenos y el fanatismo del argentino rockero promedio. (Joder, no por nada desde Madonna hasta Megadeth graban sus discos “en vivo” en nuestros pagos).
Desde su conjunto musical, El Hombre, se limitó a exponer su arte, evadiendo los flashes y a los medios de comunicación y casi no hubo más declaraciones que las vertidas en sus letras. Pero sus maniobras evasivas fueron en vano, pues llamaron la atención de todos e incrementaron los misterios en torno a su presencia.
Solari, El Hombre, hoy no puede salir de su casa. Habla regularmente con la prensa. Dice lo que piensa. Es solista, aunque se presente en banda. No le importa el que dirán. Toca con Calamaro. Descuida lo “progre”, lo “políticamente correcto” al hablar de temas como la inseguridad o sobre los ricoteros mismos. Sigue acertado, obsesivo, intelectual. Aprendió a grabar él mismo sus discos y hasta hace sus tapas. Lo que mas desea en el mundo es poder fumarse un cigarrillo sentado en la vereda, sin que nadie le hinche las pelotas.
De La revista de Hank

Indio en La Plata: de mística y fiesta
Por Damián García Toro
Parece haber una identificación indisoluble entre la ciudad de La Plata y Los Redondos (o alguno de sus componentes, en este caso el Indio Solari). Es así que su presencia genera un movimiento que involucra a varias generaciones en la expectativa de poder revivir el ritual ricotero aunque sea en forma parcial. Expectativa también avalada por un par de buenos álbumes en solitario, es cierto, pero de alguna forma la gran mayoría de aquellos que vayan este sábado al show, buscarán reencontrarse con la mística de antaño, esa que los convirtió en leyenda.
Seguramente sonarán algunos clásicos para delirio de los presentes, quizá aggiornados a los nuevos derroteros musicales del Sr. Solari, y con la ausencia de la inconfundible filosidad guitarrera de Skay, pero creo que a esta altura a la gente no parece importarle demasiado “quien toque”, sino “lo que se toque”. Vaya como prueba el furibundo éxito de los tributos ricoteros como Etiqueta Negra.
Pero a no confundirse amigos. Este sábado el 50% del núcleo creativo de Los Redondos aparecerá bajo las estrellas platenses y eso es garantía de fiesta. No en el sentido en que muchos lo han entendido en la última década y un poco más. No en el sentido de la bengala y el aguante. No de esa que habla de que somos iguales, los de arriba y los de debajo de las tablas. De la fiesta que hablo es la del oído. Poder disfrutar de esa voz que remite a otras voces, al fervor de otras ideas, al espíritu mismo de lo que siempre ha sido el rock, ese que arde desde hace tiempo y para siempre. Eso es lo que tendría que entenderse de una buena vez. Que la fiesta se derrame desde abajo de las luces hacia la gente y que ésta asuma su rol de partícipe necesario, no esencial. Quizá esto haya sido uno de los elementos angulares en la decisión del fin de Los Redondos. Que los que están abajo terminaran de asumir su rol. La banda, y en especial el Indio, nunca hicieron de su arte un acto de demagogia. Lamentablemente eso nunca fue entendido del todo por sus fieles seguidores.
Así que cuando este sábado, Indio y sus acompañantes hagan arder la ciudad, recuerden todos aquellos presentes, que tienen una oportunidad única de "disfrutar" de una verdadera fiesta. Solo les resta cumplir su parte. La otra… bueno, la otra está garantizada.
De la Revista Condición: Extraños

Los Platos rotos de la fiesta
Por Franco Ruiz
A través de su poética, Carlos Solari (el Indio) amplió las fronteras del canon, ingresando al rock, de empellón, personajes que por entonces eran considerados bajos. Aparecen así en el imaginario patricio "susanitas", "desagenlados", "dráculas", "groguis", "bestias"... Solari Recupera la contracultura hypster, y desde allí narra los underground años ochentas, en sintonía con intelectuales y bohemios de una Nueva Izquierda bien representada por revistas de la época como Cerdos & Peces. Ahí está el video-clip de "Masacre en el puticlub", con su lenguaje comiqueado, y esos antihéroes grotescos, nerviosos, desbocados, que terminan a las piñas por no saber qué hacer con tanta libertad, tras casi ocho años de dictadura militar. "Mi amor, la libertad es fiebre", explica el Indio, en "Blues de la libertad" (Luzbelito, 1996). Pero no sólo el contenido fue novedoso para el rock argentino, también lo fue el continente. En efecto, influenciado por las historietas del norteamericano Robert Crumb (autor de "Fritz the cat"), Solari comenzó a soltar en sus letras figuras onomatopéyicas, como: "Mi fiel fantasma (bú-bú)", o "Me voy a pique (glú-glú)". Solari no era cantante. Era un poeta que se había tomado muy en serio el oficio de escritor. Comenzó a cantar a pedido de sus amigos. "Cantaba baladas brasileras, pedorras...", recordó el primer monologuista del grupo, Sergio Martínez (Muferchus Filosoforum). Y agregó: "Nosotros le pedíamos que cante porque tenía una voz muy rara". En sus comienzos, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota tenía más que ver con un circo criollo que con una banda de rock. Allí estaban, entre otros, Edgardo Gaudini (El Doce), que repartía disfrazado de sultán los buñuelos de ricota y nuez, que según él "eran afrodisíacos"; Sergio Martínez (Muferchus Filosoforum), que festejaba, a través de sus monólogos ¡y en plena dictadura! el momento "democrático" que vivía el país; los primeros riffs de Eduardo Beilinson (Skay), de clara vertiente "hendrixiana"... y la poesía del Astronauta Italiano, claro. Allí hay que ubicar los orígenes de la bestia pop. Para poder funcionar como una banda de rock profesional, el Indio y Poli –que a diferencia de sus ex compañeros de grupo no habían nacido en familias aposentadas- echaron a los que no estaban dispuestos a trabajar por el éxito de Los Redondos. La respuesta de Muferchus, tras ser reemplazado por el filósofo Enrique Symn, fue: "El Indio debe estar abrazado a una heladera llena de salmón". Solari se molestó con las declaraciones de Muferchus, y hasta hoy que no se hablan, siendo que eran como hermanos. La preocupación del indio, a quien nunca le había sobrado el dinero -y sabía lo rápido que éste se va, y lo difícil que es conseguirlo- era "pagar el plato". Irónicamente, el grupo actual del ex bajista de Los Redondos, "Pepe" Fenton, se llama "Fenton y los Platos Rotos". Está claro, la pregunta era quién iba a pagar los platos rotos cuando la fiesta terminara. Y la fiesta terminó. Y Los Redondos se convirtieron en el grupo más exitosos de la Argentina.
Autor del blog Cortando Diagonales

