Humor for export

La verdad sea dicha ya en estas primeras líneas: no están pasando un verano panza arriba, tirados sobre una lonita, ni saltando el oleaje allá lejos en el mar, detrás de la rompiente, aunque siempre pueden aprovechar alguna mañana para hacerse una escapada a la playa. Y jugar a la paleta un ratito. “Nuestro trabajo empieza a la tardecita”, aclara a Diagonales Diego Cremonesi, más conocido como “Paco Rimenver”, el guitarrista del famoso conjunto artístico musical surgido en La Plata con el nombre de Rimenver y que en este mes de enero conmovió con sus interpretaciones al público marplatense y de Villa Gesell.
“Estamos muy contentos porque viene mucha gente a vernos y la respuesta es muy buena”, explicó el actor, luego de la playa y antes de salir a hacer una entrevista con Juan Alberto Badía en Villa Gesell.
Los Rimenver estuvieron todo el mes en la costa. Hicieron base en Mar del Plata, donde aún les quedan tres funciones que harán esta semana: 26, 27 y 28 en la Sala Jorge Laureti del Teatro Auditorium, ubicada en el Centro Comercial del Puerto. Pero también estuvieron en Villa Gesell. Y siempre que les quedaron unos días libres se volvieron a La Plata.
-Dónde paran en Mar del Plata.
-Alquilamos un monoambiente.
-¿Y se llevan bien?
-¡Si! Ya hace mucho tiempos que nos conocemos -aclaró el actor.
Los viajes a La Plata son para concentrarse en lo que será el próximo espectáculo del grupo, que se tomará el mes de febrero para poner a punto la nueva obra, de la que todavía no se animan a adelantar nada. "Es que lo nuestro es una creación colectiva, tenemos algunas bases, pero todos aportamos a todos y vamos organizando el espectáculo juntos", justificó Cremonesi.
Con Rimenver - in concert, el cuarteto creó un espectáculo musical, teatral y humorístico que, a partir de una sátira, muestran a una familia de artistas que alguna vez tuvo éxito como compositores de lo que ellos llaman "shingles", boleros, valses, baladas, tangos y hasta temas de iglesia.
Ahora, se juntan a improvisar, a charlar y ver qué cosas nuevas aparecen, más allá de los roles.
“Lo nuestro es cooperativo. Todo en colectivo. Y también creamos en colectivo. Todos proponemos y todos decidimos”, contó el actor.
Mientras están en Mar del Plata, las actividades empiezan a la tarde, por lo que algunas veces pueden ir a la playa.
-¿Son de ir a la playa?
-Si. Justo el jueves fuimos los cuatro. Dos sombrillas, dos juegos de paleta, dos mates -enumeró.
-Ah bueno, entonces la pasan bien juntos.
-Ya son seis años. Nos conocemos mucho.
-¿Qué hicieron?
-Jugamos a la paleta y Anahí tuvo que pelearse con unos chicos que se pusieron a jugar a la pelota arriba de la canchita que habíamos armado nosotros.
-Es que a Mar del Plata va mucha gente.
-Me encanta Mar del Plata para trabajar. Es una plaza buenísima. Pero para descansar prefiero un lugar más tranquilo. Y creo que el resto opina igual, porque esto es como Buenos Aires y todos preferimos un lugar más agreste, más tranquilo. Además, no es que nosotros estemos re turistas. Vinimos a trabajar.
-¿Qué días son las funciones?
-En el teatro tenemos lunes, martes y miércoles, a las 23. Algún jueves estuvimos en Villa Gesell. Y también hicimos promociones y alguna fiesta privada, pero si no trabajamos nos volvemos a La Plata. Preferíamos estar en casa.
En La Plata uno sufre por el León y los otros por el Lobo, aunque parece que sólo Cremonesi es futbolero. "Voy a la cancha a ver a Estudiantes, a full. Pero a los demás no les interesa mucho el fútbol. Son de Gimnasia, pero no se hacen mala sangre. Piensan que sigue jugando (José) Montelongo".
- Es mentira, es mentira -grita Anahí. Y exige: -quiero derecho a réplica.
Pero ya no hay tiempo. El descargo de Anahí Carnevalle, Evangelina Rimenver en la obra, quedará para otro día. Hoy, apenas la invitamos al test playero.

RECUADROS
Lo nuevo
Acerca del nuevo show que están preparando, Anahí Carnavale adelantó que "no nos arriesgamos a contar nada porque no hay nada concreto. Sí que el año que viene va a haber un nuevo espectáculo, siempre sobre la misma base de la familia. Hay muchas ideas y mucho material dando vueltas, tenemos que ordenarlo y ver que rumbo toma, pero es muy difícil el proceso creativo".

Un colectivo
Los Rimenver son una disparatada familia compuesta por Caito Rimenver (Victor Hugo Fernández), su concubina Melina Amelia Meléndez de Rimenver (Virginia Palavecino), su hija Evangelina (Anahí Carnavale) y su primo Paco (Diego Cremonesi).
El grupo trabaja un espectáculo “De Café Concert”, que crea de manera colectiva. Todas las ideas provienen de sus cuatro cabezas y si en algún momento no concuerdan en algo hacen una votación. Los que pierden acceden a someterse a lo que decidió la mayoría.
Los Rimenver ya preparan su nuevo show de la familia, para volver a salir de gira.

La tele de acá

La tele argentina fue, como siempre, incapaz de sobriedad y originalidad a la hora de mostrar la asunción de Obama. Mientras que CNN en español transmitía el discurso con apenas un pequeño gráfico (sobre el vértice inferior derecho de la pantalla) en el que informaba, escuetamente, que se trataba de la “toma de posesión”, Crónica TV saturaba con un “Obama ya es el hombre más poderoso del mundo”.
El hecho pasó casi desapercibido para la tele de aire. Mirta Legrand, en América, fue la única que pasó algo, aunque mechándolo con un concierto de Bruno Gelbert, en el que (obviedades del autobombo) se veía a la señora en primera fila.
Como Crónica, Canal 26 también hizo gala del mal gusto: “Habla presidente Obama”, puso. América 24 y C5N fueron bastantes discretos, aunque ambos canales reforzaban partes de discurso con frases textuales. Lo mismo hizo TN, cuya mayor originalidad fue poner la sensación térmica en Washinton: -8º. Se llegó al evento, claro, como si hubiera sido impredecible, con carteles de “Urgente, llega Obama”; “Urgente, Jura Obama”.

La captura es de fotolog adolescente, vía Papipo, de Del medio recargado

Comparación

El mayor derrame de hidrocarburos sobre agua dulce del que se tenga conocimiento se produjo un día como hoy en el río de La Plata, aunque el hecho permanezca ignorado y no peleen por él los de Greenpeace. El accidente ocurrió en el kilómetro 93 del canal del río de La Plata, cuando el buque Sea Paraná quedó al garete y chocó al Estrella Pampeana, de la petrolera Shell, que perdió unos 5.400.000 litros de petróleo.
Para tener una buena idea de la magnitud del accidente, es posible compararlo con otros hechos tan reales y concretos, como el que ocurrió poco después en Galicia, en España, en el Océano Atlántico.
El 13 de noviembre de 2002 el buque Prestige, cargado con fuel-oil pesado, se partió en dos frente a la costa de Galicia, derramando una cantidad desconocida de su carga. España calculó el derrame en 11 millones de litros de fuel. Además, los restos del buque se hundieron y yacen en la profundidad.
Los hidrocarburos contaminaron la costa occidental de Galicia y el Golfo de Vizcaya primero, y la costa norte de España y Francia, después, pese a la operación de limpieza con buques de España y otros nueve países.
Según informó el gobierno Español a su parlamento en diciembre, el estado invirtió más de 1.000 millones de dólares en la descontaminación de la costa y las demás operaciones para afrontar la catástrofe natural, entre las que se encuentra un gasto de más de 25 millones de dólares, entre honorarios de abogados, peritos y expertos.
En Argentina es un misterio cuánto invirtió el Estado para descontaminar la costa, si es que invirtió algo. En tanto, hasta ahora, el único gasto que se conoce fue de la empresa dueña del petróleo y responsable de su traslado, que pagó algo así como 1.500.000 pesos por todo concepto de remediación, tanto por el daño al medio ambiente como a la economía de los pescadores y junqueros que trabajaban en la zona del desastre ecológico.

Vean: Patroleo en Magdalena

Un misterioso Mr E. premió a Norma por su último disco

Un misterioso mecenas del rock independiente argentino –un mecenas pobre según su propia definición–, acaba de coronar al último disco de la banda platense Norma como el mejor del año 2008, luego de una selección que incluyó 69 trabajos de todo el país. El grupo recibirá mil pesos en efectivo que deberá utilizar en la grabación de su próximo disco, una ayuda que representa entre el 5 y el 7 por ciento del total de la producción de una banda que se autofinancia.
"Una mano nos viene bien siempre, pero lo importante es que nos da una dimensión nueva sobre dónde estamos parados, porque el tipo que nos eligió vive en Mar del Plata. Hasta allá llegamos con nuestra música, nosotros, que somos una banda platense y siempre tenemos la repercusión de lo que hacemos acá, en La Plata. Y no tanto en otros lugares. Está bueno ganar un premio", explicó Chivas Arguello, guitarra y voz del cuarteto.
Norma se formó en 2003 y editó su primer disco en 2006. Se llamó Rock dos tonos, título que es una especie de declaración de principios para la banda, que es descrita por la prensa especializada como un grupo post punk, post rock de melodías epilépticas, minimalista y eléctrico. Ya desde entonces recibe elogios: la revista Rolling Stone dijo que el suyo era uno de los 50 mejores discos del año. Y puso a su canción “Warhol” entre las 100 mejores. Luego fue ternada como Banda Revelación por el diario Clarín y en marzo del año pasado llergó al Gran Rex, como telonera de los neoyorquinos Interpol. El año pasado editaron su segunda placa, que lleva el mismo nombre que la banda.
“Tiene nombre de señora pero es una banda de rock”, se presenta el grupo en algunas promociones radiales. Y es que cuando pensaron el nombre, cuando todavía eran un trío, los muchachos hacían punk rock pero pensaban que tenían que sacarte el estigma del género con nombres de tipo Sacate la gorra. Iba a ser Bandera, pero de pronto uno tiró eso de ponerle un nombre propio. Y salió Norma, una palabra que puede interpretarse de varias maneras, pues también habla de la ley y las reglas.
En el estudio de grabación La Burbuja, que el guitarrista de la banda, Gualberto de Orta, tiene desde hace 15 años, Norma recibió a Diagonales en plena grabación de un pre demo con la ausencia de su bajista, Richard Balladoni, que anda de viaje. Chivas, Gualberto y el baterista Pablo Cosarelli arrancaron la nota con una sentencia de Frank Zappa, a modo de advertencia: "Los periodistas rockeros son personas que no saben escribir, entrevistando a personas que no saben hablar para gente que no sabe leer".
–¿De qué vamos a hablar? –preguntó Cosarelli.
–Del premio de Mr E.
– Ahh! No sabía ni que existía. Me enteré el 30 de diciembre, cuando ya éramos doce las bandas finalistas –aseguró el baterista.
–Yo sabía –intervino Chivas.
–Lo mejor fue que nos llamó un montón de gente para avisarnos que estábamos entre los finalistas y después para felicitarnos –reveló el baterista.
–Eso no nos había pasado ni siquiera cuando estuvimos ternados para el Premio Clarín –agregó el cantante.
Este misterioso Mr E que buscó entre las bandas independientes de todo el país a la que había editado el mejor disco, dedicó un gran espacio para los grupos platenses. Entre sus doce finalistas siete fueron de La Plata. Además de Norma, estuvieron seleccionados Crema del Cielo, Mataplantas, Atico, Thes Siniestros, Villaelisa, El Mató a un Policía Motorizado y Mostruo! Además, entraron entre las finalistas Flopa, Iguana Lovers, Go Neko! y la mimada Banda de Turistas.
Norma ya estuvo a punto de dar el salto de la escena platense a las giras nacionales. Fue una de las bandas que estuvo bajo la lupa de Juanchi Baleirón, un productor que supo hacer "radiables" a los Estelares, por mencionar sólo un ejemplo de la ciudad. "Aunque es lindo que te escuche mucha gente, no nos morimos por la fama o el dinero", aclaró Chivas. Y explicó que lo de Norma es intentar meterse adentro del cuadrado, para hacer algo diferente desde adentro. El cuarteto se reconoce como una banda platense, bien arraigada. El abuelo de Chivas ya tenía tierras en la zona antes de que se fundara La Plata. Y tres de los cuatro integrantes del grupo son de Estudiantes. El último disco tiene un track oculto que se llama "Pincha" y es una declaración de principios.
Cada vez que compone un tema, el cantante espera con ansiedad para que la banda se junte a tocarlo: "quiero que lo toquemos los cuatro, quiero saber cómo suena; es como una pulsión", explicó. Para Gualberto, que grabó el primer disco del grupo y fue el último en sumarse a la banda, hace tres años, "cada encuentro es como una película, porque la banda tiene una manera de trabajar muy directa, va al grano, sin vueltas, como suena". Y además, siente que "hay una conexión en las guitarras, que tienen un sonido ecléctico y jazzero, de acordes simples con cuerdas al aire".
En el estudio La Burbuja Norma ya graba sus predemos, para recordarlos, para escucharlos, para perfeccionarlos. Según el cantante, "la música es una felicidad, una energía, una convicción. Tenemos un proyecto. Y no se nos ocurre no estar ensayando, no estar tocando. Por otro lado, le vemos algunos frutos y eso nos incentiva".