Malos recuerdos

Fue a ver a los Redondos a Uruguay y a Santa Fé. Estuvo cuando tocaron en Mar del Plata y en la cancha de Racing. Desde el ´95 hasta el 2001 no se perdió un solo concierto. Si Patricio Rey y los Redonditos de Ricota tocaban en Jujuy, él ahorraba para el viaje y las extras. Pero algo pasó desde entonces. No fue la separación de la banda, ni los emprendimientos solistas del Indio Solari o Skay Belinson lo que lo alejaron de los recitales. Sin embargo, este fin de semana no irá al Estadio Ciudad de La Plata. Es porque le trae malos recuerdos. Y porque Solari “colabora con la gran perdición”. No está arrepentido, pero cambió su vida y hoy está “en otro canal”.
Si hubiera que buscar un fana platense de los Redondos seguro que él se anota entre los más seguidores de la historia de la banda. Gabriel Colo no puede ir al concierto: “me hacen mal algunos recuerdos. Me hace mal ver a los pibes ser devorados por la marginalidad. La última vez que el Indio vino a La Plata (en 2004) no pude terminar de ver el recital. Me fui antes de que terminara”, contó a NP.
“Los Redondos me hicieron muy bien y muy mal”, aclaró, pero los fantasmas que hoy quiere espantar le impiden disfrutar de los buenos recuerdos. “Como dice una letra, la industria de la diversión quebró. He visitado cárceles y no quiero que nada colabore para que haya tipos ahí dentro. Con lo delicado que está la sociedad y el mundo, no tenemos que dar motivos para que haya gente que se enferme. Y, en ese sentido, el Indio colabora con la gran perdición. No soy comisario de nada y no digo que no hay que escucharlo, sólo que yo ya no lo puedo hacer”, agregó.
A los 34 años, el fanático está en crisis. Y Colo ya no quiere saber nada con él: “Los recuerdos me pegan palos. Los Redondos eran demoníacos, sus recitales son recitales del demonio. He visto situaciones emparentadas con la autodestrucción del ser humano. Está claro que cuando no tocan los Redondos la gente se destruye individualmente, pero en los recitales se matan todos juntos. Me hace mal. No lo puedo ver. Yo quiero luchar para la vida, para el amanecer. Me pasó ahora”.
A Colo no sólo le gustaba la música, los riff de la guitarra de Belinson o las letras de Solari. Se sentía atraído también por el despliegue futbolero del público. “Me llamaba la atención ver juntas a las hinchadas de futbol. No les conozco la cara, pero a través de los trapos pude ver a las hinchadas de Gimnasia y Quilmes juntas en el estadio de Unión, en Santa Fe. O a la Guardia Imperial con la de Chacarita en la cancha de Racing”, describió.
La última vez que fue a un concierto fue en Córdoba. Sacó la entrada y viajó desde La Plata para ver lo que luego sería el último concierto en vivo de los Redondos, pero no llegó a entrar. Antes, ya se había sentido mal durante un concierto que los Redondos dieron en Uruguay en el 2000. “Me di cuenta que estaba en retirada. Para mi no era seguir a una banda de rock and roll, para mí era todo. Cuando hago algo voy a fondo”, advirtió.

- ¿Solari no descomprimió la situación al romper con la banda y tocar solo?
- Si, puede ser. Se cortó él. Incluso mejoró musicalmente, porque se armó como una selección y hace música de última tecnología y generación. Y también cambió la metodología de los shows. Ya no hay un pasillito de dos por dos por el que tenían que entrar todos, como ocurrió en el Patinódromo de Mar del Plata o en la cancha de Huracán, que pese a ser un estadio sólo tenía un pequeño acceso. El Indio se cortó y mejoró la calidad de la organización de sus conciertos. Y subió el precio de la entrada. Eso, por suerte, cortó muchas fieras. Además tiene más respeto por la gente, ahora invita a ir. Hace varios años atrás no se sabía si salías vivo de un concierto. El Indio no es lo mismo que los Redondos. Si llegaran a tocar los viejos Redondos, con las condiciones que imponían en su momento, esto sería Kosovo.

Colo recordó las tragedias relacionadas con los Redondos, aportó su experiencia de haber ido a todos los recitales “desde el 95 al 2001” y justificó: “era la manera de sentirme vivo. Pero era tanto el fanatismo y la ceguera que sólo vivía para eso. Ni quiero pensar los muchachos de los barrios mas pobres y qué es lo que buscan… la droga nos ha ganado por goleada… los Redondos fueron mi condena. Ya cumplí con esa condena hermosa y ahora estoy en otra etapa, intentando tener mi propia banda, que es mi familia. Quise ser el Indio y dejé de ser yo… Lo miraba y hasta cuando hablaba creía que veía a mi viejo, lo adoraba. En el Indio veía a mi viejo, aunque a él nunca lo veo y no sé qué quilombo armó en mi vida. Este fin de semana me quedo sin recital y no voy a saber para dónde arrancar, pero por lo menos tengo la certeza de que estoy en mi camino”.