Recuadro
Imperdible
Norma - Norma / Cala Discos

El primer disco de los platenses Norma me gustó mucho. Fue un golpe de espontaneidad rockera. Esperé su segunda producción pacientemente y con altas expectativas. Debo confesar que no esperaba tanto. Sin rodeos ni vueltas estériles, les digo amigos que Norma ha forjado un disco extraordinario y se suma, con serias posibilidades, al lote de favoritos de Mr E.
El tiempo ha hecho un trabajo de orfebre en las canciones de Norma. Lo que en su primer álbum se escuchaba un poco desnudo, hoy ostenta un sonido gordo, poderoso, consistente. La sonoridad un poco latosa de "Rock 2 Tonos" (y del EP solo para fans, como Mr. E, que incluía tres temas de este álbum en versiones algo descarnadas) ha dado paso a un lenguaje musical de excepción. Probablemente Norma se haya convertido con este disco en la banda de especialistas más creativos e imaginativos de la guitarra eléctrica. Su manejo muestra una ductilidad, no exenta de furia y rabia garagera, y un bagaje de recursos tan amplio como la calidad de sus riffs. Las voces tensas y nerviosas son un sello distintivo de la banda. Las melodías se suceden en fraseos adictivos que convierten a todas las canciones en potenciales hits.
Además Norma se planta con un discurso tan claro como coherente, pleno de ironías y fino humor. Todo el disco respira música. Las canciones hablan de guitarras, recitales, canciones, bandas de rock y un largo listado de vínculos musicales.
Hasta tienen la elegante iniciativa de tomarse a si mismos en joda ("estoy seguro que vos hubieses hecho una mejor canción con esta misma canción" o "simple, sin pensar", en "Simple"); enunciar sus influencias con orgullo militante o tomar clara posición al decir, con todo respeto por cierto, que NOTVG llanamente… no les gusta ("NOTVG"). Estas conductas son muy poco frecuentes en el rock argentino y, desde aquí, se festejan.
Escuchar este disco es un deleite para paladares de amantes de canciones veloces, melodías atractivas y guitarras excelsas. La banda suena como una ametralladora. Imperdible.
Creador del Premio Mr E.

Los 12 que llegaron a la final
Norma: Segundo paso de Norma y su rock nervioso y adictivo. Villelisa: Pop que busca en la belleza de lo simple. Muy buen debut. Atico: Tensos y potentes. Otro debut prometedor y explosivo. Thes Siniestros: Original rockabilly para bailar y rockear. Flopa: Ya una verdadera referente del rock independiente con un álbum de fina sensibilidad. Crema del Cielo: Apabullante álbum de pop de potencia poco habitual y discurso social. Iguana Lovers: Retorno equilibrado de guitarras con aditamentos electrónicos en su justa medida. Banda de Turistas: Aparición inesperada de adolescentes que buscan en el inicio del rock argentino para hacer pop de melodías brillantes. Go Neko!: Un álbum instrumental que no pierde el pulso ni la expresión del rock más potente. Mataplantas: Consolidando su carrera con un álbum inspirado y arriesgado. El Mató a un Policía Motorizado: El más logrado eslabón de su trilogía para cerrar una etapa brillante. Mostruo!: Renovada visión del proto rock argentino con humor, espontaneidad y talento.

Lavame sucio

¿Arte efímero? ¿Declaración de principios? Vaya a saber qué es lo que hace a los ocasionales transeúntes escribir en los capot o parabrisas de los autos estacionados, con una capa de tierra encima.
Hay quien podrá asegurar que es una venganza de quienes tienen que ir a pie de un lado a otro de la ciudad, mientras los coches esperan ahí, estacionados, detenidos, ni siquiera limpios. Esta es una teoría que tal vez esté justificada en tan común frase "Lavame sucio". Quién sabe.
Parece que escribir sobre una superficie sucia es muy tentador. La idea, incluso, fue usada hace unos años por un detergente chileno para hacer un enorme cartel publicitario. Los creativos imitaron la suciedad del polvo en los últimos cuatro pisos de un edificio vidriado al que le grabaron, enorme, la leyenda “lavame”. No se animaron a usar la frase completa, pero la idea estaba ahí. El detergente prometía “limpiar algo así de grande con muy poco”.
Dicen, además, que el lavame sucio no es patrimonio sudamericano. “Wash me dirty”, les escriben en Inglaterra, “lave-moi sale” en Francia, “wasch' mich, schmutziger” en Alemania y “was me, vieserik”, en Holanda.
Lo cierto es que no siempre son recomendaciones de limpiezas las que dejan los transeúntes. Hay quien la aprovechó alguna vez para insultar a su profesora de matemática (por razones obvias) o quien vio que del espejo retrovisor colgaba una cinta futbolera identitaria para sentenciar: “Amargo”.
Pero lo cierto es que cada época es capaz de parir insultos nuevos, a los que en el futuro habrá que estudiar en su etimología para entender de qué fuente y cómo fue que su forma y significado cambiaron como para terminar en un insulto.
Un peatón que pasó por al lado de una Chevy negra estacionada en avenida 44 entre 4 y 5 dejó sus sentencias sobre el capot: “sucio”, “puto”, “flogger”.

Teatro en la ONU

Tocaba el piano desde chica y pensaba que iba a ser concertista. Sin embargo, a los 16 años se dio cuenta que no iba a poder pasar 8 horas al día sola y se volcó al teatro. Metódica, estudió Artes Combinadas en la Universidad de Buenos Aires para tener conocimientos teóricos, se formó como actriz con Raúl Serrano y apuntaba a la dirección cuando su marido se ganó una beca para ir a estudiar a Estados Unidos. Y allá fue, a insistir con lo suyo, a terminar de formarse una carrera. Pudo hacer un master y salió de un curso en el Instituto Internacional del Teatro Saratoga convencida de que podría conquistar el mundo. A los pocos días, recibió un llamado de lo más alto de la Organización de Naciones Unidas (ONU). A los 33 años, la platense Jimena Duca se convirtió en la primera directora de teatro en presentar una obra financiada por el organismo internacional. La obra que creó con sus compañeros neoyorquinos lleva de nombre Mika y está inspirada en la historia de Susana Trimarco, la mujer que después de sufrir el secuestro de su hija Marita Verón en 2002 comenzó una lucha con la que recuperó a 150 chicas secuestradas en Argentina por redes de tratas de personas para la explotación sexual.
Duca pasó por La Plata para saludar a su familia y recordó su infancia en la escuela Nº 5; su paso por el bachillerato de Bellas Artes, en el que conoció a sus mejores amigos y aprendió que el arte puede cambiar el mundo; y también se acordó de su maestra de piano, Susana Rome, que le inculcó el respeto por la disciplina y eso de ponerse metas porque podría llegar a donde se propusiera. Y entonces, se tomó una tarde para una entrevista con Diagonales en Plaza Belgrano, cerca de la casa de su infancia.
Fue en el año 2003 que su marido, Andrés Giallombardo, ganó una beca para ir de la Facultad de Ciencias Naturales y Museo de La Plata a estudiar a la Universidad de Columbia. Y la pareja se mudó a Manhattan marcada por la crisis del 2001. "No nos echaron, pero uno quiere crecer y en aquellos años en Argentina no había posibilidades. Y nosotros nos fuimos a la aventura, porque (el director de teatro) Bob Wilson era lo único que me sonaba de Nueva York. Sin embargo, me enamoré de la ciudad apenas llegué”, describió.
LA CARRERA. En Nueva York, Duca fue oyente en la prestigiosa Universidad de Columbia y se ganó una beca para un master en la City University of New York (CUNY). Empezó a ir mucho al teatro: cuatro veces por semana. Hizo una pasantía en el Soho Rep y en junio de 2008 hizo el curso que iba a permitirle tener la confianza para encarar la propuesta que en persona le hacía Rachel Mayanja, la consejera en temas de género del secretario general de la ONU, Ban Ki-moon.
"Saratoga fue un antes y un después. De ahí salís creyendo que conquistás el mundo", explicó Duca. Justo en ese momento le llegó la invitación sumarse a la campaña mundial contra la violencia hacia las mujeres. La propuesta era tentadora: crear una obra original para ser presentada apenas cinco meses después. Duca puso en conocimiento de la novedad a su grupo Tiyatroglobal y no sólo aceptó el desafío. Sino lo que llevó lo más alto posible: "Se pensaron que ´bueno… ahora los artistas van a hacer algo´. Pero ahora creen que el teatro puede ser una herramienta de cambio. A medida que fuimos trabajando empezaron a ver al arte de otra manera. Nosotros no nos achicamos. Y les hicimos poner mucha plata. Y les exigimos que la obra sea presentada en el mismo lugar en el que ellos discutían".
EN LA PLATA. La Madre de Plaza de Mayo Adelina de Alaye fue invitada a la conferencia de prensa en la que Duca contó su experiencia artística en el Teatro Coliseo Podestá. Durante la charla, Adelina confesó que no había podido ver Vidas Robadas, ni Montecristo, ni los programas de Televisión por la Identidad que dieron en Telefé. "Sin duda ayudaron mucho, pero yo lo viví y para mi fue imposible verlos. La ficción me molesta, pero por las fotos que veo, tu obra parece ser diferente", le dijo la señora, con impresionante sinceridad y lucidez.
Duca explicó luego a Diagonales que Mika no es un melodrama y tampoco un documental, aunque está basada en la historia de de Susana Trimarco, la madre de Marita Verón, secuestrada a los 23 años por una red de trata de personas para la prostitución.
La pieza se llama Mika en homenaje a Micaela, la hija de Marita, que tenía 3 años cuando su mamá fue secuestrada el 3 de abril de 2002, en la ciudad de Tucumán; y aborda distintas caras de la violencia de género. Su hilo conductor es la historia de Trimarco, a quien Duca entrevistó en Tucumán, en la fundación donde da hogar a las chicas rescatadas de las bandas de tratantes en cabarets de todo el país.
La obra denuncia la violencia de género, la corrupción policial, la mirada esquiva de la Justicia y la indiferencia de las autoridades para combatir la explotación sexual.
"En Mika nadie actúa de Marita Verón. Ella es la ausencia. No mostramos a los villanos. Hay policía corruptos y jueces que miran para otro lado, pero no aparecen los cafishios violando a las chicas", describió la directora. Y agregó: "Usamos símbolos para ver qué hace la comunidad, qué hace la Policía, qué hace la Justicia. Usamos la repetición, pero en ningún caso hay golpes bajos. Hacemos que la mamá vaya de un juez a otro para que se muestre el sistema que se niega buscar a su hija, para que lo ocurrido pueda ser analizado por el espectador".
El texto está cruzado por un cuento infantil que la autora cree que está relacionado con la trata de personas: Caperucita roja. "Es lo más parecido a la historia de un secuestro de una mujer. El lobo es el tratante y el cazador es quien la libera", describió.
Mika se estrenó el martes 25 de noviembre en conmemoración del Día Internacional por la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres, en la sala de discusiones del edificio de la ONU, en la 1ª Avenida y la calle 46. El surcoreano Ban Ki-moon, ofició de anfitrión. La obra se repetió el 1º de diciembre en el Día Internacional de Lucha contra el Sida y, un día después, en el Consulado argentino en Nueva York.
“Es verdaderamente un hito y estoy súper feliz”, dijo tras el estreno. "¡Me creyeron!", explicó ahora, feliz por el acontecimiento que acaba de tenerla como protagonista.