Luna Nieto

"Ponete a hacer canciones", le decía su papá, cuando ella soñaba con otra cosa, con ser actriz tal vez, no sabía qué. Lo cierto es que él la llamaba y le pedía que se sentara a su lado y le daba consejos. "Lo más difícil es hacer una canción simple, hablar el mismo idioma que la gente. Y vos tenés eso", le decía.
Y también: "No podés darle la espalda a tu vocación. Vos naciste para ser cantante". El Chango Nieto murió el 31 de enero pasado, pero ya sabía que la menor de sus seis hijos iba a hacerle caso. Luna Nieto lo recordará hoy, cuando a las 21.30 suba al escenario de El Ayuntamiento (1 e/47 y 48) y por primera vez muestre en público las canciones que su papá ya conocía y admiraba.
Luna va a dos mil por hora. Es rubia, colorada. Y tiene enormes ojos celestes. Parece polaca. Es una aplanadora cuando habla, segura, sobre sus proyectos. Tiene 23 años. Llegó a la entrevista un poco tarde, vestida de negro de pies a cabeza, con ganas de contar su proyecto, pero negada a las fotos. "No quiero que se use la imagen de mi cuerpo, de mi cara, porque yo soy cantautora, tendría que haber venido con la guitarra", se lamentó. Y concedió luego una nueva reunión para una sesión fotográfica, que se realizó 24 horas después, en un estudio en el que aceptó tirarse sobre un sillón de dos cuerpos para una toma desde una escalera, pero siempre agarrada a la guitarra. Y se cubrió la cara con sus manos de uñas cortas, pintadas de rojo, como siempre, tatuadas la izquierda con la palabra VIVIR y la derecha con palabra AMAR, que son cosas que no puede dejar de hacer, que si se olvida, dice, "se muere". Como antes, se puso un vestido negro, pero cruzado por franjas violeta, amarillo y verde.
"Con mi papá toqué muchas veces. Y la semana pasada toqué con mi hermana (la folclorista Carla Nieto), pero ahora voy a tocar seis canciones sola, con mi guitarra", contó. Cinco de esos temas son de su autoría y la sexta es un cover de Cole Porter, de los años 20, con letra en castellano. Hoy, además, tocará otras cinco canciones con su banda.
"¿Va a venir a verme?", le preguntó al cajero del bar en donde se hizo la entrevista. "Es imposible que no le guste porque canto con el corazón", le dijo. Poco después, durante la nota, aclaró: "Lo que es auténtico, tarde o temprano es exitoso. No famoso, sino exitoso. Eso decía mi papá. Y decía que el verdadero artista es igual arriba del escenario y abajo".
EN EL NOMBRE DEL PADRE. Luna tiene dos canciones compuestas junto al Chango. Permanecen inéditas porque él no tuvo tiempo para registrarlas, pero ella ya les guardó un lugar. Una será grabada por su hermana Carla. Y la otra estará en su primer disco, que será editado el año que viene. "Cuando mi papá me llamó para que le ponga la letra me dijo que yo tenía un vocabulario simple y profundo que me iba a permitir conectarme con la gente", contó. Y afirmó que él fue su primer fan. "Me decía que ya tenía el hit, que es una canción que se llama 'Y'. Me decía que ya tenía buenas canciones. 'Si una canción es buena con la criolla es porque es buena', me decía".
Fue El Chango el que le insistió una y mil veces para que se largara sola. Incluso, le dijo que dejara de estudiar canto. "Los que me conocen de chiquita se sorprenden por mi voz, que sale de acá", afirmó tocándose la boca del estómago. "De lo más profundo", agregó.
Luna estudió canto durante tres meses, pero no se podía conectar con la canción. Hacía todo bien, pero le faltaba el alma. Estaba yendo bien, pero para cualquier lado. En aquel momento surgió, incluso, la posibilidad de hacer un disco, pero el productor la quería llevar al pop. A una de sus canciones, le cambió un acorde. Cuando El Chango la escuchó puso el grito en el cielo. Luna no volvió a estudiar canto ni a ver a su productor. En su lugar, comenzó a ir a una fonoaudióloga. "¡Aprendí a respirar con el diafragma y listo!", explicó.
–¿De qué hablan tus canciones?
–De lo que siento, de mis cambios en el estado de ánimo. Pero, la verdad, yo pienso que no importa de qué hablan las canciones. Lo que importa es la sensación que provocan. Y si te permiten conectarte con la esencia de la canción. No hay nada si hay una gran melodía sin letra, ni si hay una gran letra sin melodía.
–¿Y cuál es el estilo?
–Yo le puse un nombre. Son una fusión involuntaria, porque no están pensadas, como escucho hoy que se juntan para hacer rock con folk o rock con tango. Yo lo hice sin pensar. Si escuchás un tema podés decir que es melódico o rock, pero cuando escuchás los doce ya no podés decir nada. Es una fusión involuntaria.
Luna es discípula de su papá. Nunca escuchó jazz, ni blues, aunque algunas de sus composiciones suenen exactamente a eso. "Soy aficionada, nunca estudié música", explicó. Y aseguró que tal vez por eso prefiera no meterse con el folclore. "Tal vez cuando sea más grande, porque me gusta, pero no es para cualquiera", aseguró.
Su debut iba a ocurrir en Buenos Aires, pero el dueño de El Ayuntamiento la escuchó, le gustó y se ofreció para producirle la fecha. Hasta esperó que ella armara su banda. El novio de su hermana Mariela, el percusionista Diego Alba, le armó el grupo. Ensayaron un mes y medio para la presentación en vivo.
"En algún momento pensamos que podíamos hacer los doce temas con la banda, pero luego entendí que había algunas canciones que debía tocar sola con la guitarra. Son canciones lentas, en las que tiene que escucharse el silencio de la canción. Porque al silencio no hay que taparlo, hay que mostrarlo", describió.
"No sé si yo tendría que haber sido cantante –le decía El Chango–, pero vos naciste para serlo. Sos hija mía para aprender". Luna no pudo antes, pero ya no piensa quedarse en el tintero, esperando. Y debuta en La Plata, haciéndole honor a su papá.