Un modelo para crear
La idea que empezó a crecer en la cabeza del secretariado general de la Organización de Naciones Unidas (ONU) es que Mika empiece a girar por el mundo. Y Jimena Duca cree que eso es posible, porque la obra es "un modelo para crear que está basado en técnicas de composición", según explicó. Y tal vez pueda comenzar a girar por América Latina en marzo, con un estreno Argentino, que podría ubicarla en La Plata.
"Está muy verde", aclaró Duca, aunque confirmó la posibilidad de que el elenco neoyorquino comience a formar otros elencos que a su vez formen a otros elencos y que la obra se multiplique para que, desde la sala de conferencia de la ONU se extienda a todos los rincones del planeta.
Además, Duca confía en que Mika pueda desarrollarse con técnicas participativas, para que el público incida en el desarrollo de la obra y que pueda cumplir un rol pedagógico, de concientización, al estilo del teatro social o teatro del oprimido planteado por Augusto Boal, el dramaturgo, escritor y director brasileño, nacido en 1931, candidato al Premio Nóbel de la Paz 2008.

El curso
En el Instituto Internacional del Teatro Saratoga, Jimena Duca vivió un mes en un campus con artistas de todo el mundo. Allí, tomó clases con Anne Bogart, quien es considerada como una de las mejores docentes de dirección de Nueva York, y creadora de la técnica teatral de improvisación que presta un vocabulario para pensar y actuar en el movimiento, conocida como la técnica de los puntos de vista (Viewpoints).
Bogart es confundadora, en 1992, del Instituto Saratoga junto a Tadashi Suzuki, descubridor del Método Suzuki de entrenamiento para actores profesionales.

Autores
Mika es una obra de autoría colectiva. Además de la platense Jimena Duca, son sus autores Helen Richardson (dramaturgista), Erin Courtney y Scott Adkins (escritores), Gabriel Gutiérrez, Brent Werzner, Anastacia Vincent, Sade Namei, Eunmi Hwang, Lorenzo Montanini (actores), Tara Gladden, David Gladden y Hallvadur Aggerson (músicos).
CUADRITOS SI QUIEREN

PASTILLAS
* La violencia contra la mujer es el delito más común pero menos castigado del mundo.
* Se estima que anualmente entre 700.000 y 4.000.000 de mujeres de todo el mundo son obligadas a ejercer la prostitución o son vendidas para ese fin, y que las ganancias de la esclavitud sexual oscilan entre 7.000 y 12.000 millones de dólares de los Estados Unidos.
* A nivel mundial, las mujeres de entre 15 y 44 años tienen más probabilidades de sufrir mutilaciones o de morir debido a la violencia masculina que por causas como el cáncer, la malaria, los accidentes de tráfico o la guerra, combinadas.
* Por lo menos una de cada tres mujeres ha sido golpeada, obligada a tener relaciones sexuales o maltratada de otro modo a lo largo de su vida. Por lo general, el autor de la violencia es un miembro de su propia familia o algún conocido. La violencia en el hogar es la forma más generalizada de maltrato de la mujer en el mundo entero, independientemente del origen étnico, la educación, la clase social y la religión.
Fuentes: Estudio a fondo del Secretario General sobre todas las formas de violencia contra la mujer (2006) (A/61/122/Add.1)
Vlachovà, Marie y Biason, Lea, Eds. (2004) Women in an Insecure World: Violence Against Women – Facts, Figures and Analysis.

Tapitas

Cuando terminó la fiesta de fin de año con sus compañeros de trabajo, el tipo recorrió las mesas y se guardó las tapas de las gaseosas en los bolsillos. Se fue del lugar contento, un poco por lo que había tomado, pero también porque, según dijo, iba a ayudar "a los chicos del Garrahan". Antes de cargar con las tapitas largó una risotada de autocrítica e indulgencia, como justificativa, aunque lo suyo no es poco ni tan fuera de lo común, parece.
En el diario juntamos tapitas. Un día hubo un debate -siempre hay debates en los diarios, sino no serían diarios- sobre la veracidad o no de la campaña. Luis, el jefe de deportes, le puso punto final a la discusión con un dato contundente: "Mi mujer colabora con la Fundación Garrahan y nosotros juntamos tapitas", dijo. Desde entonces, al final de la redacción, en el escritorio que está atrás al que ocupa Luis, hay una copa trofeo que llenamos de tapitas de plástico.
No era tan difícil confirmar la veracidad de la campaña, en la página web de la Fundación o en la del propio hospital hay información sobre los programas de reciclados, que son dos: de papel y de tapitas (de gaseosa o agua mineral). Según la Fundación, “cada día son más las personas que realizan la separación en origen colaborando de esta forma con los niños del Hospital Garrahan, y evitando provocar un impacto negativo en el medio ambiente”. Y agrega: “Aunque creas que tu aporte es pequeño, ayuda”.
Parece que ya lo sabe el tipo que terminó la fiesta de fin de año juntando las tapitas. Y lo sabemos los compañeros de Luis en el diario. También la señora que el sábado a la mañana, casi mediodía, iba a entrar en su casa cuando vio una botella de gaseosa entre la basura de su vecino. Y fue hasta la bolsa, la abrió, destapó la botella, se guardó la tapita en el bolsillo y, finalmente, entró a su casa. Feliz por su granito de arena.

Cultura platense

Los que están/son la movida de rock/pop/indie platense eligieron lo mejor de 2008.

El rock platense eligió lo mejor de 2008

En lo que coincide la mayoría de los músicos, dj´s y periodistas platenses de rock es que lo mejor de la tele 2008 fue Peter Capusotto y sus videos. En el resto de los ítems de la encuesta propuesta por Diagonales quedaron en evidencia los gustos diferentes, la dispersión. Capusoto, en tanto, arrasó con 11 votos positivos sobre 27 posibles. En Internet, por ejemplo, Facebook fue la página preferida por cinco votos, seguida por Taringa (4) y un poco más atrás Youtube (apenas 2).
Ahh! ¿Que lo importante eran las bandas y solistas? Hubo menciones para muchas, pero El mató a un policía motorizado ganó la encuesta. Cabe aclarar que se tuvo en cuenta la totalidad de los ítems musicales y no sólo la respuesta a “mejor banda”, porque hubo quien la votó como mejor nacional y quien la consideró la mejor platense. Y también se tuvieron en cuenta los votos positivos por mejor tema, disco y show. De todas maneras El Mató... tuvo seis votos como mejor banda y, por lo tanto, es ganadora indiscutida de la encuesta. Le siguieron en popularidad Sr Tomate, que entró segunda por los votos a su disco Ritmo de Vida y por mejor tema; mientras que los 107 Faunos tuvieron menciones por mejor grupo, mejor disco, mejor tema y mejor show, lo que también la coloca en el podio. Las tres bandas estuvieron seguidas por Norma, Mostruo! y Don Lunfardo y el Señor Otario, aunque hubo escasa participación de rockeros clásicos y más de la llamada movida indie. Lo que está claro, más allá de contar los sufragios, es que todas las bandas mencionadas se mostraron durante el año 2008 y tienen perspectivas de crecimiento para 2009. Estelares y Guasones fueron mencionadas, pero aparecen ya como lejos de la escena local.
En cuanto a los solistas, apareció en el podio Miro & Su Fabulosa Orquesta de Juguete, junto a Matías Vidal y Billordo. Por el lado de la revelación hay que destacar el reconocimiento de colegas y periodistas a The Charlie´s Jacket y a Valentín y los volcanes. Los pibes de Banda de turistas son la revelación nacional para el rock local.
A la hora de lamentar no haber ido a ver un show durante 2008, hay que anotar al del Indio Solari en el Estadio Ciudad de La Plata; a los que dieron Los Alamos en diferentes eventos y se suman shows para todos los gustos entre las bandas locales.
Al elegir una web platense, la preferida es Rockeristas, seguida por Bandas platenses, aunque también se mencionan a los blogs Condición y Cortando diagonales. Tiene votos como mejor programa y mejor web Infierno grande, de Radio Universidad.