Recuadros afuera
Un padre
Carlos Alberto “El Chango” Nieto nació en Salta en 1943, pero fue en La Plata donde lo descubrió Hernán Figueroa Reyes, quien después de escucharlo le propuso grabar su primer disco. Había llegado a la capital bonaerense a estudiar y cantaba en las peñas folklóricas, que estaban en su apogeo. Tocaba el bombo legüero y componía folclore melódico, estilo del que fue uno de los máximos exponentes.
En La Plata conoció a quien sería su esposa Nélida y madre de sus 6 hijos, Carla, Hernán, Natalia, Rodrigo, Mariela y Luna.
Dice la historia familiar que ella se iba de una peña, ya estaba de espaldas al escenario, camino a la salida, cuando lo escuchó cantar. Y se quedó prendida de la voz. “Dice que al principio mi papá no era lindo, sino que con el tiempo se puso lindo”, contó Luna, divertida con la ocurrencia de su mamá.
El Chango falleció en La Plata el 31 de enero pasado, víctima de una enfermedad terminal. Tenía 63 años.

La banda
Luna toca con Hety Merlini en batería, Diego Alba en percusión, Nico Cerdá en bajo y Rodo Wader en guitarra.

Foto: Alberto Direnzo

Eternos caminantes

Decididos a "engomar el mundo de ilusiones con coches y golosinas y multitudes", y dispuestos a mostrar "los talentos que se tienen por dentro", los integrantes del taller El Cisne del Arte de la Casa de Pre Alta del Hospital Alejandro Korn presentan hoy el segundo número de Eternos Caminantes, la revista que produjeron en sociedad con alumnos y docentes de Diseño Activo, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Los talleristas, coordinados por la artista platense Laura Lago, presentan su revista a las 15 en la sede de la Casa, en 56 entre 9 y 10.
Eternos Caminantes resume las actividades a las que se dedicaron los talleristas durante el año: "La escritura, el dibujo, el collage y la pintura. Además, narra el proceso de elaboración de la marca del taller El Cisne del Arte y otros trabajos que propusieron desde la cátedra de Diseño Activo, relacionados con la identidad de los alumnos", describió Lago a Diagonales.
Formada en el teatro platense y a punto de recibirse como coordinadora de técnicas psicodramáticas y corporales en salud mental en el Instituto de Neurociencias de Buenos Aires (INEBA), y como profesora de juegos dramáticos en la Universidad del Centro (Unicen), en Tandil, la artista creó los talleres de la Casa de Pre Alta en agosto de 2006, luego de trabajar cinco años en el Hospital Neuropsiquiátrico Domingo Taraborelli, en Necochea.
–¿Qué particularidad tienen los talleres, teniendo en cuenta que los alumnos son pacientes de un hospital neuropsiquiátrico?
–Aunque no se descarta si el interesado lo propone, nuestros talleres no buscan la formación de artistas, más bien se piensa el lenguaje y el mundo del arte como un universo de recursos y contenidos del que pueda valerse una persona con sufrimiento psicofísico a la hora de expresarse, para vivir en armonía con su entorno y hacerse valer como sujeto de sus intereses. Por supuesto, también para que aquellos que se piensan como artistas puedan desarrollarse aún más. En los casos en que el arrasamiento subjetivo es muy fuerte, la apuesta del taller y la mía en particular es propiciar un terreno fértil para el nacimiento de algún tipo de interés, inclinación, ansias. Muchas personas llegan al taller sin saber con qué se van a encontrar.
–¿Cómo nació la revista?
–La revista nació por iniciativa de los propios talleristas, a partir de otras experiencias en las que habían visto materializado algún tipo de publicación. Este segundo número fue producido junto a alumnos y docentes de Bellas Artes, y arrancó de un encuentro con Sara Guitelman, adjunta del Taller C/Filpe de la carrera de Diseño y Comunicación Visual, a quien conocimos durante la muestra de fin de año 2007 que se hizo en el Centro Cultural Islas Malvinas. Ellos nos aportaron la gráfica del taller de arte, la creación de los afiches, el logo y el diseño de la revista. Y juntos creamos la marca El Cisne del Arte en un trabajo que realizamos en el taller de letras. Además, desarrollamos otros trabajos relacionados con la identidad de los alumnos.
–Por ejemplo...
–Trabajamos sobre el espacio que cada uno consideraba su casa. Fue interesante porque no se planteó el objeto casa, sino la función casa, ese lugar singular que cada uno reconoce íntimamente como su hogar, su refugio, su hábitat. Es importante esta mirada acerca de la función, dado que en este taller hay personas que viven en el Centro de Rehabilitación o en la Sala Ingenieros, dos espacios intra hospitalarios, o en pensiones o casa alquiladas. Y sin embargo, el "sentimiento casa" estaba presente en todos: un rincón, un sector del hospital a determinada hora, el taller mismo. La cuestión de "sentirnos en casa" nos atraviesa a todos.
–¿Hay proyectos para desarrollar otros objetos además de la revista?
–Este año mostraremos una selección de obras del taller de plástica acompañando la presentación de la revista. El año que viene, la intención es seguir trabajando con Diseño Activo y desde los talleres producir la publicación de un libro de poemas de un alumno que ya escribía, Daniel Degol; un libro tipo antología, de varios autores; una muestra plástica mas extensa, y la posibilidad de crear un taller de teatro y expresión corporal itinerante, que vaya girando por distintos lugares culturales de la ciudad.

Marcha Carnavalera

“Dicen que estamos locos de la cabeza, prefiero tener locura y no tristeza”, cantó la murga. “¡Daaaaaaale cheeeee!” arengó uno. “¡Vaaaamos!” apoyó otro: “llegó el Pulgón, llegó el Pulgón”, se presentó la comparsa. Traficantes de utopías, poseídos por Momo, coparon las plazas del centro de La Plata. Fue durante una marcha para pedir por un estado de alegría, para que los corsos recuperen para todos el feriado del carnaval.
Hay quien dice que llegaron a juntarse, silbando bajito, unas 80 murgas de la región, Capital y el Gran Buenos Aires. El encuentro fue organizado en Plaza San Martín para las 17, cuando estallaron los tambores. Y movilizó a los murgueros por la avenida 51 hasta la plaza Moreno.
Rojos de pies a cabeza Los diablitos de San Carlos II, de Moreno; violeta, verde y celeste Los prisioneros del delirio, de Sarandí. Violeta, blanco y amarillo Los lunáticos del arrabal, de Villa Pueyrredón. Verde y verde (otro verde, claro) el centro y murga La Pachorra, de Berazategui.
Pero La Plata estuvo ayer teñida de todos colores. Y los vecinos aprovecharon para ver el desfile de murgas. Y ver a las comparsas bailar al ritmo de bombos, platillos y alguna que otra trompeta.
–¿La municipalidad les otorgará algún premio?, preguntó la señora.
–No. Nada señora. Nada.
Tanto esfuerzo murgueril es para pedir el regreso del carnaval. Y parece que podría ser una verdadera fiesta. La marcha, por lo pronto, encandiló a los platenses que andaban por el centro, testigos involuntarios de la movilización. Los vecinos que se enteraban del asunto se acomodaban sobre la calle 51, sentados en el cordón los improvisados, sobre sillas plegables o banquitos de plástico los que andan dispuestos a festejar el domingo cueste lo que cueste, con el mate listo y agua caliente en el termo.
Un pibe con un cartel: "Basta de represión en las plazas". Un enmascarado en zancos, tirando espuma. Y chicos, muchos chicos, enfundados en trajes con lentejuelas, identitarios. Bolsas de papel picado tiraban los murgueros al cielo. Y al espacio lo tornaban todavía más multicolor, algo que apenas un segundo antes parecía imposible.

Foto: Eva Cabrera

En el nombre del padre

"A mi papá lo chupan un viernes por la noche en Olavarría. Llovía. Él volvía de la cochera de la vuelta de su estudio jurídico cuando lo levantan, el 29 de abril de 1977. Ese mismo día lo llevan a Tandil, al Centro Clandestino de Detención (CCD) de los hermanos Méndez, dos civiles que prestaron una quinta a las Fuerzas Armadas. El 3 de mayo se escapa y lo matan. Llega a una casa vecina en cuero y deshidratado, con las marcas de la tortura en su cuerpo... Las marcas de la picana ¿no?... Ahí lo ven un hombre y su hija. Pero atrás de él llega una camioneta del Ejército. Él corre, pero le disparan… La bala que lo mata entra por el pecho, de frente, de arriba hacia abajo. Se supone que lo alcanzan, lo hacen arrodillar y lo fusilan". El que habla es Matías Moreno y el hablado es su papá Carlos Alberto Moreno. El que habla es un sociólogo platense y el hablado es un abogado laboralista. El que habla es el director de la película "La sonrisa del negro. Cemento y dictadura en Olavarría", que podrá verse hoy, a las 19, en la Comisión Provincial por la Memoria, en 54 entre 4 y 5. Y el hablado es el protagonista de la película, el negro Carlos Alberto Moreno, amigo, vecino, hermano, marido y militante de la Juventud Peronista. El padre asesinado por la dictadura militar por defender a los trabajadores.
Matías nació el 30 de julio de 1975 y a los pocos días ya vivía en Olavarría. Su mamá, la platense Susana Lofeudo, trabajaba como maestra y su papá, recién egresado de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), hacía sus primeros pasos como abogado laboralista de la Asociación de Obreros Mineros Argentinos (AOMA), porque, como dijo cuando le ofrecieron representar los intereses de una empresa local, su opción era por los trabajadores.
Carlos Alberto Moreno fue secuestrado en Olavarría y trasladado al centro clandestino de detención "la Quinta de Méndez", en Tandil. Cuatro días después, el 3 de mayo, murió fusilado en un intento de fuga. Matías y su mamá, que estaba embarazada, volvieron a La Plata, donde se quedaron a vivir. Y en el pueblo quedó la familia paterna.
- ¿Cómo se te ocurrió filmar el documental?
- Fue por casualidad. Cada vez que iba a Olavarría a visitar a la familia de mi viejo me encontraba con alguien que lo había conocido. Con el tiempo me fui dando cuenta que algunos de los que me contaban las historias de mi papá se iban y ya no volvía a verlos. Entonces, se me ocurrió registrar lo que me contaban en un formato audiovisual. Y con mi novia comenzamos a filmar las conversaciones. Yo sabía cómo había muerto mi papá. No sabía cómo había vivido. Cómo había sido su infancia y su adolescencia.