Jazz en el Mar

El verano 2009 será el segundo sin festivales de jazz en la costa bonaerense. No habrá, como otros años, festival de jazz en Necochea ni tampoco en Miramar. Además, se proyectaba la realización de un evento en Pinamar que también quedó en la nada, por las dificultades de los organizadores para poder conseguir sponsors.
"Modificación de fecha: La fecha de la realización de la 4ta. Edición del Festival Jazz en Miramar se programará en el transcurso del año 2009", anuncia la página web oficial. Patricio Pucci, su mentor y realizador, se mostró muy molesto por la situación y explicó a Diagonales que el festival será reprogramado en el transcurso del año, con lo que negó incluso su posible realización durante el mes de octubre.
El Necochea Bosque Jazz, en tanto, se realizó durante cuatro años consecutivos con la presencia de destacados músicos nacionales. A pesar de ser el festival de jazz con mayor convocatoria de Argentina, tuvo que suspender sus dos últimas ediciones. Sus organizadores, la local Radio Maestra, el sello MDR Records y el prestigioso club de jazz Notorious –que pronto se instalará en La Plata– adelantaron a Diagonales que tal vez se reprograme para Semana Santa.
En Pinamar se gestaba un primer festival de jazz para enero de 2009, pero el acontecimiento artístico y cultural quedó en la nada por la falta de apoyo privado.
En todos los casos, además, los gobiernos municipales sólo seden el espacio para la realización del evento. En Necochea, por ejemplo, resulta paradógico porque se trata de un espectáculo gratuito que se realizó siempre en plena temporada y logró reunir, con buen tiempo, más de 1500 personas por noche en el anfiteatro a cielo abierto del Parque Miguel Lillo.
No hay noticias tampoco del festival Jazz del Mar, que se realizó en otros años en Pinamar, Cariló, Ostende y Mar del Plata, y que significó la realización de hasta cinco conciertos diferentes con veinte artistas en escena.
En definitiva, pareciera que los buenos tiempos ya no ruedan por la Costa Atlántica argentina y habrá que esperar para ver si vuelve a sonar las distintas tendencias y estilos que surgieron del antiguo jazz tradicional, aquel que nació en Nueva Orleans y que se extendió por el mundo gracias a su capacidad de mezclarse con otros géneros y crear nuevos estilos a partir de la libertad de los músicos para interpretar las composiciones.

Casamiento

Se conocieron en febrero, durante una visita de Ramón a su familia platense. Fue mientras recordaba sus tiempos de estudiante universitario, sus noches de pool en 8 entre 51 y 53, y su paso por las inferiores del Gimnasia y Esgrima de principio de los ´90; que Ramón conoció a Natalia. Y en un rapto de amor o tal vez de locura que le pidió matrimonio.
Las vacaciones terminaron y él volvió a Venezuela, de donde se siente natural, pese a que en verdad nació en Brasil. Tal vez la hubieran seguido por correo. O por teléfono, pero son gente de esta Era y pudieron mantenerse en contacto por internet. Y ella viajó en junio, a ver qué onda. Y la onda fue buena, parece, porque le pusieron fecha al casamiento: el 26 de diciembre de 2008.
La ceremonia sería en San Miguel del Monte, ciudad en la que nació y se crió Natalia. Distante apenas 100 kilómetros de La Plata, accesible para los familiares platenses del novio.
La familia de la novia alquiló el local en el que se realizaría la fiesta y el novio tomó un avión con su hija de 15 años rumbo a Ezeiza para pasar la Navidad en La Plata y rumbear para el pueblo el mismo 26 por la mañana.
No había contado Ramón, ni Natalia, ni su familia, con que a último momento se decretara un asueto entre el feriado del 25 y el fin de semana del 27 y 28 para la administración pública nacional y provincial ¿Cuándo irían a casarse?
La novia corrió a hablar con el personal del Registro Civil. Y los convenció. El viernes por la mañana hacía un calor de perros en San Miguel del Monte. Algunos vecinos disfrutaban de la laguna. La municipalidad estaba cerrada y en el hospital había apenas una guardia. Parecía que no había actividades en el Registro Civil. Y sin embargo.
A eso de las 11 de la mañana llegaron los primeros invitados y se acomodaron a parlotear bajo la sombra de los árboles. Había abrazos y besos, reencuentros.
La ceremonia tuvo lugar en mismísimo 26 de diciembre a las 11.30 y fue el único casamiento que se registró en el pueblo y tal vez en la provincia.

De la mano de Calvino

Comenzó a formarse en el teatro platense cuando tenía 13 años. Iba al colegio y después cursaba la preparatoria en la Escuela de Teatro. Allí también hizo el terciario mientras estudiaba periodismo en la Universidad Nacional de La Plata. Todos los años pensando que iba a cambiarse a Letras, pero quedándose en periodismo porque le iba bien. Es dramaturga, aunque su formación la impulsa también a la dirección. Mariela Anastasio tuvo este año en cartelera dos obras infantiles que preparó con el grupo Topográfico, del que es parte, y una para adultos, producida por la Comedia Municipal. Sus trabajos la llevaron a Colombia, Perú y Brasil. Fue invitada para ir a El Salvador, pero no pudo ser. Y vino la revancha: en febrero viaja a Venezuela para dirigir un grupo local en una obra que está escribiendo, basada en un libro de Italo Calvino.
Anastasio tuvo buenas maestras: Beatriz Catani y Diana Amiama en La Plata; Cecilia Propato, Susana Torres Molina y Natalia Pizzuto en Buenos Aires. Continúa con Alejandra Varela.
"Siempre pensé que iba a vivir del periodismo y que el teatro iba a ser un hobby, pero por suerte fue al revés", reveló a Diagonales. Este año fue el último en la Escuela de Periodismo Deportivo, en la que dio clases de periodismo radial durante ocho años; aunque seguirá con el Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica, donde enseña Interpretación para locutores y Dirección de actores y Taller de libretos y guiones para productores.
Estudió periodismo porque le dijeron que iba a escribir más que en Letras, pero cada año pensó que debía mudarse de carrera. Le iba bien, aprobaba, y se quedaba. Entonces, decidió seguir el profesorado.
Con 29 años recién cumplidos prepara una obra basada en el libro Las ciudades invisibles, de Italo Calvino. "Voy a viajar a Maracaibo invitada por el grupo Ciudadpuertoteatro", contó.
–¿Cómo surgió la invitación?
–Vieron mi trabajo en un encuentro que se hizo en Perú y les gustó. Quieren tener una experiencia de dirección conmigo.
Sin esperar preguntas, Mariela cuenta: "Ellos vieron Paraguas y relojes, una obra para todas las edades, aunque se presenta como una obra para chicos. Es muy delirante, con muchos saltos temporales y con dos actores que transitan por seis personajes. Se los exprime al máximo. Creo que les gustó la austeridad de recursos con los que está hecha. La verdad es que cuando el actor labura bien no se necesita nada más. Y es que el actor lo es todo. Un buen actor, potencia".
Lo cierto es que para esta situación particular, Anastasio comenzó a trabajar con el texto de Calvino y creó situaciones propias. "En el libro, un emperador chino le pide a Marco Polo que le cuente las ciudades fantásticas que no va a poder ver. Los personajes no serán los mismos, en la obra van a ser un emperador y un viajero y los espacios y las historias van a ser inventadas. Termino de escribir la obra y se las mando. Ellos van ensayando con su director hasta que llego yo y lo hacemos juntos. Ya consiguieron el teatro".
–O sea que estrenan enseguida...
–Si. En el teatro Baralt. Cuando vi las fotos me dio terror: ¡Es como el Colón! Escribo la obra en la computadora, con la foto del teatro de protector de pantalla, es un como elemento de presión para terminar la obra, como el desafío a vencer.
Pese a la experiencia en el extranjero, Anastasio aspira a fortalecer a su grupo Topográfico, que trabaja para construir su propia sala en La Plata, organizar eventos para que colectivos artísticos de otras ciudades y países visiten la ciudad y que sus obras puedan salir de gira.
"La Plata es una ciudad con una producción cultural increíble. Lo veo cuando le cuento a alguien cómo es la ciudad en la que vivo. Sólo para el Concurso Municipal se presentaron sesenta grupos. Pero hay más grupos que espectadores. Y es muy difícil mantener una obra en cartel por más de dos meses. Por eso pensamos que tanta energía, tanto esfuerzo y tanta investigación merece que podamos hacer giras, ir al interior o viajar al exterior, para lo que estamos conectados a través de la web (www.entepolavi.blogspot.com) con otros grupos a los que conocemos a través de los EnTePoLa (Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano); encuentros no competitivos en los que se debate qué es el teatro latinoamericano, se genera un lugar para conocerse y en el que cada invitado se toma un día para darle un taller a los demás", contó Anastasio.
–¿Qué cosas se van aprendiendo a medida que uno sale de la ciudad o del país?
–Uno empieza a ver que hay otras fuentes de trabajo. El intercambio permite ver cómo trabajan los demás, ver los espectáculos y discutir sobre el modo de hacer. Es muy enriquecedor porque hay tantas maneras de producir como lugares en el mundo.

RECUADRO
Actividades
En los últimos dos años, Mariela Anastasio hizo Paraguas y relojes con su grupo de teatro Topográfico. Se trata de un trabajo de investigación actoral basado en Alicia en el país de las maravillas y Alicia a través del espejo, de Lewis Carroll. "Con esa lógica onírica, se construyeron los protagónicos de Matilda y Perdomo, quienes trascienden las leyes del tiempo y el espacio", dice Mariela.
El grupo presentó en 2008 La Princesa Rana, otro infantil para todo público, basado en un cuento popular ruso que, a decir de los integrantes del Topográfico, "presentaba una bella estructura argumentativa y múltiples posibilidades de adaptación para ser llevada al teatro".
Por otra parte, Anastasio ganó este año el concurso de proyectos teatrales de la Comedia de la Municipal. Y estrenó en el Pasaje Dardo Rocha Buenos Aires, Hiroshima, Líbano –esta sí, definitivamente, para adultos–, una obra que contó con la actuación de Ernesto Meza, Ana María Haramboure y Néstor Villodo. Para escribir la obra, la dramaturga estudió las consecuencias de la bomba atómica Little Boy (Nenito) arrojada por el Enola Gay sobre la ciudad de Hiroshima. En el texto, bombardean Buenos Aires y tres sobrevivientes escapan en un tren que queda varado en Líbano, un pequeño pueblo de Laprida, en la Provincia de Buenos Aires. El vagón es un refugio a la radiación que quedó en el ambiente como consecuencia de la guerra.
–En esa obra hay una científica que trata de hacer mil grullas de papel...
–Sí. Está basada en la historia de Sadako Sasaki, una nena que tenía dos años cuando tiraron la bomba atómica sobre Hiroshima (el 6 de agosto de 1945). Sobrevivió, pero a los 11 años le diagnosticaron leucemia (conocida como la "enfermedad de la bomba A"). Su mejor amiga le contó una vieja leyenda en la que los dioses concedían un deseo a una persona que construyó mil grullas y la nena empezó con su creación. Murió después de 14 meses de internación sin cumplir con su objetivo y luego de haber cambiado su deseo para salvar a todos los chicos afectados por la explosión. Sus amigos terminaron con las mil grullas y en su nombre se levantó un monumento en el que se recuerdan a todos los chicos que murieron a causa de las bombas atómicas.