El material que Matías logró reunir junto a Virginia Russell –su pareja y la mamá de su primer hijo, Pedro Facundo-, los entusiasmo. Y entonces llamaron a un amigo estudiante de cine que los ayudó a montar las entrevistas y organizar el material para que pudieran completar una película documental no profesional, que en su estreno en Olavarría fue vista por más de 350 personas.
A partir de los testimonios, el trío trabajó para reconstruir la historia de vida y militancia de Carlos Alberto, enmarcado en el contexto socioeconómico de la época y su lugar, Olavarría, para tratar de explicar porqué desapareció.
Licenciado en Sociología, Matías cree que su documental "no habla sobre la muerte, sino que cuenta qué hacían, cómo vivían, qué pensaban y porqué militaban mi viejo y los tipos de su generación. Mi papá era un tipo común y corriente que fue consecuente con su historia de vida. Luchó por un país mejor y estuvo dispuesto a dar la vida por ese proyecto de país".



RECUADRO
Causa judicial
Hay cinco imputados por el homicidio del Carlos Alberto Moreno. Los coroneles retirados Julio Alberto Tommasi y Roque Italo Pappalardo cumplen prisión domiciliaria porque tienen más de 70 años. El suboficial mayor retirado José Luis Ojeda es uno de los militares presos en el penal Marcos Paz. Además, la justicia tiene apuntados a los hermanos Julio y Emilio Méndez, dos civiles acusados como partícipes secundarios, pues se los señala como los dueños de la casa en la que funcionó el centro clandestino de detención conocido como "la Quinta de Méndez" durante la dictadura.
El juicio, que está en etapa de instrucción, se desarrollará en Mar del Plata durante el año que viene.
De todos los imputados, Julio Méndez tuvo su minuto de fama este año, cuando en un reportaje realizado al presidente de Federación Agraria (FA) de Entre Ríos, Alfredo De Angeli, apareció en cámara.
Supuestamente dedicado ahora a la producción agropecuaria, participó activamente de las protesta por la derogación de la 125, tanto en Tandil como en Rosario, Gualeguaychú y Palermo.
Además de los responsables materiales de la muerte de su papá, Matías aspira a llegar a saber quiénes fueron los autores intelectuales. Y apunta en la dirección señalada por el subtítulo de su película: "Cemento y dictadura en Olavarría".
"Queremos ir por los autores intelectuales del homicidio. Y entre los sospechosos están los gerentes de Loma Negra de aquella época y Amalita Fortabat, por ser la dueña. A mi papá lo mataron por defender los derechos de los trabajadores", aseguró Matías.

Puto

Un amigo llevó a otro y cuando quisieron acordar eran una banda a la mesa. Todo permitido menos hablar de política, bromeó uno. Ni de fútbol, exageró otro. Entre los amigos había un músico platense nacido en Benito Juárez. Y también un periodista platense nacido en Azul. Y podría haber habido un arquitecto platense nacido en Olavarría. O un abogado platense nacido en Trenque Lauquén. Y también había algún que otro Nacido Y Criado (NYC) 100% platense.
Tal vez por el desencanto de los emigrados, los adoptados por La Plata por obligación, porque se quedan, porque no se vuelven a sus pueblos -como bromeaba un NYC-, se puso en debate cuál es la peor ciudad de la Argentina.
Hubo votos para un puerto con base naval y una ciudad que se informa con un diario de la curia, por el lado de la provincia de Buenos Aires. Y sospechas sobre todas las capitales del noroeste. Algunos observaron entonces los nombres de sus pueblos natales.
El de Rauch se quejó por el nombre de su ciudad, que homenajea al coronel prusiano contratado por el presidente Bernardino Rivadavia para eliminar a los indios ranqueles de las llanuras pampeanas. Y el de Villegas recordó el revuelo que armó don Osvaldo Bayer cuando propuso cambiar el nombre del general contratado para matar al cacique Pincén por el del escritor Manuel Puig. Contó que hasta el intendente se volvió loco y lo fue a ver a Don Osvaldo al hotel, apenas se enteró de la propuesta:
- Qué me hizo Don Osvaldo-, se quejó el intendente.
- ¿Por qué?-, preguntó, no tan inocente, el escritor.
- Justo proponer Manuel Puig.
- Es un gran escritor. Es muy difícil que vuelvan a tener otro como él.
- Y… pero usted sabe…
Lo que debía saber Don Osvaldo y no quería atinar a entender, aunque lo entendía perfectamente, era que para el intendente era peor que el pueblo llevara el nombre de un genocida, de un mercenario, al de un puto, por más genial escritor que fuera.