Foto: Alberto Direnzo

Crítica

El concierto que el sábado dio el Indio Solari en el Estadio Ciudad de La Plata comenzó con más de una hora de atraso. La enorme cantidad de gente que llegaba a último momento de diferentes partes del país derribó el mito de la puntualidad. Y obligó a la espera. Tal vez por eso, los fanáticos comenzaron a impacientarse y la emprendieron por las suyas con un pogo ritual: “oh Los Redondos, es un sentimiento, no puedo parar”. Fue con las voces de fondo que comenzó a sonar “Siempre pedía temas en la radio”, la canción que inauguró el concierto, la primera de Porco Rex, el último disco solista de Carlos El Indio Solari, ex cantante de Patricio Rey y los redonditos de ricota.
Como si hubiera que cocer la cuestión a fuego lento, la banda la emprendió después con la balada “Ramas Desnudas”, que la gente acompañó tranquila. Y eso pese a que se notaron, ya desde los primeros temas, problemas de sonido. Los Fundamentalistas del aire acondicionado sonaron mejor en el campo que en las plateas, donde el sonido fue muy bajo. Se escuchaba bien cuando El Indio cantaba, pero no se entendía nada cuando hablaba.
“Porco Rex” fue el tercer tema del concierto y el primero que levantó a público. De inmediato, El Indio hizo sonar el primer himno ricotero de la noche. Impresionante. “Me matan, Limón”, la canción homenaje al guardaespaldas de Pablo Escobar Gaviria, narco colombiano asesinado por el Bloque, una fuerza élite policial. “Me matan Limón Hijueputas, Limón! Por los techos viene el Bloque otra vez!”.
“Quiero verte Huir como un ladrón Al que nunca Pueden atrapar", como en un tobogán al revés, un tobogán que sube, que va para arriba, venciendo la ley de la gravedad, sonó “Rock para el Negro Atila”, de los Redondos. Y “Divina TV Fürer”: “Me estoy por ahogar, Me voy a pique glú-glú. Me está por hundir Mi fiel fantasma bu-búuuu!”.
Le siguió “Pabellón Séptimo”, un tema del primer disco solista de Solari, El tesoro de los inocentes. Y El Indio anunció que iba abrir las puertas del estadio para que pudieran entrar todos. Fue la constatación de que había algún problema con el sonido, porque la gente se miraba incrédula y preguntaba: “¿Qué dijo?”.
Tocó, luego: “Bebamos de las copas lindas”, un himno. Y otro, llamado “Y Mientras Tanto El Sol Se Muere”; balada de amor, que interpretó en el medio de la multitud un fanático con una bengala roja en la mano, meciéndose entre la gente, como el tipo de la canción: “Te voy a buscar En la oscuridad. Yo no sé si pueda Volver a encontrarte, amor”.
Antes del décimo tema, el Indio dijo algo así como que "la gola no está muy bien", como que necesitaba de las voces de su coro. Cantó “Martinis y tafiroles” y “Vuelo a Sydney”, dos de solista.
Tras once temas, la banda se tomó unos minutos y el público esperó tranquilo, como si estuviera satisfecho de la primera pequeña maratón propuesta y aceptara el descanso. “Este no es el mismo público que había con los Redondos”, explicó un fan a Diagonales. “El público de los Redondos no se iba a quedar callado ni ahí. Antes había más alcohol, más descontrol”, agregó.
La música volvió con “El tesoro de los inocentes”, una canción del primer solista, cuya leyenda dice que tiene estrofas del Indio para su hijo. Le siguió “Sopa de lagrimas (para el pibe delete)”. Y recién a esta altura del show el Indio hizo de front man. Le siguió “Te estás quedando sin balas de plata”. Y entonces sacó todo el oficio de cantante.
Y otra vez arrancó la seguidilla ricotera con “Ella debe estar tan linda”, un rock and roll ortodoxo, puro, tajante, que puso a la multitud a batir palmas. “Conduje toda la noche, reventando los cambios…”. Le siguió “Nadie Es Perfecto”… “Un tipo especial este Superboca, experto del re-mundo actual. Quiso ir a Nueva York (quiso ir a las series) quiso deslizar patés”. Y: “Voy a cuidar de mi amorcito”, El Indio deliró al público con “Ñam fri frufi fali fru” y puso el concierto en lo más alto.
Que siguiera la balada “To Beef or not to Beef”, no hizo bajar al público. Aunque de inmediato le siguió otro rock: “Por qué será que no me quiere Dios”, que terminó en un alto solo de guitarra. Y tuvo como invitado al baterista Martín Carrizo.
Y, para quienes lo habían olvidado. O para quienes esperaban impacientes, el Indio presentó a Andrés Calamaro. Juntos tocaron “Veneno impaciente”, “Esa estrella era mi lujo” y “El Salmón”. Las tres a dúo (ver aparte). El Indio dijo algo sobre los músicos populares, algo que el mal sonido impidió que se entendiera.
Siguieron “Tatuaje”, de Porco Rex y la tercera seguidilla ricotera de la noche. “Mariposa Pontiac-Rock del país” + “Un angel para tu soledad” + “Juguetes Perdidos”.
Cerca cerquita del final, siguieron “Flight 956” (Vuelo 956) y “Jijiji”. Fue el pogo más grande del mundo.

Lo del Indio con Calamaro fue “sólo un buen gesto”
… Y, para quienes lo habían olvidado. O para quienes esperaban impacientes, el Indio presentó a Andrés Calamaro. Juntos tocaron “Veneno impaciente”, “Esa estrella era mi lujo” y “El Salmón”. Las tres a dúo...
Solari pidió al público que se recibiera con cariño a su invitado. Ese que, se anunciaba, transformaría el recital en un hito en la historia del rock nacional: Calamaro iba a compartir escenario con Solari, algo que sólo había logrado Luca Prodán en la primera época de Los Redondos.
Además, Calamaro volvía a tocar en La Plata después de aquel famoso "qué linda noche para fumarse un porrito", que tantos dolores de cabeza le trajo.
Vestido de negro y con sombrero de cowboy, El Cantante fue muy bien recibido por el público, que lo ovacionó. Sin embargo, "Veneno impaciente", la canción que registraron juntos para Porco Rex, tuvo una tibia aceptación. La voz del invitado apenas se escuchó.
Se levantó el público desde el primera acorde de "Esa estrella era mi lujo", el tema de los Redondos: "No nos dimos nada, sólo un buen gesto", dice la letra. Calamaro se escuchaba menos que antes y sus gestos a los músicos de los Fundamentalistas resultaban exagerados, sobre todo para quienes veían todo el escenario, pero malescuchaban desde la platea.
“El salmón”, de Calamaro, sonó a full, tal como lo grabaron Los fundamentalistas… Hubo un momento que fue una bola de sonido informe. Pese a todo, el público festejó la canción, la coreó y hasta gran parte del césped hizo pogo.
Cuando terminaron las tres canciones, el dúo recibió un gran aplauso. Fue por cariño, por la historia del rock and roll.

La lista de temas
Pedía siempre temas en la radio, Ramas desnudas, Porco Rex (Solari-del disco Porco Rex), Me matan Limón, Rock para el negro Atila, Divina TV Führer (Redondos), Pabellón Séptimo (Solari-El tesoro de los inocentes), Bebamos de las copas lindas, Y mientras tanto el sol se muere, Martinis y tafiroles, Vuelo a Sidney (Porco Rex), El tesoro de los inocentes (El tesoro…), Sopa de letras , Te estás quedando sin balas de plata (Porco Rex), Ella debe estar tan linda, Nadie es perfecto y Ñam Fri Frufi Fali Fru (Redondos), To beef or not to beef (El tesoro…) Por qué será que no me quiere Dios y Veneno paciente (Porco Rex) Esa estrella era mi lujo (Redondos), El salmón (Andrés Calamaro), Tatuaje (Porco Rex) Mariposa Pontiac-Rock del País, Un ángel para tu soledad y Juguetes perdidos (Redondos), Flight 956 (Porco Rex) y Ji Ji Ji (Redondos).

Sobre el Indio

El joven periodismo platense dice:

El indio Solari: El Hombre
Por Federico Valenti
“Sólo los dioses y los muertos pueden parecer perfectos”
Las ideas de cambiar el mundo que nutrieron a toda una generación, supieron encontrar en el Indio Solari un vocero. Cuando el rock nacional comenzaba a ser redundante, y se ambicionaba una nueva cultura, apareció Solari. Solari era “El Hombre”.
El Hombre estaba al frente de un varieté más que atractivo, compuesto por toda clase de bohemios, borrachos, bailarinas semidesnudas, ciudadanos iracundos, y “jóvenes artistas”, muy entre comillas, autodenominados “los redonditos de ricota”. Por si esto fuera poco, el atractivo de El Hombre (nuestro hombre) se incrementaba con sus líricas perversamente ambiguas, en las que cuadraban perfectas todas nuestras ideas y sentimientos.
Su propósito: ordenar, traducir a través de sus letras, su experiencia con la droga, la nueva izquierda, la psicología, la calle y la vida en comunidad. El resultado: un lunfardo actualizado, una nueva clase de tango, trascendente a toda clase social, y un circo que con el correr del tiempo se fue profesionalizando y se convirtió en una banda. Patricio Rey y sus redonditos de Ricota, comenzó militando en el under, en pequeños círculos intelectuales, y llegó a convertirse en la banda más popular e importante del país. Aun más épica se torna la historia, si consideramos la independencia del grupo con respecto a las grandes compañías disqueras, los consecutivos estadios llenos y el fanatismo del argentino rockero promedio. (Joder, no por nada desde Madonna hasta Megadeth graban sus discos “en vivo” en nuestros pagos).
Desde su conjunto musical, El Hombre, se limitó a exponer su arte, evadiendo los flashes y a los medios de comunicación y casi no hubo más declaraciones que las vertidas en sus letras. Pero sus maniobras evasivas fueron en vano, pues llamaron la atención de todos e incrementaron los misterios en torno a su presencia.
Solari, El Hombre, hoy no puede salir de su casa. Habla regularmente con la prensa. Dice lo que piensa. Es solista, aunque se presente en banda. No le importa el que dirán. Toca con Calamaro. Descuida lo “progre”, lo “políticamente correcto” al hablar de temas como la inseguridad o sobre los ricoteros mismos. Sigue acertado, obsesivo, intelectual. Aprendió a grabar él mismo sus discos y hasta hace sus tapas. Lo que mas desea en el mundo es poder fumarse un cigarrillo sentado en la vereda, sin que nadie le hinche las pelotas.
De La revista de Hank

Indio en La Plata: de mística y fiesta
Por Damián García Toro
Parece haber una identificación indisoluble entre la ciudad de La Plata y Los Redondos (o alguno de sus componentes, en este caso el Indio Solari). Es así que su presencia genera un movimiento que involucra a varias generaciones en la expectativa de poder revivir el ritual ricotero aunque sea en forma parcial. Expectativa también avalada por un par de buenos álbumes en solitario, es cierto, pero de alguna forma la gran mayoría de aquellos que vayan este sábado al show, buscarán reencontrarse con la mística de antaño, esa que los convirtió en leyenda.
Seguramente sonarán algunos clásicos para delirio de los presentes, quizá aggiornados a los nuevos derroteros musicales del Sr. Solari, y con la ausencia de la inconfundible filosidad guitarrera de Skay, pero creo que a esta altura a la gente no parece importarle demasiado “quien toque”, sino “lo que se toque”. Vaya como prueba el furibundo éxito de los tributos ricoteros como Etiqueta Negra.
Pero a no confundirse amigos. Este sábado el 50% del núcleo creativo de Los Redondos aparecerá bajo las estrellas platenses y eso es garantía de fiesta. No en el sentido en que muchos lo han entendido en la última década y un poco más. No en el sentido de la bengala y el aguante. No de esa que habla de que somos iguales, los de arriba y los de debajo de las tablas. De la fiesta que hablo es la del oído. Poder disfrutar de esa voz que remite a otras voces, al fervor de otras ideas, al espíritu mismo de lo que siempre ha sido el rock, ese que arde desde hace tiempo y para siempre. Eso es lo que tendría que entenderse de una buena vez. Que la fiesta se derrame desde abajo de las luces hacia la gente y que ésta asuma su rol de partícipe necesario, no esencial. Quizá esto haya sido uno de los elementos angulares en la decisión del fin de Los Redondos. Que los que están abajo terminaran de asumir su rol. La banda, y en especial el Indio, nunca hicieron de su arte un acto de demagogia. Lamentablemente eso nunca fue entendido del todo por sus fieles seguidores.
Así que cuando este sábado, Indio y sus acompañantes hagan arder la ciudad, recuerden todos aquellos presentes, que tienen una oportunidad única de "disfrutar" de una verdadera fiesta. Solo les resta cumplir su parte. La otra… bueno, la otra está garantizada.
De la Revista Condición: Extraños