La semana del niño

No es el día del niño, no. Ni llegaron los Reyes Magos; no, tampoco. Sin embargo, los chicos de La Plata tienen por delante una semana de fiesta: La muestra de los talleres artísticos de La Grieta, el espacio de encuentro y creación, risas y juegos, que hay en el Galpón de Encomiendas y Equipajes de la ex Estación Provincial de Trenes, en el barrio Meridiano V, que comenzará hoy y continuará hasta el sábado 6, también apto para jóvenes y adultos de todas las edades.
Más de 300 chicos de los diferentes talleres mostrarán los trabajos que hicieron durante el año y festejarán su aprendizaje con muestras en vivo, sueltas de faroles –o globos aerostáticos- y hasta la gran reinauguración de la Legendaria Cancha de Bolitas de Meridiano V, que cerrará el evento y se coronará con un campeonato de bolitas hasta que baje el sol, según prometió la tallerista Gabriela Pesclevi.
En una visita guiada realizada apenas horas antes de la gran inauguración, Pesclevi contó a Diagonales los detalles de la programación y adelantó, además, la presencia de Batuqueros Playeros para mañana, domingo, a las 22, en un inmejorable marco de suelta de faroles + fogón + tentempié + swing con fuego + sorpresas. Imperdible.
Las actividades se desarrollarán en el viejo galpón recuperado que alguna vez recibió y amontonó las encomiendas, en 18 y 71. Y comenzarán hoy, a las 11, con la apertura del taller de collage para chicos y grandes a cargo de la ilustradora María Wernicke, para lo que habrá que averiguar si quedaron lugares, porque los cupos eran limitados.
Hoy hay muestra de collages de los talleres de plástica para chicos La Vaca de Muchos Colores, a las 18. Y a la misma hora, el taller de plástica para adultos, que se llama Gato Imán, organizará juegos en el playón de la vieja estación.
A las 20, en los andenes de la estación y el interior del galpón, comenzará la muestra de los trabajos del taller de acrobacia aérea en telas, del que participaron chicos y grandes.
Algunas de las actividades del domingo se suspenden por lluvia, como el taller de construcción de faroles, a cargo de los Talleres de Plástica y el Taller de Objetos e Invenciones. Pero habrá otras que se realizarán aunque haya que ir con paraguas, como la presentación de la obra de teatro “Los campamentistas”, una creación colectiva para una noche de primavera del Taller de Teatro para chicos. Otra de las presentaciones bajo techo es la de danza teatro, que contará con la presencia de la bailarina Julieta Rano, como invitada especial.
Lo dicho: si está lindo tocarán los Batuqueros Playeros y se elevarán al cielo los faroles construidos durante la tarde. Si hay lluvia, la actividad será reprogramada.
Pesclevi explicó que no sólo se verán las producciones de los talleres que se desarrollan de marzo a diciembre, sino también el espíritu que los anima.
La tallerista, fundadora de La Grieta, adelantó que los días clave para que los chicos visiten la muestra serán hoy, el miércoles, el viernes y el sábado que viene, porque otros chicos mostraran sus trabajos. “Las programaciones del martes y el jueves serán más interesantes para los adultos, aunque a nosotros nos gusta que grandes y chicos estén juntos, compartiendo”, aseguró Pesclevi.
Además de las muestras, habrá talleres a los que sumarse durante la semana y eventos artísticos. El próximo fin de semana, además, funcionará una radio abierta en la que se difundirán las actividades de la muestra y se presentará un radioteatro: “La princesa Margarita no se quiere casar”, protagonizado por una vecina. Según pudo saber Diagonales, habrá panfletos en los que se difundirán rumores sobre el personaje principal de la obra, ferviente opositora del matrimonio y en romance con un dragón.
Con motivo de la reinauguración de la Legendaria Cancha de Bolitas, un espacio simbólico que representará a las canchitas de bolitas que había en el barrio cuando el juego era muy popular, aunque los chicos siguen jugando hoy, se desarrollará un campeonato (que ha de ser el primero del siglo XXI) hasta que ya no se vean chocar las lecheras con las japonesas o los bolones. La muestra cerrará poco más tarde, con una cena a la canasta.
Comenzará a gestarse, entonces, la organización para la cena de fin de año y la construcción del muñeco que será quemado para despedir el 2008. Pero esa es otra historia.

El tierras de Monseñor Aguer

La idea de crear una cátedra que lleve el nombre del Padre Carlos Cajade crece en la facultad de Trabajo Social de la Universidad Nacional de La Plata, luego de un seminario trimestral sobre Teología de la Liberación que contó con la presencia del teólogo Ruben Dri, entre otras destacadas personalidades católicas y de la militancia revolucionaria de los ‘70. La ex detenida desaparecida Graciela Daleo –integrante de la Cátedra Libre de Derechos Humanos de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA–, el teólogo Rafael Villegas, el ex cura Antonio Fenoy y el jesuita José Meisegeier participaron del cierre del seminario e hicieron públicas sus conclusiones. “Queremos un mundo en el que cada ser humano tenga sus necesidades básicas satisfechas desde el momento de nacer”, una frase de Cajade.
La corriente teológica que nació en los años ‘60, fundada en la idea de que hablar de los pobres es hablar de Cristo y hablar de Cristo es hablar de Dios, fue refundada durante el seminario, en la idea de que “cuando hay un pueblo que se organiza está Dios”, según explicó Fenoy, un ex cura que dejó los hábitos cuando se enamoró, en 1995.
Amigo de Cajade, Fenoy tomo prestada algunas de sus frases. Y fue con esa licencia que explicó: “O construimos desde los pobres una sociedad para todos, o dejamos que Macri construya una sociedad para pocos. Cajade siempre ponía en el centro a María, una chica que ahora tiene 11 años, hija de la miseria, que tiene HIV, y cuyos papás murieron con HIV. La ponía en el centro y nos decía: si construimos un país para que ella sea feliz todos vamos a ser felices”. Fenoy agregó que “hay un proyecto social, económico, político y humano que nace del Evangelio”.
A su turno, Villegas aseguró que “Dios se hace rostro en las prácticas de liberación” y explicó que “el Trabajo Social es la continuación de la Teología de la Liberación por otros medios”. Además, afirmó que “para ser cristiano no hace falta ser cristiano”, una idea que rondó por la sala durante todo el seminario.
Siguió Meisegeier –el padre "Pichi" Meisegeier, compañero de Carlos Mugica de toda la vida, además de su sucesor en el trabajo en la Villa 31–, que habló a los presentes sobre su experiencia. Contó Meisegeier un encuentro con jóvenes católicos misioneros de clase alta. “Después de que cada uno contara lo que hacía, les pregunté si iban a poder cumplir con el concepto de amor al prójimo en otras circunstancias, no misionando, sino en la empresa, como abogados o como médicos. Les dije que estaba muy bien la práctica cristiana, pero que la cuestión era qué hacer con la estructura del mal que está en nuestra sociedad. Porque a todos se les mete la política neoliberal”.
Paradojas o no, el cura tercermundista citó a Mafalda, la de Quino: “Malfalda dice que nadie amasa una fortuna si no amasa a los demás”, dijo Meisegeir. Y agregó: “no hay fortunas éticas”. Luego, denunció el negocio inmobiliario que se quiere hacer con la ciudad de Buenos Aires y puso sobre la mesa el tema de la Villa 31, de Retiro, tan en los medios en estos últimos días. Invitó a ver los ejemplos de las grandes ciudades del mundo, densificadas, que crecen para arriba. Y denunció el prejuicio neoliberal de que todos en las villas son “vagos, atorrantes y desvergonzados”. Y advirtió: “están creando una sociedad más caníbal, más incapaz de convivir en paz y armonía”.
El cura hizo números. Aseguró que los countries instalados en el Gran Buenos Aires ya ocupan una superficie cuatro veces mayor a la de la ciudad capital y denunció que hay más de cien barrios cerrados en altura, que se venden con la excusa de vivir con más seguridad y mayor contacto con la naturaleza”. Dijo, además, que mientras tanto, “el 26 por ciento de los argentinos viven en viviendas subnormales, ranchos o casillas”. Abogó, finalmente, por la coherencia ética para respetar el Evangelio en el trabajo y en la casa para que “entre todos construyamos una sociedad de hermanos, si queremos decir después que somos cristianos”.
Daleo tomó la palabra para cerrar la mesa y aportar su experiencia de militante revolucionaria que dio sus primeros pasos como misionera siendo apenas una adolescente. Destacó la posibilidad de “mirar la realidad desde la fe” e hizo propia una frase del seminario: “El deber de todo cristiano es ser un revolucionario. Y el deber de todo revolucionario es hacer la revolución”.