Los Platos rotos de la fiesta
Por Franco Ruiz
A través de su poética, Carlos Solari (el Indio) amplió las fronteras del canon, ingresando al rock, de empellón, personajes que por entonces eran considerados bajos. Aparecen así en el imaginario patricio "susanitas", "desagenlados", "dráculas", "groguis", "bestias"... Solari Recupera la contracultura hypster, y desde allí narra los underground años ochentas, en sintonía con intelectuales y bohemios de una Nueva Izquierda bien representada por revistas de la época como Cerdos & Peces. Ahí está el video-clip de "Masacre en el puticlub", con su lenguaje comiqueado, y esos antihéroes grotescos, nerviosos, desbocados, que terminan a las piñas por no saber qué hacer con tanta libertad, tras casi ocho años de dictadura militar. "Mi amor, la libertad es fiebre", explica el Indio, en "Blues de la libertad" (Luzbelito, 1996). Pero no sólo el contenido fue novedoso para el rock argentino, también lo fue el continente. En efecto, influenciado por las historietas del norteamericano Robert Crumb (autor de "Fritz the cat"), Solari comenzó a soltar en sus letras figuras onomatopéyicas, como: "Mi fiel fantasma (bú-bú)", o "Me voy a pique (glú-glú)". Solari no era cantante. Era un poeta que se había tomado muy en serio el oficio de escritor. Comenzó a cantar a pedido de sus amigos. "Cantaba baladas brasileras, pedorras...", recordó el primer monologuista del grupo, Sergio Martínez (Muferchus Filosoforum). Y agregó: "Nosotros le pedíamos que cante porque tenía una voz muy rara". En sus comienzos, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota tenía más que ver con un circo criollo que con una banda de rock. Allí estaban, entre otros, Edgardo Gaudini (El Doce), que repartía disfrazado de sultán los buñuelos de ricota y nuez, que según él "eran afrodisíacos"; Sergio Martínez (Muferchus Filosoforum), que festejaba, a través de sus monólogos ¡y en plena dictadura! el momento "democrático" que vivía el país; los primeros riffs de Eduardo Beilinson (Skay), de clara vertiente "hendrixiana"... y la poesía del Astronauta Italiano, claro. Allí hay que ubicar los orígenes de la bestia pop. Para poder funcionar como una banda de rock profesional, el Indio y Poli –que a diferencia de sus ex compañeros de grupo no habían nacido en familias aposentadas- echaron a los que no estaban dispuestos a trabajar por el éxito de Los Redondos. La respuesta de Muferchus, tras ser reemplazado por el filósofo Enrique Symn, fue: "El Indio debe estar abrazado a una heladera llena de salmón". Solari se molestó con las declaraciones de Muferchus, y hasta hoy que no se hablan, siendo que eran como hermanos. La preocupación del indio, a quien nunca le había sobrado el dinero -y sabía lo rápido que éste se va, y lo difícil que es conseguirlo- era "pagar el plato". Irónicamente, el grupo actual del ex bajista de Los Redondos, "Pepe" Fenton, se llama "Fenton y los Platos Rotos". Está claro, la pregunta era quién iba a pagar los platos rotos cuando la fiesta terminara. Y la fiesta terminó. Y Los Redondos se convirtieron en el grupo más exitosos de la Argentina.
Autor del blog Cortando Diagonales

Malos recuerdos

Fue a ver a los Redondos a Uruguay y a Santa Fé. Estuvo cuando tocaron en Mar del Plata y en la cancha de Racing. Desde el ´95 hasta el 2001 no se perdió un solo concierto. Si Patricio Rey y los Redonditos de Ricota tocaban en Jujuy, él ahorraba para el viaje y las extras. Pero algo pasó desde entonces. No fue la separación de la banda, ni los emprendimientos solistas del Indio Solari o Skay Belinson lo que lo alejaron de los recitales. Sin embargo, este fin de semana no irá al Estadio Ciudad de La Plata. Es porque le trae malos recuerdos. Y porque Solari “colabora con la gran perdición”. No está arrepentido, pero cambió su vida y hoy está “en otro canal”.
Si hubiera que buscar un fana platense de los Redondos seguro que él se anota entre los más seguidores de la historia de la banda. Gabriel Colo no puede ir al concierto: “me hacen mal algunos recuerdos. Me hace mal ver a los pibes ser devorados por la marginalidad. La última vez que el Indio vino a La Plata (en 2004) no pude terminar de ver el recital. Me fui antes de que terminara”, contó a NP.
“Los Redondos me hicieron muy bien y muy mal”, aclaró, pero los fantasmas que hoy quiere espantar le impiden disfrutar de los buenos recuerdos. “Como dice una letra, la industria de la diversión quebró. He visitado cárceles y no quiero que nada colabore para que haya tipos ahí dentro. Con lo delicado que está la sociedad y el mundo, no tenemos que dar motivos para que haya gente que se enferme. Y, en ese sentido, el Indio colabora con la gran perdición. No soy comisario de nada y no digo que no hay que escucharlo, sólo que yo ya no lo puedo hacer”, agregó.
A los 34 años, el fanático está en crisis. Y Colo ya no quiere saber nada con él: “Los recuerdos me pegan palos. Los Redondos eran demoníacos, sus recitales son recitales del demonio. He visto situaciones emparentadas con la autodestrucción del ser humano. Está claro que cuando no tocan los Redondos la gente se destruye individualmente, pero en los recitales se matan todos juntos. Me hace mal. No lo puedo ver. Yo quiero luchar para la vida, para el amanecer. Me pasó ahora”.
A Colo no sólo le gustaba la música, los riff de la guitarra de Belinson o las letras de Solari. Se sentía atraído también por el despliegue futbolero del público. “Me llamaba la atención ver juntas a las hinchadas de futbol. No les conozco la cara, pero a través de los trapos pude ver a las hinchadas de Gimnasia y Quilmes juntas en el estadio de Unión, en Santa Fe. O a la Guardia Imperial con la de Chacarita en la cancha de Racing”, describió.
La última vez que fue a un concierto fue en Córdoba. Sacó la entrada y viajó desde La Plata para ver lo que luego sería el último concierto en vivo de los Redondos, pero no llegó a entrar. Antes, ya se había sentido mal durante un concierto que los Redondos dieron en Uruguay en el 2000. “Me di cuenta que estaba en retirada. Para mi no era seguir a una banda de rock and roll, para mí era todo. Cuando hago algo voy a fondo”, advirtió.

- ¿Solari no descomprimió la situación al romper con la banda y tocar solo?
- Si, puede ser. Se cortó él. Incluso mejoró musicalmente, porque se armó como una selección y hace música de última tecnología y generación. Y también cambió la metodología de los shows. Ya no hay un pasillito de dos por dos por el que tenían que entrar todos, como ocurrió en el Patinódromo de Mar del Plata o en la cancha de Huracán, que pese a ser un estadio sólo tenía un pequeño acceso. El Indio se cortó y mejoró la calidad de la organización de sus conciertos. Y subió el precio de la entrada. Eso, por suerte, cortó muchas fieras. Además tiene más respeto por la gente, ahora invita a ir. Hace varios años atrás no se sabía si salías vivo de un concierto. El Indio no es lo mismo que los Redondos. Si llegaran a tocar los viejos Redondos, con las condiciones que imponían en su momento, esto sería Kosovo.

Colo recordó las tragedias relacionadas con los Redondos, aportó su experiencia de haber ido a todos los recitales “desde el 95 al 2001” y justificó: “era la manera de sentirme vivo. Pero era tanto el fanatismo y la ceguera que sólo vivía para eso. Ni quiero pensar los muchachos de los barrios mas pobres y qué es lo que buscan… la droga nos ha ganado por goleada… los Redondos fueron mi condena. Ya cumplí con esa condena hermosa y ahora estoy en otra etapa, intentando tener mi propia banda, que es mi familia. Quise ser el Indio y dejé de ser yo… Lo miraba y hasta cuando hablaba creía que veía a mi viejo, lo adoraba. En el Indio veía a mi viejo, aunque a él nunca lo veo y no sé qué quilombo armó en mi vida. Este fin de semana me quedo sin recital y no voy a saber para dónde arrancar, pero por lo menos tengo la certeza de que estoy en mi camino”.