Urgente: nos roban

Un grupo de actores inició una cadena de mails en los que denunciaron supuestas irregularidades en la elección de los elencos de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires y el Instituto Cultural. Las denuncias recayeron específicamente sobre actores y directores de La Plata presentados bajo los rótulos de "urgente" y "nos roban". Las quejas eran por la presencia de jurados de La Plata para elegir a elencos platenses que competían con otros elencos de la zona norte. Y el hecho de que la selección hubiera sido realizada por video, en lugar de en un teatro.
La elección, escribió un anónimo, "volvió a mostrar cómo los funcionarios, actores y directores platenses son cómplices de un saqueo sistemático de dinero de un modo encubierto, además de traicionar el espíritu real de este tipo de festivales".
Un segundo mail, también anónimo, llegó poco después. Diagonales halló a su autor, que pidió que su identidad permaneciera secreta por miedo a represalias. Además, otros actores enviaron mails con diferentes denuncias: "muchos callamos porque si hablamos nos cierran los pocos espacios que nos quedan", justificaba uno.
La respuesta tuvo la firma de la Asociación Argentina de Actores, Delegación La Plata. También a través de un mail. Los integrantes de la Comisión Directiva negaron que la comunidad teatral de La Plata fuera "un todo unívoco, amigo y maquiavélico" y sobre la selección de obras para el festival zonal 2008 de la Comedia de La Provincia, los actores justificaron las decisiones del Instituto Cultural. "El hecho que de 12 elencos elegidos 7 sean de esta ciudad responde más bien, a una cuestión numérica. ¿Saben ustedes que de La Plata se presentaron 31 grupos y las demás ciudades agrupadas en la zona Norte sumadas todas presentaron 21?", preguntaron.
Entre tantos mails que iban y venían, reenviados por diferentes protagonistas, la actriz Dora Valenzuela se sumó a las denuncias anónimas con nombre y apellido. Y aseguró que "hay actores que hace años son elegidos a dedo por los directores de la comedia" y advirtió que "el gremio de actores presiona para que determinados actores, estén si o si en las producciones".

Los rubios

El Gran Buenos Aires visto a la madrugada desde la ventada de un colectivo se parece al traveling de una película de Jim Jarmush. También la vida interior de la máquina que transporta seres humanos desde un lugar cercano (Quilmes, Florencio Varela o Berazategui) puede parecer una película de Jarmush. Blanco y negro.

Unas pocas personas recién salidas de sus trabajos nocturnos esperan el micro en el Cruce. Y suben para tirar sus humanidades sobre asientos cuyos respaldos van y vienen como hamacas. Es sábado a la noche y debieran estar felices, pero no. En la parada de Varela la gente tiene cara de cansada, de explotada.

Poco más allá suben cinco o seis metaleros, vestidos con remeras negras que dicen Almafuerte, el poeta renombrado en banda de heavy metal. “Grande se ha hecho la franja entre el arriba y abajo. Unos se van pa’ Miami, otros se van al carajo. Son cosas que pasan... son cosas que pueden pasar”, cantan en los recitales.

Se bajan casi todos antes de llegar a la rotonda de Alpargatas, algunos en El Ombú, otros en Bosques y los últimos en el Barrio Pepsi. Arriba quedan los otros, los que van con cara de cansados. O explotados. En Alpargatas se suman una pareja y un par de tipos, que salieron y vuelven a casa. También un inspector, que pica los boletos. Y hasta le hace pagar a uno que el chofer dejó pasar, para no pelear, por no discutir.

Camino General Belgrano. Villa Elisa, City Bell. Dos chicas y un chico caminan rezagados. Una lleva a otra a caballito, algunos alientan. Un pibe hace pis sobre el portón de una casa. La banda sube al micro. Son tantos y se demoran tanto que los rezagados llegan jugando. Se divierten. Hay colados. Los ve el guarda, pero los deja pasar. Una chica está preocupada porque le faltan 10 centavos. Los consigue de sus amigos. Se van al fondo y cantan el feliz cumpleaños. Son chicos felices. Y gritan que están borrachos. Una de las chicas pregunta “dónde nos bajamos”. Y uno le responde que “en Plaza Italia”. Y ella dice que "no. En Plaza Italia no: está lleno de negros”.

Arte indisciplinado