Luna Nieto

"Ponete a hacer canciones", le decía su papá, cuando ella soñaba con otra cosa, con ser actriz tal vez, no sabía qué. Lo cierto es que él la llamaba y le pedía que se sentara a su lado y le daba consejos. "Lo más difícil es hacer una canción simple, hablar el mismo idioma que la gente. Y vos tenés eso", le decía.
Y también: "No podés darle la espalda a tu vocación. Vos naciste para ser cantante". El Chango Nieto murió el 31 de enero pasado, pero ya sabía que la menor de sus seis hijos iba a hacerle caso. Luna Nieto lo recordará hoy, cuando a las 21.30 suba al escenario de El Ayuntamiento (1 e/47 y 48) y por primera vez muestre en público las canciones que su papá ya conocía y admiraba.
Luna va a dos mil por hora. Es rubia, colorada. Y tiene enormes ojos celestes. Parece polaca. Es una aplanadora cuando habla, segura, sobre sus proyectos. Tiene 23 años. Llegó a la entrevista un poco tarde, vestida de negro de pies a cabeza, con ganas de contar su proyecto, pero negada a las fotos. "No quiero que se use la imagen de mi cuerpo, de mi cara, porque yo soy cantautora, tendría que haber venido con la guitarra", se lamentó. Y concedió luego una nueva reunión para una sesión fotográfica, que se realizó 24 horas después, en un estudio en el que aceptó tirarse sobre un sillón de dos cuerpos para una toma desde una escalera, pero siempre agarrada a la guitarra. Y se cubrió la cara con sus manos de uñas cortas, pintadas de rojo, como siempre, tatuadas la izquierda con la palabra VIVIR y la derecha con palabra AMAR, que son cosas que no puede dejar de hacer, que si se olvida, dice, "se muere". Como antes, se puso un vestido negro, pero cruzado por franjas violeta, amarillo y verde.
"Con mi papá toqué muchas veces. Y la semana pasada toqué con mi hermana (la folclorista Carla Nieto), pero ahora voy a tocar seis canciones sola, con mi guitarra", contó. Cinco de esos temas son de su autoría y la sexta es un cover de Cole Porter, de los años 20, con letra en castellano. Hoy, además, tocará otras cinco canciones con su banda.
"¿Va a venir a verme?", le preguntó al cajero del bar en donde se hizo la entrevista. "Es imposible que no le guste porque canto con el corazón", le dijo. Poco después, durante la nota, aclaró: "Lo que es auténtico, tarde o temprano es exitoso. No famoso, sino exitoso. Eso decía mi papá. Y decía que el verdadero artista es igual arriba del escenario y abajo".
EN EL NOMBRE DEL PADRE. Luna tiene dos canciones compuestas junto al Chango. Permanecen inéditas porque él no tuvo tiempo para registrarlas, pero ella ya les guardó un lugar. Una será grabada por su hermana Carla. Y la otra estará en su primer disco, que será editado el año que viene. "Cuando mi papá me llamó para que le ponga la letra me dijo que yo tenía un vocabulario simple y profundo que me iba a permitir conectarme con la gente", contó. Y afirmó que él fue su primer fan. "Me decía que ya tenía el hit, que es una canción que se llama 'Y'. Me decía que ya tenía buenas canciones. 'Si una canción es buena con la criolla es porque es buena', me decía".
Fue El Chango el que le insistió una y mil veces para que se largara sola. Incluso, le dijo que dejara de estudiar canto. "Los que me conocen de chiquita se sorprenden por mi voz, que sale de acá", afirmó tocándose la boca del estómago. "De lo más profundo", agregó.
Luna estudió canto durante tres meses, pero no se podía conectar con la canción. Hacía todo bien, pero le faltaba el alma. Estaba yendo bien, pero para cualquier lado. En aquel momento surgió, incluso, la posibilidad de hacer un disco, pero el productor la quería llevar al pop. A una de sus canciones, le cambió un acorde. Cuando El Chango la escuchó puso el grito en el cielo. Luna no volvió a estudiar canto ni a ver a su productor. En su lugar, comenzó a ir a una fonoaudióloga. "¡Aprendí a respirar con el diafragma y listo!", explicó.
–¿De qué hablan tus canciones?
–De lo que siento, de mis cambios en el estado de ánimo. Pero, la verdad, yo pienso que no importa de qué hablan las canciones. Lo que importa es la sensación que provocan. Y si te permiten conectarte con la esencia de la canción. No hay nada si hay una gran melodía sin letra, ni si hay una gran letra sin melodía.
–¿Y cuál es el estilo?
–Yo le puse un nombre. Son una fusión involuntaria, porque no están pensadas, como escucho hoy que se juntan para hacer rock con folk o rock con tango. Yo lo hice sin pensar. Si escuchás un tema podés decir que es melódico o rock, pero cuando escuchás los doce ya no podés decir nada. Es una fusión involuntaria.
Luna es discípula de su papá. Nunca escuchó jazz, ni blues, aunque algunas de sus composiciones suenen exactamente a eso. "Soy aficionada, nunca estudié música", explicó. Y aseguró que tal vez por eso prefiera no meterse con el folclore. "Tal vez cuando sea más grande, porque me gusta, pero no es para cualquiera", aseguró.
Su debut iba a ocurrir en Buenos Aires, pero el dueño de El Ayuntamiento la escuchó, le gustó y se ofreció para producirle la fecha. Hasta esperó que ella armara su banda. El novio de su hermana Mariela, el percusionista Diego Alba, le armó el grupo. Ensayaron un mes y medio para la presentación en vivo.
"En algún momento pensamos que podíamos hacer los doce temas con la banda, pero luego entendí que había algunas canciones que debía tocar sola con la guitarra. Son canciones lentas, en las que tiene que escucharse el silencio de la canción. Porque al silencio no hay que taparlo, hay que mostrarlo", describió.
"No sé si yo tendría que haber sido cantante –le decía El Chango–, pero vos naciste para serlo. Sos hija mía para aprender". Luna no pudo antes, pero ya no piensa quedarse en el tintero, esperando. Y debuta en La Plata, haciéndole honor a su papá.

Recuadros afuera
Un padre
Carlos Alberto “El Chango” Nieto nació en Salta en 1943, pero fue en La Plata donde lo descubrió Hernán Figueroa Reyes, quien después de escucharlo le propuso grabar su primer disco. Había llegado a la capital bonaerense a estudiar y cantaba en las peñas folklóricas, que estaban en su apogeo. Tocaba el bombo legüero y componía folclore melódico, estilo del que fue uno de los máximos exponentes.
En La Plata conoció a quien sería su esposa Nélida y madre de sus 6 hijos, Carla, Hernán, Natalia, Rodrigo, Mariela y Luna.
Dice la historia familiar que ella se iba de una peña, ya estaba de espaldas al escenario, camino a la salida, cuando lo escuchó cantar. Y se quedó prendida de la voz. “Dice que al principio mi papá no era lindo, sino que con el tiempo se puso lindo”, contó Luna, divertida con la ocurrencia de su mamá.
El Chango falleció en La Plata el 31 de enero pasado, víctima de una enfermedad terminal. Tenía 63 años.

La banda
Luna toca con Hety Merlini en batería, Diego Alba en percusión, Nico Cerdá en bajo y Rodo Wader en guitarra.

Foto: Alberto Direnzo

Eternos caminantes

Decididos a "engomar el mundo de ilusiones con coches y golosinas y multitudes", y dispuestos a mostrar "los talentos que se tienen por dentro", los integrantes del taller El Cisne del Arte de la Casa de Pre Alta del Hospital Alejandro Korn presentan hoy el segundo número de Eternos Caminantes, la revista que produjeron en sociedad con alumnos y docentes de Diseño Activo, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Los talleristas, coordinados por la artista platense Laura Lago, presentan su revista a las 15 en la sede de la Casa, en 56 entre 9 y 10.
Eternos Caminantes resume las actividades a las que se dedicaron los talleristas durante el año: "La escritura, el dibujo, el collage y la pintura. Además, narra el proceso de elaboración de la marca del taller El Cisne del Arte y otros trabajos que propusieron desde la cátedra de Diseño Activo, relacionados con la identidad de los alumnos", describió Lago a Diagonales.
Formada en el teatro platense y a punto de recibirse como coordinadora de técnicas psicodramáticas y corporales en salud mental en el Instituto de Neurociencias de Buenos Aires (INEBA), y como profesora de juegos dramáticos en la Universidad del Centro (Unicen), en Tandil, la artista creó los talleres de la Casa de Pre Alta en agosto de 2006, luego de trabajar cinco años en el Hospital Neuropsiquiátrico Domingo Taraborelli, en Necochea.
–¿Qué particularidad tienen los talleres, teniendo en cuenta que los alumnos son pacientes de un hospital neuropsiquiátrico?
–Aunque no se descarta si el interesado lo propone, nuestros talleres no buscan la formación de artistas, más bien se piensa el lenguaje y el mundo del arte como un universo de recursos y contenidos del que pueda valerse una persona con sufrimiento psicofísico a la hora de expresarse, para vivir en armonía con su entorno y hacerse valer como sujeto de sus intereses. Por supuesto, también para que aquellos que se piensan como artistas puedan desarrollarse aún más. En los casos en que el arrasamiento subjetivo es muy fuerte, la apuesta del taller y la mía en particular es propiciar un terreno fértil para el nacimiento de algún tipo de interés, inclinación, ansias. Muchas personas llegan al taller sin saber con qué se van a encontrar.
–¿Cómo nació la revista?
–La revista nació por iniciativa de los propios talleristas, a partir de otras experiencias en las que habían visto materializado algún tipo de publicación. Este segundo número fue producido junto a alumnos y docentes de Bellas Artes, y arrancó de un encuentro con Sara Guitelman, adjunta del Taller C/Filpe de la carrera de Diseño y Comunicación Visual, a quien conocimos durante la muestra de fin de año 2007 que se hizo en el Centro Cultural Islas Malvinas. Ellos nos aportaron la gráfica del taller de arte, la creación de los afiches, el logo y el diseño de la revista. Y juntos creamos la marca El Cisne del Arte en un trabajo que realizamos en el taller de letras. Además, desarrollamos otros trabajos relacionados con la identidad de los alumnos.
–Por ejemplo...
–Trabajamos sobre el espacio que cada uno consideraba su casa. Fue interesante porque no se planteó el objeto casa, sino la función casa, ese lugar singular que cada uno reconoce íntimamente como su hogar, su refugio, su hábitat. Es importante esta mirada acerca de la función, dado que en este taller hay personas que viven en el Centro de Rehabilitación o en la Sala Ingenieros, dos espacios intra hospitalarios, o en pensiones o casa alquiladas. Y sin embargo, el "sentimiento casa" estaba presente en todos: un rincón, un sector del hospital a determinada hora, el taller mismo. La cuestión de "sentirnos en casa" nos atraviesa a todos.
–¿Hay proyectos para desarrollar otros objetos además de la revista?
–Este año mostraremos una selección de obras del taller de plástica acompañando la presentación de la revista. El año que viene, la intención es seguir trabajando con Diseño Activo y desde los talleres producir la publicación de un libro de poemas de un alumno que ya escribía, Daniel Degol; un libro tipo antología, de varios autores; una muestra plástica mas extensa, y la posibilidad de crear un taller de teatro y expresión corporal itinerante, que vaya girando por distintos lugares culturales de la ciudad.

Marcha Carnavalera

“Dicen que estamos locos de la cabeza, prefiero tener locura y no tristeza”, cantó la murga. “¡Daaaaaaale cheeeee!” arengó uno. “¡Vaaaamos!” apoyó otro: “llegó el Pulgón, llegó el Pulgón”, se presentó la comparsa. Traficantes de utopías, poseídos por Momo, coparon las plazas del centro de La Plata. Fue durante una marcha para pedir por un estado de alegría, para que los corsos recuperen para todos el feriado del carnaval.
Hay quien dice que llegaron a juntarse, silbando bajito, unas 80 murgas de la región, Capital y el Gran Buenos Aires. El encuentro fue organizado en Plaza San Martín para las 17, cuando estallaron los tambores. Y movilizó a los murgueros por la avenida 51 hasta la plaza Moreno.
Rojos de pies a cabeza Los diablitos de San Carlos II, de Moreno; violeta, verde y celeste Los prisioneros del delirio, de Sarandí. Violeta, blanco y amarillo Los lunáticos del arrabal, de Villa Pueyrredón. Verde y verde (otro verde, claro) el centro y murga La Pachorra, de Berazategui.
Pero La Plata estuvo ayer teñida de todos colores. Y los vecinos aprovecharon para ver el desfile de murgas. Y ver a las comparsas bailar al ritmo de bombos, platillos y alguna que otra trompeta.
–¿La municipalidad les otorgará algún premio?, preguntó la señora.
–No. Nada señora. Nada.
Tanto esfuerzo murgueril es para pedir el regreso del carnaval. Y parece que podría ser una verdadera fiesta. La marcha, por lo pronto, encandiló a los platenses que andaban por el centro, testigos involuntarios de la movilización. Los vecinos que se enteraban del asunto se acomodaban sobre la calle 51, sentados en el cordón los improvisados, sobre sillas plegables o banquitos de plástico los que andan dispuestos a festejar el domingo cueste lo que cueste, con el mate listo y agua caliente en el termo.
Un pibe con un cartel: "Basta de represión en las plazas". Un enmascarado en zancos, tirando espuma. Y chicos, muchos chicos, enfundados en trajes con lentejuelas, identitarios. Bolsas de papel picado tiraban los murgueros al cielo. Y al espacio lo tornaban todavía más multicolor, algo que apenas un segundo antes parecía imposible.

Foto: Eva Cabrera

En el nombre del padre

"A mi papá lo chupan un viernes por la noche en Olavarría. Llovía. Él volvía de la cochera de la vuelta de su estudio jurídico cuando lo levantan, el 29 de abril de 1977. Ese mismo día lo llevan a Tandil, al Centro Clandestino de Detención (CCD) de los hermanos Méndez, dos civiles que prestaron una quinta a las Fuerzas Armadas. El 3 de mayo se escapa y lo matan. Llega a una casa vecina en cuero y deshidratado, con las marcas de la tortura en su cuerpo... Las marcas de la picana ¿no?... Ahí lo ven un hombre y su hija. Pero atrás de él llega una camioneta del Ejército. Él corre, pero le disparan… La bala que lo mata entra por el pecho, de frente, de arriba hacia abajo. Se supone que lo alcanzan, lo hacen arrodillar y lo fusilan". El que habla es Matías Moreno y el hablado es su papá Carlos Alberto Moreno. El que habla es un sociólogo platense y el hablado es un abogado laboralista. El que habla es el director de la película "La sonrisa del negro. Cemento y dictadura en Olavarría", que podrá verse hoy, a las 19, en la Comisión Provincial por la Memoria, en 54 entre 4 y 5. Y el hablado es el protagonista de la película, el negro Carlos Alberto Moreno, amigo, vecino, hermano, marido y militante de la Juventud Peronista. El padre asesinado por la dictadura militar por defender a los trabajadores.
Matías nació el 30 de julio de 1975 y a los pocos días ya vivía en Olavarría. Su mamá, la platense Susana Lofeudo, trabajaba como maestra y su papá, recién egresado de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), hacía sus primeros pasos como abogado laboralista de la Asociación de Obreros Mineros Argentinos (AOMA), porque, como dijo cuando le ofrecieron representar los intereses de una empresa local, su opción era por los trabajadores.
Carlos Alberto Moreno fue secuestrado en Olavarría y trasladado al centro clandestino de detención "la Quinta de Méndez", en Tandil. Cuatro días después, el 3 de mayo, murió fusilado en un intento de fuga. Matías y su mamá, que estaba embarazada, volvieron a La Plata, donde se quedaron a vivir. Y en el pueblo quedó la familia paterna.
- ¿Cómo se te ocurrió filmar el documental?
- Fue por casualidad. Cada vez que iba a Olavarría a visitar a la familia de mi viejo me encontraba con alguien que lo había conocido. Con el tiempo me fui dando cuenta que algunos de los que me contaban las historias de mi papá se iban y ya no volvía a verlos. Entonces, se me ocurrió registrar lo que me contaban en un formato audiovisual. Y con mi novia comenzamos a filmar las conversaciones. Yo sabía cómo había muerto mi papá. No sabía cómo había vivido. Cómo había sido su infancia y su adolescencia.

El material que Matías logró reunir junto a Virginia Russell –su pareja y la mamá de su primer hijo, Pedro Facundo-, los entusiasmo. Y entonces llamaron a un amigo estudiante de cine que los ayudó a montar las entrevistas y organizar el material para que pudieran completar una película documental no profesional, que en su estreno en Olavarría fue vista por más de 350 personas.
A partir de los testimonios, el trío trabajó para reconstruir la historia de vida y militancia de Carlos Alberto, enmarcado en el contexto socioeconómico de la época y su lugar, Olavarría, para tratar de explicar porqué desapareció.
Licenciado en Sociología, Matías cree que su documental "no habla sobre la muerte, sino que cuenta qué hacían, cómo vivían, qué pensaban y porqué militaban mi viejo y los tipos de su generación. Mi papá era un tipo común y corriente que fue consecuente con su historia de vida. Luchó por un país mejor y estuvo dispuesto a dar la vida por ese proyecto de país".



RECUADRO
Causa judicial
Hay cinco imputados por el homicidio del Carlos Alberto Moreno. Los coroneles retirados Julio Alberto Tommasi y Roque Italo Pappalardo cumplen prisión domiciliaria porque tienen más de 70 años. El suboficial mayor retirado José Luis Ojeda es uno de los militares presos en el penal Marcos Paz. Además, la justicia tiene apuntados a los hermanos Julio y Emilio Méndez, dos civiles acusados como partícipes secundarios, pues se los señala como los dueños de la casa en la que funcionó el centro clandestino de detención conocido como "la Quinta de Méndez" durante la dictadura.
El juicio, que está en etapa de instrucción, se desarrollará en Mar del Plata durante el año que viene.
De todos los imputados, Julio Méndez tuvo su minuto de fama este año, cuando en un reportaje realizado al presidente de Federación Agraria (FA) de Entre Ríos, Alfredo De Angeli, apareció en cámara.
Supuestamente dedicado ahora a la producción agropecuaria, participó activamente de las protesta por la derogación de la 125, tanto en Tandil como en Rosario, Gualeguaychú y Palermo.
Además de los responsables materiales de la muerte de su papá, Matías aspira a llegar a saber quiénes fueron los autores intelectuales. Y apunta en la dirección señalada por el subtítulo de su película: "Cemento y dictadura en Olavarría".
"Queremos ir por los autores intelectuales del homicidio. Y entre los sospechosos están los gerentes de Loma Negra de aquella época y Amalita Fortabat, por ser la dueña. A mi papá lo mataron por defender los derechos de los trabajadores", aseguró Matías.

Puto

Un amigo llevó a otro y cuando quisieron acordar eran una banda a la mesa. Todo permitido menos hablar de política, bromeó uno. Ni de fútbol, exageró otro. Entre los amigos había un músico platense nacido en Benito Juárez. Y también un periodista platense nacido en Azul. Y podría haber habido un arquitecto platense nacido en Olavarría. O un abogado platense nacido en Trenque Lauquén. Y también había algún que otro Nacido Y Criado (NYC) 100% platense.
Tal vez por el desencanto de los emigrados, los adoptados por La Plata por obligación, porque se quedan, porque no se vuelven a sus pueblos -como bromeaba un NYC-, se puso en debate cuál es la peor ciudad de la Argentina.
Hubo votos para un puerto con base naval y una ciudad que se informa con un diario de la curia, por el lado de la provincia de Buenos Aires. Y sospechas sobre todas las capitales del noroeste. Algunos observaron entonces los nombres de sus pueblos natales.
El de Rauch se quejó por el nombre de su ciudad, que homenajea al coronel prusiano contratado por el presidente Bernardino Rivadavia para eliminar a los indios ranqueles de las llanuras pampeanas. Y el de Villegas recordó el revuelo que armó don Osvaldo Bayer cuando propuso cambiar el nombre del general contratado para matar al cacique Pincén por el del escritor Manuel Puig. Contó que hasta el intendente se volvió loco y lo fue a ver a Don Osvaldo al hotel, apenas se enteró de la propuesta:
- Qué me hizo Don Osvaldo-, se quejó el intendente.
- ¿Por qué?-, preguntó, no tan inocente, el escritor.
- Justo proponer Manuel Puig.
- Es un gran escritor. Es muy difícil que vuelvan a tener otro como él.
- Y… pero usted sabe…
Lo que debía saber Don Osvaldo y no quería atinar a entender, aunque lo entendía perfectamente, era que para el intendente era peor que el pueblo llevara el nombre de un genocida, de un mercenario, al de un puto, por más genial escritor que fuera.

La semana del niño

No es el día del niño, no. Ni llegaron los Reyes Magos; no, tampoco. Sin embargo, los chicos de La Plata tienen por delante una semana de fiesta: La muestra de los talleres artísticos de La Grieta, el espacio de encuentro y creación, risas y juegos, que hay en el Galpón de Encomiendas y Equipajes de la ex Estación Provincial de Trenes, en el barrio Meridiano V, que comenzará hoy y continuará hasta el sábado 6, también apto para jóvenes y adultos de todas las edades.
Más de 300 chicos de los diferentes talleres mostrarán los trabajos que hicieron durante el año y festejarán su aprendizaje con muestras en vivo, sueltas de faroles –o globos aerostáticos- y hasta la gran reinauguración de la Legendaria Cancha de Bolitas de Meridiano V, que cerrará el evento y se coronará con un campeonato de bolitas hasta que baje el sol, según prometió la tallerista Gabriela Pesclevi.
En una visita guiada realizada apenas horas antes de la gran inauguración, Pesclevi contó a Diagonales los detalles de la programación y adelantó, además, la presencia de Batuqueros Playeros para mañana, domingo, a las 22, en un inmejorable marco de suelta de faroles + fogón + tentempié + swing con fuego + sorpresas. Imperdible.
Las actividades se desarrollarán en el viejo galpón recuperado que alguna vez recibió y amontonó las encomiendas, en 18 y 71. Y comenzarán hoy, a las 11, con la apertura del taller de collage para chicos y grandes a cargo de la ilustradora María Wernicke, para lo que habrá que averiguar si quedaron lugares, porque los cupos eran limitados.
Hoy hay muestra de collages de los talleres de plástica para chicos La Vaca de Muchos Colores, a las 18. Y a la misma hora, el taller de plástica para adultos, que se llama Gato Imán, organizará juegos en el playón de la vieja estación.
A las 20, en los andenes de la estación y el interior del galpón, comenzará la muestra de los trabajos del taller de acrobacia aérea en telas, del que participaron chicos y grandes.
Algunas de las actividades del domingo se suspenden por lluvia, como el taller de construcción de faroles, a cargo de los Talleres de Plástica y el Taller de Objetos e Invenciones. Pero habrá otras que se realizarán aunque haya que ir con paraguas, como la presentación de la obra de teatro “Los campamentistas”, una creación colectiva para una noche de primavera del Taller de Teatro para chicos. Otra de las presentaciones bajo techo es la de danza teatro, que contará con la presencia de la bailarina Julieta Rano, como invitada especial.
Lo dicho: si está lindo tocarán los Batuqueros Playeros y se elevarán al cielo los faroles construidos durante la tarde. Si hay lluvia, la actividad será reprogramada.
Pesclevi explicó que no sólo se verán las producciones de los talleres que se desarrollan de marzo a diciembre, sino también el espíritu que los anima.
La tallerista, fundadora de La Grieta, adelantó que los días clave para que los chicos visiten la muestra serán hoy, el miércoles, el viernes y el sábado que viene, porque otros chicos mostraran sus trabajos. “Las programaciones del martes y el jueves serán más interesantes para los adultos, aunque a nosotros nos gusta que grandes y chicos estén juntos, compartiendo”, aseguró Pesclevi.
Además de las muestras, habrá talleres a los que sumarse durante la semana y eventos artísticos. El próximo fin de semana, además, funcionará una radio abierta en la que se difundirán las actividades de la muestra y se presentará un radioteatro: “La princesa Margarita no se quiere casar”, protagonizado por una vecina. Según pudo saber Diagonales, habrá panfletos en los que se difundirán rumores sobre el personaje principal de la obra, ferviente opositora del matrimonio y en romance con un dragón.
Con motivo de la reinauguración de la Legendaria Cancha de Bolitas, un espacio simbólico que representará a las canchitas de bolitas que había en el barrio cuando el juego era muy popular, aunque los chicos siguen jugando hoy, se desarrollará un campeonato (que ha de ser el primero del siglo XXI) hasta que ya no se vean chocar las lecheras con las japonesas o los bolones. La muestra cerrará poco más tarde, con una cena a la canasta.
Comenzará a gestarse, entonces, la organización para la cena de fin de año y la construcción del muñeco que será quemado para despedir el 2008. Pero esa es otra historia.